缪谈《霸王别姬》

大一是第一次看过这部电影，对于陈蝶衣的角色除了华丽，颓靡，出彩的感觉之外，其实并没有太多共鸣。我觉得共鸣通常都与自己有关，我只是理性地感慨一下这个角色，一如许多人。对于这个人物承载的文化内涵，还有这部电影所蕴藏的历史意义，讲了太多太多，反倒是人云亦云的感觉，集体无意识了。各人凭自己的喜好，经历去臧否人物，本就无可厚非。不过时宜景移，自己回头看过几回，竟然每回都是别样滋味。所以，天下之人，都会站在自己的立场，角度去看问题，若想寻得人与人之间的真相，就必须得感同身受体会他人的角色。近几天又回想起这部电影，竟发现此电影一直被误解的人是段小楼！

蝶衣，小楼，菊仙三个人的纠葛，这其中的情感以及利益真的是解不断，理还乱。青少年时期的小豆子和小石头朝夕相处，必定有情，及至蝶衣小楼后由情生爱也不是不可能，更何况我想那时代戏子之间本就有许多暧昧风气。然而段小楼确实不是个同性恋，他爱逛窑子，而且对袁四爷这种有不良癖好的戏霸似乎天生抱有敌意。所以，站在段小楼的立场上说，他对蝶衣是有爱的，但却不是爱情的爱，所以提气那一段他有点异样可又恍惚了一下。爱和性本就有一种临界点，而伦理是人为的思想控制物，小楼虽然不是同性恋但对蝶衣不可能完全拒绝。蝶衣，显然，他也不是天生的。首先，由于母亲的关系他憎恶妓女，其次，他的身份特殊，似乎在对待女人的态度上比较微妙，而且老太监的那一段有可能使他的性取向发生了改变。不过他对段小楼的态度可以从那句经典的话里得出来，就是那句唱一辈子戏的疯话。逛窑子打抱不平和唱一辈子戏并没有太大冲突，可是蝶衣却不依不挠。很显然，蝶衣在乎的不是小楼荒废了戏，而是在嫉妒，可又碍于身份不能明说，而段小楼不是不明白蝶衣的情感，他更不是现实主义，他只是不能接受这样非正常的生活。他真的不是个GAY啊~凭什么他小石头这辈子就得为小豆子活啊！

故事的转折点在于菊仙。菊仙光着脚跑去找段小楼，段小楼只看了一眼便一口应承了，那是义气！一个人一辈子的终身大事啊，这是何等义气。可是霸王的义气用在曲曲折折的感情上起的不是四两拨千斤的效果，而是遗祸终身！陈蝶衣和段小楼还是分开了，不是姬别霸王，是真的“霸王别姬”。

蝶衣为了救小楼去给青木唱戏，人是救出来了，却真的是失去了。段小楼啐了蝶衣一口，完全没有朋友的义气在！如果换做真正的兄弟情谊，即使蝶衣真的错了，不该给日本人唱戏，那小楼的反应也不该是这样，而是打！看他打起菊仙来，手也顺的很，整部片子，他下不了手的就是他的师弟！他啐师弟这一行为其实很微妙，甚至可以臆测小楼以为陈蝶衣和青木有了不正当的关系，因为蝶衣迎上去的第一句话就是：青木他是个懂戏的!“懂戏的”，想必小楼的第一反应就是那个戏霸袁世卿吧！电影镜头随后是热闹的婚礼，段小楼对菊仙热情似火！蹊跷蹊跷啊！但这个事件，直接导致段小楼不去唱戏了，虽然表面上这是菊仙的意思。

不唱戏的段小楼斗蛐蛐，全然没有了霸王的英气，倒是对菊仙，该发的脾气还是要发的！这一点倒是意外，因为无论陈蝶衣做了什么忤逆了他，对他提了什么要求，他也不敢给蝶衣脸色看，除非是他所在乎的陈蝶衣的“节”。每次蝶衣和菊仙的龃龉，他也总是站在蝶衣这厢，只要看关师傅训他们那段就可以见分晓。小时候一直瞎嚷嚷打皮之类的话的小石头竟然苦着个脸，那是懦弱了吗？不是，是真的惭愧啊！师傅去打蝶衣时，他立马搬了凳子伏在师傅面前，这难道不是情！菊仙刚说完蝶衣的不是，段小楼狠狠的一巴掌就打了过去。反观陈蝶衣，从头到尾一声不吭，他打心眼里就认为师哥活该被打，可他也是有爱的，因此他不敢看！所以，对蝶衣和菊仙，段小楼哪个是情，哪个是义，真相就藏在理所当然的谬误中。而菊仙恰恰是最明白真相的一个！所以，她要他远离了他的师弟，怀孕即是契机。段小楼是个有责任心的男人，他不可能不听从怀孕的妻子！

然而戏院群殴事件中，却让菊仙一下得两的美梦彻底粉碎。段小楼为了陈蝶衣敢和众兵油子闹事，菊仙虽怀着孕却也不忍小楼挨打，前去拉架。在这一出里，最懦弱的却恰恰是陈蝶衣，完全曝露了他自私的本性。在他被宪兵队抓走的时候，小楼急赶，可看着刚流产的妻子，从不流泪的段小楼哭了，他还是留下了。他是真对菊仙有愧，对蝶衣的任性他也实在无可奈何，他立了字据，算是对菊仙的补偿，也完全改了行。

几多春秋，北平解放，小四作梗，又一次霸王别姬。文化大革命来袭，其中较难理解的是蝶衣偷看小楼和菊仙焚四旧的戏码。又联想起段小楼最后的混账，可见小楼对菊仙的那场亲热戏里面是没有爱的，只有性的互相安慰。而蝶衣的介入恰恰证明段小楼真正爱的人是陈蝶衣，所以在广场上段小楼揭发蝶衣时，所揭发的内容却直指蝶衣和袁世卿的苟且之事，还把那出自袁四爷的剑给扔进了火堆，按理说人要揭人短总是揭自己最痛恨之处，正如蝶衣真正所揭发的是菊仙的妓女身份，再看段小楼吞吞吐吐的模样，恰是心底最深处的疙瘩！

整部影片中，除了广场那一段任性，段小楼一辈子都是为别人活的，他是个混日子的人，人生无甚理想，可是这样的人最看重的却不是自己，而是希望爱他的人，和他爱的人都能够好好的活。他这辈子没做错什么事，是文革让他晚节不保，是岁月的沧桑拖垮了霸王，可这能怨他吗？在现实里一直在付出的难道没有他段小楼吗。是他从小护着陈蝶衣，是他为菊仙解难，是他收留净身而出的菊仙，而他也曾为蝶衣出头，奔走，温柔体贴过，可是他从蝶衣那里得到过什么呢，唯一的就是免了那场日本人的牢狱之灾。他爱的不是戏台上那个风华绝代的虞姬，是现实里活生生的小豆子。而程蝶衣他爱的是霸王，不是现实里的小石头，所以他忍心看着段小楼挨打，受苦，要他小石头陪着自己疯魔。错了，真的错了。程蝶衣一辈子要做虞姬，可是他终究没有做成，因为他一直在“失节”，或者说他做了一辈子京戏的虞姬，而不是段小楼的，段小楼真正的虞姬却是出身妓女的菊仙，无论哪朝哪代都一直陪着他，直到段小楼不要她！所以说，无情无义的一直不是段小楼，而是为了理想疯魔了一辈子，一辈子任性的陈蝶衣。

结尾时刻，段小楼笑了，因为他知道他的小豆子还是爱着他这个小石头的，可是程蝶衣要的却是霸王，霸王已不在，虞姬岂能独活。

这出戏里，最苦最累的全由一女子担了，可叹菊仙。也可叹被世人唾弃的段小楼。


缪谈《霸王别姬》 作者：水立方

温情脉脉的《孔子》

在看《孔子》之前，我猜想，导演也许会犯这样一个毛病——她为了显示自己的创作功力，毫不手软地把孔子还原成一个普通人，她用力过猛，一把扯掉了供桌上孔子神圣的画像，换上一张彩色的普通相片。我想，孔子毕竟是个圣人，如果这样做，恐怕会伤害到我们中国人脆弱的神经。直到看完影片，我才意识到，自己的顾虑完全是自作多情。导演如果真的犯下我所说这个毛病，那就好了。在《孔子》中，孔子就是孔子，他依然是个气势磅礴的圣人。而且，导演还企图把他打造成一个超人，文武双全，料事如神。可惜导演的这种企图未能贯穿至影片末尾，从孔子周游列国开始，就半途而废了。我想说的是，正是缺少了那种敢作敢为的气魄，《孔子》才不那么好看，没有达到我预期的效果。

我看过马丁•西科塞斯的《基督最后的诱惑》，还有梅尔•吉普森的《受难》，他们所拍得耶稣，也是一个圣人，和孔子各有千秋，与之比肩毫不逊色。西科塞斯和吉普森的电影无论从哪个角度出发，都有一股气贯穿始终，这股气保证了影片自觉地带着一种狠劲儿。《孔子》就缺这一种狠劲儿。难道是因为导演的女性身份吗？不是，而是态度的问题，她太过担心，自己拍出来的孔子不是我们心目中的孔子。所以她把《孔子》拍成一部温情脉脉的电影，以至于有些滥情。在我看来，这些来路不明的情感就像女人肚皮上的赘肉，如果减掉，无疑会赏心悦目一些。

如果说，孔子的三千弟子是他庞大的粉丝团的话，那么颜回肯定算粉丝团的团长，他简直是孔子的头号粉丝。他对孔子的疯狂追随，保证了自己沾染上圣人的光辉。可惜对于这份难得的情谊，影片没有丝毫铺垫。这和影片的长度有关，也和影片前半部分过分地关注于官场斗争有关。颜回的死，竟然是出于对书的热爱。这也没有丝毫铺垫。观众不会对颜回的死报以任何同情，反而觉得无比雷人。

还有南子，她为什么会那么喜欢孔子呢？难得仅仅因为生性淫荡吗？她是个胸有城府的女人，怎么会被孔子的三言两语所打动，而对他顶礼膜拜呢？既然南子已经被孔子教化，那么孔子为什么又要逃跑呢？他的逃跑，只能说明，他意识到自己终有一天会把持不住，这又和他的君子理论相悖。

季孙斯对于孔子的情谊明显过火。他有必要冒着大雪在荒郊野地里等待孔子吗？这只能说明，季孙斯因为常吃生肉，而丧失了基本理智。

在《孔子》的编剧一栏里，几个人名赫然在列。有时候，编剧多了，真不是一件好事。平心而论，《孔子》的前半段还是挺好看的。可惜从孔子周游列国开始，支离破碎的剧情陆续展开，不着调的细节也接踵而至。从这一点上，《孔子》和《梅兰芳》是一样的，都只有半部好戏。导演胡玫驾驭宫廷官场戏，真是得心应手，毕竟拍那么多此类的电视剧。可是她没有拍好公路戏。一提到孔子，我首先想的就是周游列国。这是孔子一生中最牛逼的事迹。所以我一直觉得，拍孔子，应该拍成一部古代公路片。可惜导演浪费了这样的题材，她最终把《孔子》拍成了宫廷片，甚至孔子周游列国的事，也只是宫廷官场斗争的插曲罢了。


温情脉脉的《孔子》 作者：张墩墩

《孔子》：老孔这辈子

只知道他在孔庙里吃了那么多年冷猪肉，但不知道也做了那么多年丧家狗。这个电影告诉了我这个，至少也是一点收获。

他曾经也是所有自以为是蠢蠢欲动的理想主义知识分子中的一员。鲁国国君是内用黄老，想来一招借力打力，只不过最后反被季氏移花接木。“隳三都”一事，很容易让人联想到晁错，还好他的对手不是七国，叛军也并没有打出“清君侧”的旗帜，居然傻乎乎地说要灭鲁君、灭季氏、灭孔丘。老孔幸而败得早，否则即使这次险胜，将来也早晚越陷越深，真到了和季氏针锋相对之时，是否还能全身而退就未可知了。毕竟，鲁国国君还没有汉景帝的胆识。临危时候，老孔必然是最先牺牲的卒子。

但是老孔不同于常人还是有道理的。他很有眼光的选择了教育事业，不仅专注于现世的教育，更把眼光放在了身后的教育。不为良相，就为良相的老师，而且是至圣先师。很多聪明人来人世走一趟是炒短线，老孔的独特性就在于他走的是长线。他也意识到知识分子是玩不了政治的，玩得了政治的知识分子就不是真正的知识分子。越到后来，老孔也只能在知识分子这条路上越走越远了。也许他从头彻尾就是一个堂吉诃德式的理想主义者，或者他也只是骑虎难下。天下人都知孔丘讲仁义，所有追随者都因为他讲仁义。耶稣如果不传道，就不是耶稣。但不管怎样揣测，老孔心底必然都对仁义存疑，这主要体现在后期。但我认为他的疑虑不在于学说，而在于他自己的人生是否需要亲身实践仁义，他是否需要用仁义来实现仁义。他的学说在逻辑上没有一点问题，但鲁君也说“那是个幌子”。其实他们是没有真的懂。真的懂得他的主张的倒是后人，是董仲舒，是汉武帝，是后世的得到它好处的执政者。他的学说是超前的，是先进理论。在当时那种乱世提出来就好比给资本家讲“三个代表”。乱世应该学什么？我觉得应该学“厚黑”。当时远没有达到天下一统，各诸侯也没有一个长久的规划，都忙着抢女人争地盘。这个时候提出来仁义，显然是不合时宜的。老夫子也说过什么“邦有道则知，邦无道则愚”讲这话说明他还是个知识分子。他不知道除了智和愚，这世界上还有一样气质叫“坏”。

再说天下但知老孔讲仁义，却莫知处在老孔的位置又看到些什么。但南子是一个例外，她也不见得对仁义有什么共鸣，只不过是惺惺相惜。好像耶稣碰到了佛陀，或者也是这样又是挑衅又是怜爱。这个电影终于可以见到些美色，很让人欣慰。周小妖精也老了，近镜头的时候都有眼纹。不过那几把孔雀毛扇子，确实很惊艳。

几个配角都演得不错。鲁国国君小聪明样，很是可爱。齐国国君居然是《贞观之治》里演李渊的老头，活脱了的狡猾和自大。卫国国君就是个老太监的样子，也难怪南子这样名声不好。陈建斌那粒痣点得有意思。

发哥不错，也确实想不出还有谁更能胜任这个角色了。发哥可以考虑下次演老毛的。比起唐国强，可能有另一种感觉。


《孔子》：老孔这辈子 作者：不灯

《风声》：慷慨就义易，从容赴死难

最近这一年，好多电影电视剧都与信仰有关。一旦跟信仰贴了边，我真是想批评都不好意思批了。唯一庆幸的就是，这些跟信仰贴边的作品都非常优秀。先是《潜伏》，后是《人间正道是沧桑》，再接下来就是这部《风声》。

信仰是什么东西？
信仰就是一种精神力量，却能支持你忍受身体的极痛。
是自己一生见不到光明，但却为了别人能见到而付出生命。

都说人性贪婪，尤其是面对生的希望。有人说，活下去，不顾一切地活下去，那是人之本性。而这些，就是《活着》和《斗牛》告诉你的。

《风声》讲的恰恰相反。它讲的是一个去死，不顾一切地去死的故事。

慷慨就义易，从容赴死难。

如果这世界上没什么酷刑，死之前也没什么时间把爷爷奶奶爸爸妈妈哥哥姐姐一遍遍想过，多少人都会面对死亡临危不惧，毅然决然地名留青史。所以，不是我不佩服董存瑞炸碉堡，但我更佩服邱少云焚烈火。当死不再是一瞬间，当死被延长，变成一分钟，一小时，一天……“I’m dying.”不仅仅是《麦克白》的台词，“灵魂渐次离开体内”也不再是《幻城》的形容。当一切都变成血淋淋的亲身体会，变成欲死不能的精神崩溃。我看着的都崩溃了，真是佩服这些有信仰的人经历着都没崩溃。

这五个人各自结局不同，不过还算是各得其所。最佩服的，当然是老鬼。回味起之前吴队长说的：“我打仗的时候你在哪？上班喝茶看报，下班醉生梦死。”对于一个家里背景那么硬的小姐，家里连飞机都送得起，你还期待着她上前线当护士啊？可顾晓梦就像一只电灯，白天，你是看不见她的光芒的。而且，她的光芒也无用。偏偏是晚上，伸手不见五指的夜晚，她的光芒，足以照亮一片黑暗。多难想象，一个从小养尊处优的小姐，却不对华丽富贵的生活眷恋。在心中有一份责任，一份“我辈应奋不顾身，挽救于万一”的决心。

信仰，无须解释。像暗号一般，只要一脱口，就有人懂得，就能为此去死。

所以啊，革命斗士，都是铁打的。


《风声》：慷慨就义易，从容赴死难 作者：crystaltan

《三枪拍案惊奇》之胡思乱想

看了张艺谋的 三枪拍案惊奇，真是恶俗啊，但是大师毕竟就是大师，在不知所云的武林外史的那个小酒店所发生的一切，峰指当今社会几大热门现象。大师借古喻今，苦心造诣，实在是让那些只知道票房的导演们汗颜啊。
　　
一，官员贪腐问题，本山小队长的巡逻队到了酒店，那个时候也没有什么好孝敬的，一人一大碗 超级拉面。概贪腐问题由来已久，在没有银子的情况下，那就来碗面吧。估计这面也价格不菲，排除麻子开黑店的嫌隙，就卖面还能整出一保险柜的银子，足见这一碗面的价值了。不知道本山小队长追上波斯人没有，大炮的没收，否则银子大大的。不过波斯人挺精明的，最后肯定皆大欢喜，要不本山小队长也不会坐下来吃面，八成那个时候胸有成竹，马还是跑的比骆驼快些。
　　
二，家庭暴力问题，这个在影片中2次场景，一个是被烫，一个就是在地上滚作一团，本来清官难断家务事，那里有压迫那里就有反抗，在家庭斗殴中，老夫少妻，老夫不见得能讨得了便宜。

三，小三问题，当前在二奶见怪不怪的情况，随着社会经济的发展以及妇女地位的提高，以小沈阳为代表的二爷开始浮出了水面，相信在不久的将来会迎来媒体热烈的报道，但就像二奶喧嚣一时之后，争论平息，最后大家见惯不怪，然后习以为常。当然二爷的出身在片中还可以见一二端倪，家庭出身好，张三本来想找个奸夫淫妇的罪名给小沈阳弄到号子里，后来又担心他家给两钱给捞出来。可以二爷的家境一般还好，在不务正业之外，心灵手巧，具体见挑泡那段，顺路就是那种心善胆子小，个别时候冒充下大男人。
　　
四，农民工讨薪问题，实际这是个历史问题，由来已久，但过去被阶级压迫与剥削的言辞所掩盖，所以我们之前感受不到封建时代农民工的讨薪问题之严重。当然那个封建时代的农民等小私有阶级，还有较具斗争性，在激烈思想斗争之后，可以主动的去偷，再不行就杀官造反，改朝换代。但是现在是惯于做奴隶的时代，农民工只有用自残、自杀引来大众的关注。这就再次证明教科书的论坛，农民阶级因其本质的软弱性，不可能成为革命的领导阶层，他们做为小私有者的局限性，决定了在偷回自己应得的之后，在可能的情况用一块大布将其他的一扫而空，没有斗争的坚定性，以及革命目标的短浅，估计大牙小六顺利拿完银子之后，就是带那个七妹丫头回老家困觉。
　　
五，黑社会问题，孙红雷扮演张三就是典型黑白勾结的分子，看他和张三的对话，相信之前杀人的事情没干过，其他的坑蒙拐骗的事情没少干过，我们有理由相信在本山小队长（黑社会的后台），张三（黑白勾结的典型代表），麻子（黑店老板，看了那一柜子银子，以及雇凶杀人之狠毒）三者之间，应该已经形成带有黑社会性质的利益集团。当然张导不大愿意过多着墨本山小队长，也是有原因，现在一般反黑到挖出典型代表就可以了。
　　
六，农民工大龄青年的魂恋问题，大牙小六作为农民工的典型代表，对同在阶层的七妹暗念已久，可惜七妹好歹出了大山，倒是看了很像城里人很有神秘感的小沈阳，其实这也个很典型的情感三角债，演绎下去也就是估计也是悲喜交加。当然如果大牙小六成功掳了那些银子，七妹肯定会认真考虑的，尤其在之前毕竟和小六一起勇敢的讨回了工钱。在共同利益的面前，到没准能走到一起。
　　
废话这么多，其实三枪，枪枪烂字，就是一个大烂片，张导还是去全世界整开幕式得了，还有继续在全国各大中小城市整印象，干这些都挺能赚钱，咋能为了点票房就这么糟蹋电影呢。


《三枪拍案惊奇》之胡思乱想 作者：花重

《花木兰》：半阕《木兰辞》

唧唧复唧唧，木兰当户织。不闻机杼声，惟闻女叹息。

黄沙漫天，黄色的土墙，满目的尘土，似乎，这南北朝的北方，生态环境非常差。而在这样一片土地上，在电影中，居然成为了那个年代生存的乐土。乐土乐土，爰得我所？只记得当年“敕勒川，阴山下，天似穹庐，笼盖四野”，只记得当年“天苍苍，野茫茫，风吹草低见牛羊”。《木兰辞》诞生于与《敕勒歌》同时代的南北朝，虽一直未有定论，其描写的故事背景，应该差不了三五百年。
三五百年，光阴如梭，何以“风吹草低见牛羊”的丰美景象，在电影里却成了白草黄沙飞扬？难道只是为了所谓的风景壮美悲凉？

唧唧复唧唧，木兰当户织。
古旧的织布机，半匹粗布，双手抚过，能感到粗粗麻麻，家徒四壁，平常人家的女儿，不见“东阁门”，不见“西阁床”，不见云鬓，不见花黄，看不清是哪朝哪代，哪个村落，木兰一身粗布衣服，玲珑眼神，见着几分小女子的媚态。

从军原因的处理，非常简单。木兰没有“东市买骏马，西市买鞍鞯，南市买辔头，北市买长鞭”，她只身牵起战马，不辞而别，是否也暮宿至黄河边，听到“黄河流水鸣溅溅”？

我爱纠葛那些有着原著的电影，是否有几分与原著相似。比如这部《花木兰》，偏偏要将《木兰辞》拿出来比照，恨不得如当年看青春版《牡丹亭》那般，一手拿汤显祖的《牡丹亭》，对着那唱词，一字一句地对照过去。不为其他，只为了那满纸的锦词绣字，现代人是否继承了几样。

朔气传金柝，寒光照铁衣。将军百战死，壮士十年归。

小时读《木兰辞》，每每到这四句，顿觉豪情万丈。短短几句，便将战争之艰辛、困苦、惨烈描摹得如在目前，时光匆匆，转眼便是十年而过，而战争，也经过了百场。这种感觉，甚于“黄沙百战穿金甲，不破楼兰终不还”，甚于“黑云压城城欲摧，甲光向日金鳞开”。

《木兰辞》短短几十句，仅仅这些，是无法扩展成一部两个多小时的电影的。所以，历来拍花木兰的导演和编剧的目光都集中在了这短短的四句话上面。扩充，扩充，再扩充。扩充成轰轰烈烈的战场，无数场战役，看花木兰从军，毋宁说是在看当年战争。

但作为女人的花木兰似乎又给导演编剧们更多的想法。一个女人，如何能成为战场上的英雄？她的武功，她的谋略，她的成长，甚至她的爱情。

爱情必不可少。在历来的花木兰电影中，花木兰身边都会有一个情深意重的将军。伴随她成长，保护她，栽培她。一个成功女人的背后定然倒下去无数个男人。最后还会有一个美男将军陪伴，这是电影定律。无风流事，一部电影怎么好看？

一直觉得，花木兰是一个很好的反战题材。今年，好几位导演尝试了这个题材，却都纷纷落马。比如《麦田》，“反战”反到最后，却看到赤裸裸的情欲和导演锋芒毕露的戾气。而《花木兰》，反战也没看到多少——仅凭演员们嘴里说出来的零星几句有反战意识的台词，显得非常苍白。

北朝民歌《木兰辞》不是反战的诗歌，但有一点可以明确的是，诗歌中饱含着对家乡的热爱，对和平的向往。“东市买骏马，西市买鞍鞯，南市买辔头，北市买长鞭”、“开我东阁门，坐我西阁床，脱我战时袍，著我旧时裳，当窗理云鬓，对镜帖花黄”，如此情景，可见当时商业活动还是活跃的。诗歌利用互文的修辞手法，渲染了当时人民生活之生动本原，相对于战争的“朔气传金柝，寒光照铁衣。将军百战死，壮士十年归”，仅仅用了四句，可见其不忍写战争之残酷。而如此生动活泼的生活，何忍被外人破坏？木兰从军本非为了战争，而是为了保家卫国。

似乎编剧与导演都很无力于战争题材的驾驭，故而将花木兰禁锢在两个范畴里——女人和爱情。

女人，往往作为战争的对立面而存在。所以，初上战场的花木兰显得生疏而犹豫。她把剑举到敌首的眼前时，犹豫了，而文泰的呼喊声又让她清醒过来——杀！一刀下去，鲜血溅到脸上，花木兰完成了自己由不杀人到杀人（其实她之前应该杀了不少人了吧？！）的转变。当然，她也得以荣升。花木兰一战成名。

之后，见着兄弟们死去，花木兰的心也越来越纠结，甚至产生厌战的情绪。但是影片并不深入表现其厌战之缘由，只将花木兰进行了弱化的处理。甚至，导演和编剧两个大男人去除了她身上的女性特质，而变成一个没有性别的人。这个“人”，从对打杀的热情（血气方刚）到初上战场的骁勇与忧郁到成为一名战士再到反感杀戮最后成为一名斗士，这个过程，是一个“人”的成长过程，而非一个女人的成长过程，将这里的花木兰替换为影片中其他任何一个战士，这一过程均可成立。要不是赵薇扑闪着她的大眼睛，英气之中不乏女性柔美的外形与表演，才时刻提醒我，这个是花木兰，而非一个男人。

也许导演和编剧也发现了自己的弱势，故而创造出了一个男性角色，来给花木兰一段爱情故事，以图冲淡前面的无性别成长。爱情故事向来是电影大片的佐料，花木兰军中十载，怎么可能没有个爱情故事呢？

文泰这个人物的出现似乎理所当然，一如好莱坞的动画片《花木兰》，必然有位将军在美女身旁，来引导木兰的成长。可惜，文泰这个人物的线索是一条十足狗血的线索，纵陈坤演技出神入化，也掩盖不了剧本的狗血。
文泰这个人物，主要集中在几场戏里。

一，识破女儿身。
花木兰在军营十载，能一直不让人认出来是个女子，想必没有高人相助也很难。所以，洗澡的戏应运而生。为什么要洗澡？理由似乎说得过去，但为什么需要用洗澡来被人识破女儿身，这就只能看一个编剧的水平了。只不过洗澡的桥段太过恶俗，古装电视剧里一抓一大把，当年李逍遥遇到赵灵儿也是在洗澡，浴盆救人更是电视剧久盛不衰的狗血情节。如此狗血的情节，被一用再用的情节，对观众而言，早就失去了新鲜感。难道编剧大人没有更好的识破桥段？转而需要从狗血的电视剧中去吸收狗血精华？

二，死而复生
电影还未过半，文泰死了。这是那些靠明星撑着的电影大片里最不可思议的情节——主演居然下场了。但后面的情节，却让人哭笑不得。文泰没死，他躲在某个军营里，一直沉默着。这是影片中最神奇而狗血的情节之一。编剧继承了琼瑶阿姨、于正大妈等人的精髓，上战场流泪，生离死别也流泪，无人时流泪，两人遇见时也流泪。

三，皇子？！
关于文泰的身份，编剧和导演似乎想柳暗花明，但这种生硬的转化，却让人一下子回不过神来。马楚成还是乖乖地回去拍都市言情剧吧，如此宏大的题材，怎生驾驭？大气不显，只见小气，花木兰所带军队，永远只有这么几人。
文泰突然变成了七皇子拓跋宏。你道拓跋宏是谁？——北魏孝文帝！历史上迁都洛阳，实行汉化政策，促进民族大融合的孝文帝！在还是皇子的孝文帝面前，花木兰顿时黯然失色。再回忆起前面情节，原来发现该皇子才是真正的主角——这原来是一出北魏孝文帝的风流逸史，是一个伟大的男人如何让一个女人成为流传千古的女人的故事，是“将军百战死，皇子十年归”！

四．刺杀门独
花木兰与柔然军对抗几年，却始终未能打退对方。皇子被俘，花木兰头脑发热，乔装改扮混进了门独的大营。这里的花木兰意气用事，殊不知，她的这一行动若失败，后果将不堪设想。但故事是编剧写的，编剧掌控着一切。编剧创造了渴望和平的大汗，渴望和平的公主，渴望和平的内侍，这些人的存在，完全是在等待花木兰的出现。花木兰一出现，刺杀了门独，成功策动柔然内部动乱。一切，归于和平。
猛回头，要是早晓得杀门独如此容易，不如花木兰早早就可以装扮成刺客，将门独杀死。十年征战，多少生灵涂炭，但一切知道得都太迟了。

问女何所思，问女何所忆。女亦无所思，女亦无所忆。

“无所思”的花木兰，是否是那“巧笑东郊女伴，采桑径里逢迎”里的一位？当年的北方，定是草肥丰美，绿树红花的。赵薇早已不是当年的小燕子，只是扑闪的大眼睛依旧，带点稚嫩的嗓音依旧，而人，早已褪去当年青涩，在自己的演艺道路上，走向高峰。
虽然，演员的表演无法弥补剧本的苍白，但赵薇，的确给了观众不少惊喜。从小燕子到今日花将军，从姚木兰到今日花木兰，冥冥之中，似有定数，走到今日，方觉世界变幻莫测。

至于陈坤，表现一如既往的好。但由于剧本的硬伤，这个人物并非能让观众为之爱为之痛。在编剧的摧残下，拓跋宏完全变成了言情小说里的男主角。影片最后，拓跋宏一身的汉服，峨冠博带，宛若游龙，一痕刀疤竟然完全不掩盖其神韵。但演员再多好的演技，都无法挽回剧本烂的命运。

记得该片编剧说过一句话，“如果使用超级明星，场面更大，更多的宣发成本，效果会不一样”。看来，该编剧是将其电影梦想全都寄托在了“超级”明星上面，明星越“超级”，场面越大，效果越好，不知道赵薇和陈坤是否符合他“超级”的标准，而马楚成的场面是否符合他“更大”的标准。按照该编剧的逻辑，以后的电影都只要“超级”明星在大银幕上晃晃，场面做做大，请个几千人来当群众演员，就能有好效果，估计按照该编剧的逻辑，还能流芳百世。至于剧本，还要编剧干吗？张挺编剧，赶快回家洗洗睡吧！


《花木兰》：半阕《木兰辞》 作者：连城

《风声》：不是不怕死，皆因哥有信仰

今天连看两部电影，一新一旧。新者为《风声》，旧的是《不见不散》。两片都给人带来了快感。先说新片。

《风声》由麦家的小说改编。该片刻画了我党的地下情报人员为“驱除鬼子”，不惜以身犯险，窃取敌方的情报。最后还不惜牺牲自己，以保存自己同志的生命……

可能有人会用鼻子笑，哼！哼！这种调调还听得少么。慢着，这只是葫芦，重要的是里面药。该片自有吸引眼球的地方。

一、虐刑

说这片儿童不宜，绝对不会错。要是有分级制度，这片定为2.99级并无不妥之处。

以老夫多年浸淫于虐待类型片经验——剥皮，坐老虎凳，电刑，竹签，炮烙，插手指等等，早已阅尽千帆。可以大胆的说一句，心里承受能力已经达到超级亚赛人级数。比如片中对男性用刑，针刺，坐钉床，视觉上何足道哉。

唯独片中针对女性动刑一节闻所未闻，见所未见。皆因这些刑迅专门针对女性的生理结构与弱点而设置，观之胆寒。不禁喟叹吾知有涯，人类的想像力却未达极限。都不知道这导演是怎么想出来的，是不是港片《满清十大酷刑》看多了？从而青出于蓝胜蓝？相信原著中也没有这种描述吧。敢于承认某些地方太短，善于学习他人之长的导演总是有前途的。

二、内鬼

相信大家对《无间道》印象深刻，对黑白两道各自安插的内鬼藏匿之深叹为观止。而观影的乐趣正是看导演一步步揭开谁是“鬼”。

“非常五选一”，这样说好像是超女大选，未免减轻了片中的杀伐之气。老夫在电影过半时猜对了……一半，可能更聪明的朋友会未卜先知。不过，绝未想到……说出结果多没趣。

这有点像小时候看《古龙》的推理武侠，又似观福尔摩斯探案一样，有点晃然大悟的爽。还有一种黑社会老大被卧底出卖，被人捅刀后捂腹惊讶：“系你条扑街（原来是你）！点解（为什么）？我待你不薄的”。

当内鬼的心理素质都是异于常人，越是任何时候都镇定如恒的人就越可能是内鬼。片中隐藏最深的内鬼未免颠覆了这种观念，一句话，这厮太会演戏了。

电影看完后不免想，悬念的设置会不会有些刻意？有些拗生？有没有漏洞？

三、窃听

前段时间看《窃听风云》，对其中的窃听偷看手段心寒不已。以至老夫每到一个酒店洗澡时都惴惴不安，护住要害。失节事小，曝光事大。

《风声》中的内鬼应该庆幸只有窃听而没有窃看，几个窃听器安装太没有水准——过于显眼。否则他们早就曝光了，那用得着接下来的严刑拷打。当然这也可以用当时的技术还不够先进来解释，而老鬼毕竟受过专业的训练，找出窃听器当然轻而易举。

三、演员

这片汇集了很多一线演员，张涵予，王志文，英达，黄晓明，李冰冰，周迅，苏有朋，段亦宏诸人。除了开头段亦宏饰演说客被人一枪爆头，没有太多的表演空间外，其余各人都有很长的露脸时间。

关于表演，可能见仁见智。他们的全力表演，也许都不会太失水准。苏有朋演的白小年容易出彩。一直有个疑问，是不是戏剧中演女伶的男人现实中都阴阳怪气的，这白小年气息过于阴柔了。黄晓明演日本人武田，他的笑容太公式化了，太韦小宝了。

黄晓明对李冰冰演的李宁玉面相分析较好笑，说她眼窝较深，鼻梁较窄，这种面相的人心机深云云。心机深那是赞一个人演技出色嘛。

至于周迅与张涵予等人的表演没有什么好说的，中规中矩么。演了这么多年的戏，要说有突破，肯定不是在这片。

四、为什么能通过审查，又能让观众爽

上面说过，这片的血腥场面真的很多，有些酷刑挑战你的想像力。

但这片居然能轻松通过审查，何也？

原因可能是此前所说的“政治上正确”，抗日嘛。不像《色戒》一样打着 刺杀汗奸的幌子探讨男女之间的情感与理智问题——被轻度NC人士质疑。也不像《建国大业》，分明是明褒暗贬嘛。

另外，我党的“内鬼”情操方面绝对值得赞许，为了送出重要情报，不惜牺牲自己。电影结尾时，全国已经解放，老鬼制成的密码被解读，无疑得到升华。大意是，不是不怕死，皆因哥有信仰。虽说有些多余，但不这样搞只怕会被和谐的。

可能又有人说，这不是常见的说教吗？可是老夫观影时并不太反感这样的说教， 原因可能是导演改变了说教的形式，葫芦里卖的药已经变了，迷药更无色无味。要命的是，这药喝起来也不错。


删一、

武田要摧毁李宁玉的意志，剥光她身体，顺便要给她“检查身体”。那套刑具怎么看都像妇科圣手专用品，什么测量两耻骨宽度，内窥镜侍候等等，都不知道去那找的，不成是去附近的医院弄的。导演，你SM片看多了吧。呵呵，镜头再大胆点，比三级有过之无不及。还有那条绳索，号称“铁锁横江”，在这里都不忍猝评。当然，说了会有剧透，除非你不怕被未观此片者追杀。

删二、
（尔东升的《新宿事件》虽说也有暴力镜头，比如断手什么的，相信比这片犹有不及之处。可这片就是通不过，绝望的导演也不自宫了，干脆放弃内地市场。李安的《色戒》能通过审查，得益于他名气大，审片委员会的那班家伙随即后悔，懊恼的他们只好封杀汤唯以示自己一贯正确。）


《风声》：不是不怕死，皆因哥有信仰 作者：灯昏

《建国大业》：挥毫大写意的画卷

影片《建国大业》的出炉仿佛映照着国庆60周年的政治任务，用明星百位群塑抗战胜利后至新中国成立那一段历史。《建国大业》的取材着眼于抗日战争结束后到新中国成立这一段时期中国内战的时代分割。影片本着尊重历史的角度重现了国共两党当时的国内局面和有代表性的历史事件，通过对两股力量的描写，逐步渗透新中国成立的代价和艰辛，最后以共产党协商民主人士共建新中国给影片画上了圆满符号。

电影有一个很好的故事蓝本，想当年多少英雄豪杰在疆场战场国际舞台为了各自的政治集团驰骋纵横，是豪迈也是一种动容，客观的反映历史使本片颇为值得一看。破除以往战争片塑造领袖人物口号语录纵览全局的不同。本片着力点几乎相当的从毛主席带领的共产党和蒋介石组建的国民政府两股政治势力，相互斗争，从对待各种民主势力和得失民心上给予了战争胜负最好的诠释。

人物出场众多，且都是明星亲到，整个观影期间没有冷场的时刻，面对本是繁琐的政治格局战争场面，能够从商业娱乐性上给人以缓解。虽然说，明星效应是出于商业上的考虑，但是每个人物的出场确有历史考据，而且是在整体故事框架的基础上得以延伸，没有牵强附会之感。不同的明星发挥着各自的演技魅力，有喧宾夺主之嫌，但无谋朝篡位之实，毕竟，各个大牌相继露脸，不吸人眼球是不可能的，但是抛开各路明星的背景，整条故事主线仍然清晰完整。同时，也由于参演明星太多，都紧着短短的几个镜头展现自己的功底，每个人的表演都很到位，文有闻一多声嘶竭力斥敌人，田汉力推众议护国徽，武有冯玉祥当街不平举枪鸣，杜月笙笑里藏刀对经国，可圈可点的人物太多，已经不能用精彩来形容，惊奇可能是更确切的表达。

之前的主旋律影片，或者大战争大场面，动辄几个小时的硝烟弥漫反而让人瞌睡连连，上个世纪著名的“三大战役”电影系列当属此列。或者对历史事件搜肠刮肚，极尽用历史进程书写电影剧本，好似在银幕上阅读历史课本，陈乏可善怎能不令人乏味。本片的不同之处通过在历史史实的基础上，着墨与两股政治力量的斗争，一个在步步为营的腐败官僚中走向独裁没落，一个在忍辱负重中开启民主大门广收民心，结果不容分说的走向历史发展的一边。我们暂不说这里面的主观意识有多少，仅从电影的角度讲，剧情的连续发展，细节的补充说明，短短145分钟，讲清了4年中国格局的发展走向，划分了主次旁干，用一种类似水墨国画大写意的角度展现了风云再起的年代，没有可歌可泣的说教感伤，用近乎平实的大支架挥毫出一幅上个世纪中国内战时的脉络图。

同时，没有在细节上过分纠缠，用整体的人文意识推动了剧情的发展，甚至几场大战都是用黑白的俯视镜头带过，既体现了历史的层次感有简而有效的带动着剧情的发展，潜意识下，战争只是达成目标的手段，宏观大局和目标的制定才是决定胜负的关键。得当的舍取历史片段也是紧跟主线的要点，本片所表达的是通过各界民主人士政治协商共同建国，所以设定的线索都围绕着两股势力对民主人士的态度来展开，杀戮和尊听连起了民主建国的主线，所牵连的人物也大致为此服务。影片将国名党对当时中国的治理描述的就不是很充分了，一句“国名党已经腐败到骨头里了”不足以解释当时水生火热国际风云各种背景下国民政府的内忧外患，当然这不是本片表达的主题，但是从一个角度很好的体现了共产党相形得益的一面，即使还没有统治国家，也能从国名党统治的“不当”体现共产党的“得当”。

进军北平的场景，一道自然光的透射，好像新旧世界的划分，车龙联动中隐藏着天堂般的幽寂，而光影的静谧中又隐含着历史车轮的渐进，拍得实在是漂亮。大阅兵和开国大典的场面又有戏剧性的调节，发挥了国家之大领袖之大和百姓之小士兵之小的对立统一，是艺术上的升华和借鉴。如此可圈可点之处实在太多，创作者的用心良苦和真诚可见一斑。

对于主要人物的描写，自古成为英雄，败为枭雄。本片能很好的反映国共两个党派两个领袖人物的精神魅力，没有一味的崇拜偏袒，比较客观的审视当年的两股力量对比，在以前的影视作品中也是不多见的。对蒋经国的大段描写尤其使人对其肃然起敬，同时又对那个无法弥补不可挽回的历史进程确感回天无数，一个人是不能改变历史的。在战争接近尾声的一个场景中，共产党几位元老级人物召开会议相继进入房屋，历数着一个个建国后才被册封的“将军”“元帅”，曾经打过日本人又和国民党周旋数年的大将，朱老总，贺龙，邓小平，等等至周恩来，毛泽东的进场，一个个耳熟能详的名将聚焦在银幕上产生的激情是不言而喻的，气势上的雄韬伟略引人浮想联翩，甚至突表的泛起了英雄好汉的敬意和魅力。同样，在国民党召开的大会上，精兵强将的党国将才也悉数亮相，我们的教育对这些人之前的历史宣传显然没有共产党将领渗透的多，这次的集体性亮相也是给了很多曾经浴血沙场通歼日军的国名党将领一次较为公正的评判。黄埔军校，校长，一支正牌军，影片给予了更多历史的关怀，而非人道性的偏僻。

整部影片对毛主席的抒写基本符合一个领袖人物的歌颂，但是仍旧透着强烈的个人崇拜意味，这在那个红色年代生的一群主创来说可能是心灵的由衷感悟。我们不置可否的对这种个人崇拜情绪给出评介，但是影片展现的那个年代这也是历史当时的真实表现，同时也是那个年代所必须建树起的一种精神皈依。而且，建国初期所形成的个人崇拜相比后期发展的类似拜神运动，简直可以算作小儿科。总体来说，有一些激进，但可以看作是创作和历史的一点相互补充。另外，大量人物的粉墨登场，即使不是由明星来扮演，人物头绪仍然太多，纷杂蹦出的人物介绍字幕甚至有时让人来不及连接剧情，这也是一幅挥毫大作需要通过更好协调人物和剧情紧密相关互相融洽的关键。总之，《建国大业》给中国主旋律电影开了一个前所未有的头，浩瀚的明星，磅礴的气势，用大气来书写历史，让历史来承载记忆。


《建国大业》：挥毫大写意的画卷 作者：凌凌漆

《南京…南京…》‏

10号，我与一群电影同好者包场看了陆川的《南京！南京！》。近两个小时下来，泪水，一直藏在眼眶中，却没有动力掉下来。只觉得，陆川真的努力了，可是，做得不够好，许是沉淀不够吧，他显得太浮躁。哎，南京…南京…

我的第一个“南京…”是给历史的，作为一名中国人，但凡提到37年的南京，都会有满腔悲愤的。陆川真实的为我们还原了当年的惨烈，勾起了我们的怨念。刚开场不久，角川等日本兵找到了一个教堂，西式的教堂是讲究左右对称的，可是，那个教堂却没有了左边的钟楼，上帝的左边，是米迦勒的位置，有人称米迦勒是慈悲的天使，绝对正义的化身……这个教堂没有了左边，没有了米迦勒。就在这个教堂里，一个懵懂的女孩，还不知发生了什么，在大家因畏惧而举起双手的时候，也跟着将小手举高。在满城死寂的市中心，唯一屹立着的，是中山先生的雕像，生命不在，精神犹存，然而我们仅存的这一点点精神，还要被日本人蹂躏。还有刘烨扮演的陆剑雄，在告知战友，这城是“守不住了”以后，大家仍坚守阵线。在所有重要演员都有了生卒年月是，最后的小豆子——还活着。当然，痛苦的不仅仅是中国人，日本士兵，日本的慰安妇们，同样衣食无着，同样惦念着家乡的味道，同样知道恐惧，同样知道活着的意义。陆川这一点做得真的很好。

可是，我另一个“南京…”就是给这部戏了，作为一个初学电影的人，我没有资格批评什么，只是把自己的一点想法说出来罢了。对于大家公认的，剧场版由于剪辑而带来的问题，我就不赘言了。

首先，先聊聊我的总体感受吧，我不明白为什么有人看了这部戏后会“愤青”，它真的没什么让我震撼的，它带给我心灵上的撞击远不如《东京审判》来的真切。这部戏的确表现出了日本人的“人性”他们也畏惧战争，也想家，也重视生命。但是，我们中国人呢，我们会不会太懦弱了？还是陆川想以日本好战分子对手中国无寸铁的老弱妇孺的屠杀来展示他们的残暴？除了陆健雄活着时那一小群战士，除了高圆圆，还有谁在抗争,还有谁想抗争。这样一个懦弱的中国怎么会换回胜利，怎么会有今天的雄起呢。

陆川一心想留下点希望，所以，他给唐先生留了后，可这不是我希望看到的，唐先生一家三口（不包括周小妹）真的提不起我的怜爱，就连他的女儿猫猫被摔死的场景也一样。首先，我不喜欢的就是这个猫猫。在《卡廷惨案》中，波兰军官的女儿妮可在逃难的路上，仍为一只狗的生死而忧心。猫猫一出场，就面对了一群和自己同龄不同命的逃难的孩子，那些孩子的眼睛犹如湖水，明净，透彻，悲戚，让人同情。可我在猫猫的眼中，看到的只是漠然，我多希望她会祈求她妈妈，帮一下那些可怜的孩子，尽管她妈妈一定不同意，但是，叫人看见的未来的希望要远胜于她妈妈的再次怀孕。秦岚扮演的唐周氏也是不让人心疼的，从头到尾，她只会为自己着想，生灵涂炭，只因自己有德国人庇护，就依然歌舞升平，她的眼泪之为自己的头发而掉。

另一点没希望的希望在影片结尾，小豆子和顺子放肆的笑声中。小豆子是这部戏中我最喜欢的角色，战争来了，他是娃娃兵，刚毅的小男子汉，虽不知自己该怎么做，但紧随自己心中的偶像，哪怕是死亡。战争间歇，他回归孩子的本性，淘气，爱玩。需要他时，他绝不退缩，虽能力有限，但是他在努力。可是，我不明白的是在角川死后，他为什么笑?仅仅因为角川没有杀他们，他们就看到了未来的希望？那么好吧，陆川为什么补不尝试着将结尾做成彩色的呢。几个月前，春天来了的时候，我看到这样一张照片，在伊拉克，一个黄衣小女孩在绿草红花之间欢笑着奔跑。

说道角川的死，我在想，他为什么要自杀呢？在看这部戏之前我就知道，有一个日本兵会在结尾自杀，当时我想像的是，角川是一个人性犹在的人，他也畏惧死亡和战争，第一次杀人，他也害怕，然而战争使他成为了嗜血狂魔，他由最初的不敢斩杀，到后来一刀一个，当进行了一次血腥的屠杀之后，当他一个人站在尸山尸海之间，他才冷静下来，思考什么是生命，才悲戚的举起杀害自己的枪。而陆川给我们的角川，真的不该死掉啊，他也没有死掉的理由。如果强加一个理由的话，好吧，角川看过中国的《赵氏孤儿》，他效仿韩厥，希望小豆子和顺子活的安心一些。

另一个我喜欢的角色是妓女小江。但奇怪的是，在教堂举手去做慰安妇的时候，小江看到什么了？仅凭姜淑云几句话就挑起了她的血性和勇气？哦，也许，还是因为剪辑的原因吧，我不多说了，但是一向简洁的《南京！南京！》在这场戏里却有一点赘余。就是拉贝的〞I am so sorry”,一己之言，觉得此时的拉贝，一句沉重的“sorry”要来的更真切。

还有一处是多余的，不是画面，是声音。就是刘烨那群人被杀之时，震耳欲聋的枪声取代了山呼海啸般的口号，我觉得，枪声是不必要的，这里如果用静音，效果会更好，陆川想用枪声转场，却破坏了这一场屠杀的震撼。口号声渐渐稀少，化为最终的寂静，空虚，不仅效果好，也还是可以用来转场的。

另外还有顺子，面对屠杀当初是他最先喊出的“中国不会亡”的，可一句“你还活着？”“还活着”他就懦弱了，就不敢面对死亡了。

别的就不多说了，最后给陆川一个建议，咱卖《南京！南京！》的电影票可不可以附赠晕车药啊，看完了之后，我体会到的坐车的感觉——晕。这部戏里运用了大量的手持拍摄以及晃镜头，我知道，陆川是想以这样的方式，用角川的视角展示这个人物内心的迷离，彷徨。但是，似乎运用的太多了，物极必反。

最后，是给观众的建议，但我真的不知道怎么说，我不想毫不负责任的将这部“儿童不宜”的，充满血腥和暴力的影片标榜成“爱国主义影片”的。我想建议大家去剧场，大家就要和我一样，有一大堆的迷茫；在网上看完整版吧，则体会不到本戏的重点，屠杀和战争场面的震撼。哎，真难啊。

其实，在这样一个浮躁的时代，我们希望的，不浮躁的国产影片似乎是个奢求，就连我们自己都做不到冷静，还干嘛希望别人不浮躁呢？可是，期待，还是要有的。

《南京…南京…》‏ 作者：houyao0802

《盲山》品读

《盲山》讲述的故事很简单、却很无奈，1990年代，一个毕业的女大学生急于找份合适工作，在她发愁之际，遭遇装扮成医药采购公司员工的人贩子，尔后，发生的悲剧……不是一部主流电影，揭露的是国家某些地区的闭塞与落后，那里居民的愚昧与无知，风格上与新时代的仰首阔步有些格格不入。以下为笔者对该边缘化电影的拙见。

我眼中，好电影就是能让我有所感触，好象自己的哪根神经也为之牵动，为之悲伤、位之欢笑。谈谈电影是我一个小小嗜好，与常人茶余饭后的散步游园没有区别。然而，这次金兄似乎想考考我，推荐了一部很低调的影片，难道有弦外之音，看我能品读出点什么猫腻，能挖掘出什么。我不是专家，谈不出深度，只是用心去看之后，总有一些自己咀嚼出的味道，然后述之笔端，只能蜻蜓点水、浮光掠影了。

说实话，《盲山》之所以低调，是因为他缺少了一个致命的元素，这个浮躁时代最抢眼的明星，所以电影就和他所描述的山区一样，偏远而边缘，很陌生。反主流之道而行，没有了明星加盟，独特的剧情与风格成为了看点，将错位的两类人纠缠在一起，冲突、突围、失败、再突围、再失败，最后形成一个很荒唐的结论，代表智慧与文明的大学生最后被蒙昧与落后所征服，见证文明在野蛮摧残下风雨飘摇的状态。
这部电影题材很现实，却又离现实很远，因为他把画面定格在90年代初，当时大学生有天堂似的景遇，不知道能否因工作的困境而失足，刨根问底完美的剧情细节上难免存在纰漏，不能吹毛求疵，苛刻地雕琢艺术品。让我想起《庄子》里的故事，南北两帝为谢恩，替混沌开窍，窍开七道、混沌却一命呜呼。可见很多事情就不能强求，道法自然，有时顺其自然就足矣，因此就姑且不论其中可圈可点之处。

电影内容上看，在困难和不幸中寻求解脱、寻找光明，与国外《肖生克的救赎》异曲同工，只是那部影片主角的智慧与忍耐更令人惊叹，在屈辱中几十年磨一剑，最后惩治了罪有应得的监狱管理层，主角的睿智与能力可比尼采说的超人。然而《盲山》中的主角尽管很坚强、也不笨，但却不是一个超人，很平凡，平凡的人即使卧薪尝胆也未必能力挽狂澜。这就是小人物的卑微，改变不了就只能妥协。顽强的自救过程，最后遭遇失败，无法逃脱，就像困兽，只有日渐疲惫的身躯、日渐疲惫的眼神。刚听说这电影，望文生义联想其内容，我就觉得山里必定会有所启蒙的学校，解冻智慧的心灵，至于是她去解脱众人，还是从中得救，我把悬念在观看过程中一环环打开。果然，出现了一位老师让他感到在山村中第一次告别无助，书慰藉了她荒芜的心，但却无法拯救她，毕竟只有离开才能釜底抽薪。学校里的老师，是山里唯一还有点文明气息的人，因为老师的身份兼她丈夫的弟弟，所以他们的相遇不是偶然，虽然不是高山流水会知音，确也让她在无助中获得了一份信任，找到微乎其微的希望。于是她不再孤军奋战，把希望寄托给了这位老师，憧憬着能依靠他，扬帆脱离苦海，甚至因为感激、出于他对自己的理解，动了一些感情，萌生暧昧，我觉得这不是爱情，而是在偿还一笔债务，因为对她荒芜的心而言即使绿意如此微小，她也感恩戴德，没有以身相许、却以身相献。纸终究包不住火，待东窗事发，红杏出墙被家人获悉，一个原本就若有若无的希望，随着老师的出走而变得飘渺。于是，她又再度陷入孤独无援的境地，一个人的出入，将她棱角打磨殆尽。甚至放下了尊严和作为一个学生的青涩，可以用出入风尘来换取逃走的资金，忍受小店老板的兽欲。但，让她精神陷入崩溃的事还是发生了，即便离开了山坳还是被拽了回去，一切的努力又付诸东流,同很多悲剧一样将人的抗挣最终沦落为了挣扎。

直到道，他父亲协同警察来援救，才破现了久违的一丝光明，但与民众的无理取闹、有理的冲撞中，却不得不败下阵来，警察在这里是一个陌生的名词，毫无威性，确实制度与法律的混乱，村主任享受位如部族酋长的权力，也有同样的傲慢与偏执。所以，最后也是采取了下下之策，以暴治暴，趁机强行带走了他们，但最后到底有没有离开，导演却又打了个太级，尾声没有交代，就戛然而止。可能想让人回味，去遐想，但是，这样生活谁有愿意回头？
最后，一群被拐妇女，曾经冒险试图离开，跳不出这个乾坤套，当真正能离开的节骨眼上，却放弃了离开。似乎，在渲染母性是伟大的，伟大得可以让人放弃很多，尊严、自由、幸福。我觉得，执著于骨肉之情，成为了眼中的幸福，却也成了命运中不幸，被命运套牢的无可奈何。所以，在一群缺乏人性的地方，浓墨重彩挥写人性，显得很荒唐。

电影我喜欢关注细节，很多细节的处理非常独到，电影有几个改变，初夜丢失、逃跑被追回，放羊的画面、沧桑的山歌。一次是在失贞的第二天，当然也是他丈夫获得作为男人尊严的一天，山羊满坡，象征着被驯服的温顺。第二次，对覆水难收的显示的反抗与挣扎升级成自杀，但是未遂，被遭遇同样命运的难友规劝，开始向这样的生活妥协。于是有了第二场放羊的画面，山歌大意虽然听不明白，铿锵的声音有很强的穿透力，但是心情却闪烁着明媚的忧伤。

穷山恶水出叼民，不仅民如此，天高皇帝远，官从民生，“青出于蓝而胜于蓝”，官更叼，细节上，一次村里催缴猪崽费，让我想起“苛政猛于虎”，生活是可怜的，生活也是惨淡的。穷得叮当响，无情是被逼出来的。这盲山，不仅是世人的盲区，也是法律的盲区，大山中离奇的故事，错在于谁？村民何错之有，自私，但谁又不自私？无知，谁又愿意无知？蒙昧，又能等谁来开化？最后导演，把错归咎在了人贩子，而人贩子猖獗更是一个社会的弊病，风生才会水起，那又能怨谁。

最后，我记得他们村主任有句经典的台词，“领导就是为群众解决麻烦的”，是的，他解决了当务之急，平息了民愤，似乎麻烦烟消云散，他的鼠目寸光无形中又制造了一个更大的麻烦，不识盲山真面目，只缘身在盲山中。

《盲山》品读 作者：fandaohui

兽性的，和太兽性的；人性，和太人性的——穿过《金刚狼》看《南京南京》

当美国人在《金刚狼》里可劲地张扬“兽性”（u r animal）时，国内的影人们正在想证明，在杀人效率极高的日本侵略军那里，还是有“人性”可以挖掘的。

人类缺乏人性吗？当然不缺。
人类缺乏兽性吗？当然也不缺。

对于大多数影人来讲，在日常生活中挖掘人的兽性，在战争里发现人的人性，——这显然是选题的一个好思路。

而我所不明白的是，《南京南京》的导演在这个时间点上推出这样的电影，到底居心何在？意义何在?

过去的两百年里，前一百年我们到处挨揍，狼狈的不能再狼狈；后一百年我们在到处学习，什么道德、理性、真理；什么科学、信仰、正义，人性。我们统统不在话下。国外的几百年的思潮历程，我们几十年里就全部ok。

我们不行的时候，人家说这是一个弱肉强食的世界，俺们都是野蛮人，没人跟你讲人性；
我们刚要行的时候，人家说你得学习我们制定的规则，你学不会我们的规则就是没人性；
——好啊，我们得学习，而且得继续让步，以便让我们变的更有人性。

关键是，真要达到“中国人民很行”的境界，到底需要我们怎么做？
我们要变的更“人性”吗？或者说，我们真的还缺乏“人性”吗？
试问，国内哪一个人会说自己缺乏“人性”，这种脆弱并且娇柔的东西？（导演或许缺乏）

日本一个年轻人曾在其爷爷临死时问，爷爷你这辈子最快乐的时光是什么时候，日本老兵答说：1937年12月。
那个冬天他正在参与南京大屠杀。

这个回答够人性吗？！
这个老头跟角川比，
哪个更人性？
哪个更能代表来自那个岛国的那群士兵？

记得在一个展览中，有一幅大图片是，一个人拿一把AK-47,抵在一个跪在地上的人的后脑，正准备进行枪决。
据称，展览的原意是让人了解种族屠杀的残暴。
但是一个很简单的问题是，如果必须让你选，你希望是那个拿枪的，还是希望
当那个被毙掉的人？
没人会选后者，除非已经不想在这个星球上生存。

电影里哪个人自杀了我不在意，但是关于南京大屠杀，的确有两个真实的人确实自杀掉了。
一个是撰写《南京暴行：被遗忘的大屠杀》和《华人在美国：口述历史》的华裔作家和记者张纯如(Iris Chang)。
一个是《拉贝日记》中女校长瓦莱莉·杜普雷的真实原型美国人魏特琳。

——我一直都觉得，她们俩的自杀就是因为看到人类的“兽性”根本无法收拾，尤其在战争中。但凡她们俩能在战争中找到一丁点所谓“人性”（我们的大导演找到的），她们可能就不会对这个世界失去信心。（你可以怀疑两个人的真正死因）。

我不知道，一个电影导演在这样的电影里掘地三尺找“人性”到底要说明什么？？（至于慰安妇的情节那就不用说了）
你找一下同胞的“人性”，我们不会说你什么（这里从来都不缺，只能提醒你别浪费）。
你去着力去找侵略者的“人性”，我们就要问，你到底想要证明什么？宣传什么？
尤其是现在这个电影都成了给小学生看的爱国主义电影了，
导演你是不是还嫌现在我们出产的小绵羊不够多？
还嫌我们下一代的价值观不够紊乱啊？？？
对那些据“拍”颇有人性的日本士兵们，我们是要原谅他们，还是继续憎恶下去？
导演是想说他们其实也是个好人，是个可怜人吗？
是要我们承认日本人民其实是被日本统治者拖下水的受害者吗？
导演真的要超越国家利益，民族利益了吗？

想到这里不得不提到尼采的《人性的，太人性的》。
要完全按他说的，彻底扯掉道德、理性、真理这些“人性的，太人性的”心灵枷锁，当然也不现实。
但是我们的底线在于，那些掌握了一定话语权的发声者，不要在本族群人的本来就不甚发达的兽性（人性话的说话叫斗志）之上，人为的再去构建更多的本所谓无也本所谓有的“人性”枷锁。

你以人性度人，岂知天下人皆有你所谓之良心？

英国大革命中的老斯特拉福德为自己辩护了n天，祈求革命群众说，看在良心的份上，你们是否需要再考虑一下有没有必要在我身上练习一次杀人的艺术。
但是，对于革命的人们来讲，就恰恰需要那样一次练习。

而对于我们，永远也不需要外族人再在我们的土地上进行这种练习。

你甚至可以不提国家（省得有人以林语堂的话来胡说八道），但即便仅仅为了你所在的族群争取利益，你都可以想想，当涉及生死存亡之际，你到底该怎么做，我们又该如何告知公众，教导后代？？

抛开所有的政党、意识形态之争——上一代的人苦哈哈的打了n场大仗，不少辉煌。现在有了钱了，不能让这些导演就把钱烧在这些败仗上，而且还想帮人家往外择吧。

所以我们可以写《超限战》
我们可以看《狼图腾》
但是，我们不欢迎，更不需要《南京南京》这样矫情的东西。
真正的爱国者不需要这样的垃圾；
正在成长的下一代也不要被这样的垃圾所熏染。

描写大屠杀的电影早在上个世纪90年代就在拍，
拍一遍我们叫做不忘国耻；
但拍三遍，而且这样拍，就只能把自己拍成祥林嫂。
却怎么也拍不出真正的爱国者。

有哲人说过，
你给人送上一张笑脸，可能会获得人家的喜欢；
但如果你想真正博得别人的尊敬，你只能给他一拳。

托马斯*莫尔早在《乌托邦》里就明示过，为了这个国家（团体）的利益，才不会去管什么契约，什么道德。交战期间，自己的利益最为重要。
别忘了，莫尔除了是思想家，还是英国的枢密大臣。
而他的这一思想也奠定了后来帝国主义的n多政策基础。

我们呢？上大学的时候，还在讨论到底是为正义而战，还是为国家利益而战。说实话，那有意义吗？
英国人从来都觉得自己是欧洲的调停人，拥有超然的地位；
美国人同样也一直都觉得拥有“天命”，生来就要要往美洲之外的地方输出价值观的；
德国人也一样，数不清的思想家都在叨叨叨说德意志民族是救恩的民族。
法国人？想想？想都别想。

一个民族，首先自己要有想法，有足够NB，足够强势的想法。只有你从思想到实力上足够强势了，你心里才不会无可救药的纠结下去。
同样的思想下，战争的确有成败。但是，一个国家，或者族群，如果没有足够强硬的观念，他就根本没有掌控战争走向的前提和力量。

《南京南京》在国内，让人气愤；在国外，会让人笑话，而且是笑话你整个民族。会让人家觉得你自轻自贱。

最后，
我不得不很严肃的，用一句不太人性的话讲，
导演的良心是大大的坏了。

兽性的，和太兽性的；人性，和太人性的——穿过《金刚狼》看《南京南京》 作者：jiumentidu

《南京！南京！》：公正和客观就是情怀吗？

《南京！南京！》终于上映了。这是一部敏感的电影，也是一部难操作的电影，但难得的是，好评率很高。我感觉，一般读了几天书的人，不大有勇气抛出过分恶劣的评语，但我估计有几类人是不会喜欢这部电影的，嘴巴上不说，心里也会嘀咕上一阵子。

第一类是有超强“民族气节”的人。民族主义究竟是个好词还是坏词，我一直没搞懂，日本鬼子到底是人还是畜生，我也一直没搞懂，但陆川居然用两个多小时的时间，把鬼子——准确地说是其中的一两个——慢慢定性为人，这实在让人震惊，要知道，在某些中国人的意识里，日本鬼子从来也永远就是畜生，这是由他们的基因决定的。花了几十块钱和两个多小时，结果换来与常识相悖的故事，自然不爽。

第二类是来电影院接受教育的人。王小波说：“我正等待着有一天，自己能够打开一本书不再期待它有趣，只期待自己能受到教育。”他“期待”成为的人，其实在我们身边比比皆是，这些人都有当小学校长的潜质，无论干点什么，都以能受到教育为目的。带着受一次深刻爱国主义教育的美好期望，他们来看《南京！南京！》，结果一看，场面较平淡，日本人也是人，失望自然是难免的。


期待被感动的人也会对这部片子怀有腹诽。被好莱坞商业片战斗群轰炸过的，或者被韩剧日剧熏陶过的，往往对戏剧性有着超出一般的渴望。戏剧性知道么，就是电影电视让你精神一震或者为之感动的场景画面，换句话说，就是把平淡生活集中萃取、发酵、放大、爆发的情节和细节。很多人看《南京！南京！》时都偷偷带着两包纸巾，做好了痛快哭一场的准备，但克制的镜头处理和寥落的戏剧性情节，让大多数人没有如愿以偿。

以上三类人离开电影院，都会心怀不满地发问：这是为什么？

世界上最容易做的事有很多，其中一种叫做煽情。南京大屠杀这种题材的电影，换任何一个白痴来执导，都可以引得电影院里泣不成声。不说表现中国人被集体屠杀了，就说被日本畜生一把从楼上抛下摔死的范伟的女儿吧，如果先用几个镜头刻画她活着时的天真秀美，再用一个镜头定格她悲惨的死状，那有什么情都被煽出来了。但吝啬的导演既没好好展现猫猫生前的乖模样，更没给她孤零零被摔死的惨景一个镜头。

这部电影，因为陆川的竭力克制，竭力回避，竭力隐藏，让绝大多数想哭的人都没有得逞。

可是对于南京大屠杀这种题材的电影，中国的观众不哭那还有什么可干的？也许这是无数人的诘问，但不是导演需要解答的问题。聪明且有勇气的人，总是盼望着做第一，比如说第一个冲破某种体制的樊篱，第一个打开某种狭隘情绪的禁锢，第一个站在某个未知第三方的角度回望历史，第一个传达民族情仇覆盖着的人性纠葛。毫无疑问，陆川正是这样一个聪明且有勇气的人。可问题是，他做得如何？

我们都知道，尽管战争过去了几十年，但面对政治、经济、外交的诡谲博弈，陆川的这份工作还是相当敏感，《南京！南京！》立项审批的死去活来证明了这一点。能在这样的背景中交出这样一份成绩单，确实殊为可贵。可是我们又知道，你再怎么想变身为客观的第三者，也是自欺欺人，是你的三十万同胞在那场惨绝人寰的事件中丧失生命，弹指几十年，他们的血脉依旧绵延在你的生命中。

导演的情怀在哪里？追求公允、追求客观就是情怀吗？追求公允客观的人可以做法官，可以做记者，也许还可以拍纪录片，但能不能碰这部电影的题材，我有点疑惑，特别当我看到所有有学问的人都在盛赞《南京！南京！》，我的疑惑升至极点。

我还是坦白吧，我真的讨厌民族主义，讨厌受教育，讨厌被煽情，但我希望有些情绪能够得到自然宣泄，就像水位上涨慢慢漫过河堤一样。《南京！南京！》让我的情绪始终沉在低位，压抑着不肯上涨，我看完电影比看电影之前还要寡淡。我现在所有的感觉只有两个字：疑惑。

《南京！南京！》：公正和客观就是情怀吗？ 作者：天下有雪

《疯狂的赛车》：国产喜剧机遇与希望同在

《疯狂的赛车》，昨天晚上吃饭时间的场，上座率并不高，但爆笑声如雷贯耳，灰常叫好的一部片子。电影院已经没有所谓的淑女，这么精彩的的故事，不笑也可惜了，一定要放声大笑。

《疯狂的石头》的成功相信绝不是偶然，在这个竞争激烈的时代，人们的享乐需求也在不断提高，而宁浩給我们带来了希望。还记得是《石头》红火之后，一位朋友塞了张碟給我看，的确是幽默，但自我感觉谈不上疯狂。多年后在第一时间观赏到《疯狂的赛车》，有很多期待，也有很多担心，最后还是跟着导演疯狂的HAPPY了一把。

更加复杂的剧情和人物关系

像前不久看的《七磅》，恐怕不仔细的人都会看得有些迷糊。但《赛车》却在编剧下了不少功夫，相对《石头》更加复杂的剧情和人物关系，在紧张的节奏中自然插入喜剧的成分，一切都顺理成章。让人不得不惊喜宁浩在驾驭影片能力上的提高。

爆笑场面，搞笑台词

《赛车》的剧情很有意思，一个是貌似遇上本命年倒霉透顶的耿宁，从头霉到底，输了比赛失去了最敬爱的师傅，好好的从一个赛车手变成杀人凶手。一对互相买凶的夫妻，争吵中丈夫误杀了妻子，居然没有报警。一对自以为专业的农民杀手，见钱眼开却还依稀存有善良的本性，但就是见识太短，超级弱智。一群台湾黑帮灰常专业，最后反被自己的专业愚弄，误把骨灰当白粉，还让小弟放进嘴里验货，简直让人忍俊不禁，狂笑不已。与台湾帮交易毒品的泰国帅哥，出场没多久就被意外冻成冰人，造型实在搞笑，创意别出心裁。宁浩的出演更是锦上添花，虽然戏份不长，但恰到好处。徐峥也继续延续他的搞笑因子，虽不是主角，但出现的戏份都灰常到位，灰常搞笑，特别是影片结尾处的黑涩会葬礼合唱，灰常灰常灰常幽默，让人意犹未尽。另外还有两个成日梦想破大案的警察，到最后一切得来全不费功夫。皆因巧妙的剧情安排，倒霉之后，会迎来更大的胜利。

当研究台词成为一种流行，让我们来看看《赛车》里面的一些经典台词。

“干一行爱一行”

“第一次见有人这么带货的”

“我鄙视你”

“有没有”台湾腔

“多行不义必自毙”

“入行太浅”


演员大杂烩，广告自然

小成本制作，没有所谓的大大牌影星加入，继续宁式方言特色。据不完全了解，其中有台湾、泰国、太原、东北话。大多数人都是可以接受这样的方式，而且特别的有意思。个人感觉对黄渤的表现要减分，可能对他给予期望太高，或者是因为整个影片大家都表现得不错。

另外各类广告自然植入，搜狐娱乐等，最漂亮的一场爆炸场面弥补了一点大动作画面，爆得优美，炸得迅速。

搭上贺岁片末班车的《疯狂的赛车》給我们带来了不少新的视觉冲击，也得到了大家的肯定。《赛车》不一定是非常出色的片子，但绝对是一部值得一看，甚至看两遍的好片。说他模仿也好，道行还不深也好，相信宁浩是国产喜剧未来的希望。机遇与希望同在，祝宁浩好运！

《疯狂的赛车》：国产喜剧机遇与希望同在 作者：番茄女王

《疯狂的赛车》：“宁式喜剧”正式雄起

这是一次绝妙的体验，以至于在看完电影后意犹未尽；这是一次超值的享受，能在春节之前在电影院里欣赏如此精彩的电影而激动。《疯狂的赛车》，带给了我们属于电影中精彩。

　　超越疯狂

　　片名虽为《疯狂的赛车》，可是再用“疯狂”来形容本片实在有些过时了。自从05年那块“石头”以疯狂的姿态撞击地球之后，一夜之间，国内喜剧电影似乎都被注入了一支《低俗小说》中那样的大号强心针。随后几年里激活了国产喜剧片市场，但可惜这支强心针没有深入到心脏中，只是打到了皮肤上。所以，一系列表面“疯狂”内心“平静”的效颦之作纷纷的摆上台面，其中既有《即日起程》这样诚意与心意并存的小成本搞笑精品，也不乏《十全九美》此等挂羊头卖狗肉的烂俗劣作。如今事隔多年，在国产大制作影片延续“高票房’底口碑”的定律，国产小成本喜剧依旧续写不温不火局面的环境下，曾经把“疯狂”元素引入到国产喜剧片中的那帮不务“正”业的家伙们回来了，带来了一部更为专业、更为精致的武林秘笈——《疯狂的赛车》。或许，用再用“疯狂”这帮祖师爷级的人物有点无聊或者多余，因为这部电影中不仅继承了“石头正版厂家”一如既往的疯狂，而且做到了令观众疯狂的地步，绝对达到了“疯魔”的境界。有点“葵花在手，江山我有”的感觉。霎时间，一批劣质疯狂产品纷纷落马，吐血而亡。

没有规矩，不成疯魔

　　本片的导演宁浩很喜欢英国导演盖·里奇，这是其自己承认的。在“石头”之后，国内一夜之间似乎多了不少盖·里奇的fans。俺对盖·里奇的认识还是从《两杆大烟枪》和《掠夺》开始的，黑色另类的幽默、五花八门的人物、阴差阳错的巧局人印象深刻。由于文化的差异，我们在注重电影故事本身的时候，可能对片中那种英式方言幽默体会不深，但宁浩几年前的《疯狂的石头》，就让观众全方位的认识了一下国产黑色幽默，而其中巧妙的故事结构更让我们大开眼界。而这部《疯狂的赛车》站在了前作这样“小巨人”的肩膀上，如果故事不再花哨一点，结构不再缜密一点，难免会满足不了观众日益挑剔的欣赏口味。一个好的剧本是电影陈功的关键，于是在片头我们看到了多达7、8人的编剧组。与《石头》的翡翠相比，本片关键物品多达骨灰盒、美元、白粉三种之多，这无疑加大了编剧的难度。然而最终事实证明，编辑们日以继夜打造出来的智慧含量极高的故事，配以宁浩夸张而凌厉的导演手法，把本片推向了国产喜剧的一个高峰。 　　
　　
　　《疯狂的赛车》，故事并没有想象中那样难以理解，虽然线索极多，但结构巧妙，后来交错重叠，合在一处。宁浩虽然是学电影出身，可是对电影中的结构掌握犹如一个建筑师一般，扎实而又复杂的地基，在此之上建立了一座摩天大楼。如果有机会绘制一张电影人物结构图就不难发现，电影就像一个九连环，层层相扣，只要解开疙瘩之后便豁然开朗。电影的的主要线索有三条，分别是倒霉赛车手、外强中干的台湾黑社会和一对乌龙杀手。每一条主要线索都可以作为一个中心，并以此为出发点，延伸出各自的支线线索，包括假药夫妇、泰国倒霉蛋、菜鸟警察和殡仪馆老板。而三条主干线索又两两相交电影的前20分钟，三条主干线索独立成章，两两之间关联不大，直到乌龙杀手一扳手搞定那个泰国倒霉蛋之后，电影随即进入到一连串的高潮之中。线索之间的关系开始“乱”了起来，但这个“乱”并不是混乱，而是一种有规矩的“乱”，几条线索相互交错，人物之间阴差阳错的联系，但我们身处其中还能理清故事之中的连环局，并无混乱和费解之处，这就是电影的高明之处，如此小制作的电影，其中竟然蕴含着如此绝妙的故事体系和情节设置，本片足以让某些打着大制作的旗号招摇撞骗的“大片”卷铺盖滚蛋！ 　　
　　
　　宁式幽默终结冯氏时代

　　除了片中令人瞠目结舌的复杂故事，本片另一大特色就是无处不再的幽默，一种真正属于电影中的幽默。说道国产喜剧，不得不提一下冯小刚大师，首先，自从《甲方乙方》之后，冯氏幽默风靡大江南北十多年，俨然成为国产喜剧的代言人。虽然另类的《疯狂的石头》赚了个满堂彩，但这种独木难支的电影难以撼动冯小刚的霸主地位。不过在此之后，诸多效仿之作如雨后春笋般开花结果，直到这部正牌的《疯狂的赛车》出炉。另一方面，也不知小刚同学江郎才尽还是本着玩票的性质，近几年的喜剧质量不算很高，尤其是近期的《非诚勿扰》，就是一个假电影，真广告的吃老本之作，诚意和新意都值得怀疑，非诚勿拍！而《疯狂的赛车》虽然无明星、无宣传、无case，基本上属于“三无”产品，但电影主创人物从上到下极具诚意的打造出来的新意十足的喜剧让人称赞。国产喜剧以后如果多生产出这样的精致电影，无疑会造福观众，也会对国产电影期起到推波助澜的作用，好的电影我们要对其竖起大指，而对那些基本上算骗钱的电影，对不起，中指伺候！ 　　
　　
　　另外，宁式幽默与冯氏幽默有着本质的区别，后者基本上靠着王朔似的台词和日常生活的琐事博得大家一乐，这样幽默，也可以称其为“笑话段子”，可以出现在电影中，也可在直接照搬的春晚小品里。而宁式幽默则是一种地地道道的电影幽默，运用片中的故事发展和情节设计，幽默水到渠成，一个动作，一句台词都可以引发笑果。比如黄渤在师父遗像前哭诉：“我现在一分钱都没了”，随后一个镜头便抓起前方的一打美元开始点火；这样一个简单的镜头切换就让人捧腹，这就是蒙太奇所创造的专属幽默。也许老百姓对冯氏幽默的热情不减，但山珍海味老吃也会烦，宁浩电影这种独特的喜剧也许能唤起人们心底里那种“喜新厌旧”的习惯，或许，宁浩的喜剧时代不久将功成名就。 　　
　　
　　多彩人物，百家争鸣

　　电影如此众多的线索，当然少不了众多的出场人物，可以说片中的出场人物，五花八门，形态各异，让人印象深刻。片中可谓星光暗淡，除了黄渤和客串的徐峥外，能叫的上名来的真不多，但也就是这样没有大牌明星压阵的形势，也造就了众多人物百家争鸣的局面。值得注意的是，片子虽说在厦门拍摄，可片中人物可谓来自五湖四海，各地方言大荟萃，有黄渤的青岛话，乌龙双贼的陕西话，闽南话、台湾普通话，就连客串司机的宁浩同学，也不忘秀一下山西话（只有两句，俺就是山西人，听得比较真）。其实俺对电影里出现方言是没有异议的，但关键看你怎么运用方言，有的是为了搞笑才用方言，这样做意义不大，比如《十全九美》，抛去方言的外衣，还是白纸一张；而有的运用方言作为搞笑的催化剂，比如本片，去掉这些方言，电影依然搞笑，加上方言后，则更加搞笑了。 　　
　　
　　“黑皮”黄渤这次升职男一号饰演耿浩，这是一典型的“U-turn”类型的人物，倒霉+走同无路，长得不怎么样的黄渤对于这种角色手到擒来，按理说其算是一个悲剧角色，可是片中看不到这位哪点难过之处，反而挺有意思，就连其哭诉的场面都是笑料不断，典型的幸灾乐祸。在这样的喜剧片中主人公这种悲剧般的设定是利大于弊，耿浩的“苦中作乐”可以加强电影的整体之感，不至于与片中主题脱离，但是一点弊端就是不能博得大家的同情，体会不到片中人物那种走头无路的感觉。当然话又说话来，这样的做法在喜剧片中也是可有可无。 　　
　　
　　除了黄渤，其他的几位主演也是精彩异常，首先是台湾黑社会那帮菜鸟，一出场就是一段火并，看上去很厉害，可是随后问明火并缘由才直到乃是乌龙事件一出，也让观众认识到了这帮黑社会都是表面文章，绝对外强中干，随后一系列搞笑的事件也让这帮黑道上混的兄弟颜面扫地。饰演大哥的大胖子是台湾比较著名的娱乐主持人戎祥，黑社会的笑料基本此人身上的最多，当他说出：“本地帮会太没礼貌了”让人笑掉大牙。台湾老牌明星高捷饰演的“打火机杀手”话语不多，但很压得住阵脚。 　　
　　
　　由王双宝和巴多饰演的乌龙双贼绝对是本片最大的亮点。首先是姐夫，一脸凶相，做事讲求“原则”，实际水货一个，口口声声“干一行爱一行”，结果90分钟改了3次行；小贼妹夫长相绝对极品，一脸“囧”相，胆小怕事，嘴里整天叨念着“多行不义必自毙”，吸引了大量笑声。最后二人手持电饭锅，在慢镜头和陕西民乐的烘托下走向前方，绝对是《绝地战警》片尾的山寨版，笑果不是一般的强！ 　
　　
　　剩下的几位配角轻重不等，由台湾娱乐主持人九孔饰演的李法拉虽说戏份不多，但在片中地位极重，几条线索中都有他的身影，而片中一系列事件基本上间接直接的由他而起，算是片中的一个重要的枢纽，承上启下，瞻前顾后。《石头》中的三宝和王经理饰演的菜鸟警察戏份不多，亮点有限，算是起到了推动剧情的作用。不过真正推动剧情的是那个泰国倒霉蛋，片中出镜率极高，不过大部分时间是作为雕像（实际上就是道具）出现，也引发了一连串的剧情。另外，徐峥和石头中喊“流氓”的大妈的客串也是挺有意思。 　　
　　
　　意犹未尽，应接不暇
　　
　　电影视觉风格独特而又凌厉，整部影片呈现出一种昏黄的色调，有点像《两杆大烟枪》中的色彩处理，而且比起《石头》那种数字转胶片的拍摄方式，本片看起来很有胶片质感，镜头的远角和特写切换很成比例，视觉效果要比前者强很多，尤其是在大银幕前欣赏。本片的剪辑非常凌厉，影片共有2400个镜头，是国产影片镜头新高。由于本片篇幅只有95分钟，要叙述如此庞大复杂的故事实属不易，所以本片的节奏不是一般得快，场景变化接连不断，没有观众想象的空间，台词也没有一句废话，90分钟里毫无冷场。在看本片时，用坐云霄飞车来形容已经不足以说明问题，看本片就像是在乘坐炮弹飞车。如果非要给本片鸡蛋里挑骨头的话，那就是片子太短，意犹未尽；节奏太快，应接不暇。
　　
　　《疯狂的赛车》是一出令人惊喜的电影，称其为年前最后一道电影大餐实不为过。更重要的是，本片比起爆米花的《赤壁下》，有点骗钱的《非诚勿扰》，《疯狂的赛车》才更像是一部真正的贺岁片，宁式喜剧”品牌正式成立。

《疯狂的赛车》：“宁式喜剧”正式雄起 作者：狐狸梦见乌鸦

《非诚勿扰》：贫完了还剩什么?

没有什么是比以亿计的人口万众一心期待某几位导演定点定时投放几部贺岁片更富有娱乐精神的事情了。以强者恒强姿态矗立的这几位导演经常担纲决战华夏之颠这场大戏，由于主角西门吹雪、叶孤城、陆小凤、花满楼们都是一样的玉树临风、容貌水平均旗鼓相当，大家一起裸奔了，也就不觉得突兀。于是静止的时间、静止的百姓、静止的历史，一起在等待着岁月的追赶，最后以公元与千年来记载。贺岁片前缀的数字象沙漏一样流动着，2001、2002……2008。
　　
　　剽窃在我们这个民族可能已经算不得最耻辱的事情，听闻文抄公最近也登堂入室、总算“抄而优则仕”，大德们就更处之泰然。当大家脸上都是屎的时候，你大可把它当成是刚吃完一碗食神杂碎面，彼此相对释然。于是小众的彭浩翔在《AV》中的神来之笔化作冯大导的片头。有鉴于片儿友在看片时解释道：这段精彩的前戏其实跟片子本身的内容是没什么联系的，所以我们也可宽容的把它当作小时候进影院加映的“猴子捞月”“雪孩子”“蛀牙大作战”，甚至大大的一个“静”字，这样我们和导演也都宽慰了。继续入巷、品味精彩的正餐。

毛主席说了：“《水浒》好，好就好在造反。”，于我这类以色心见色的人，也只得说“《非诚勿扰》好，好就好在舒淇。”。近期“蚁力神”本山大爷越来越不遭人待见了，网上物议很多：东北闹出了挺大的事儿那是一说，官府抚平知者想必寥寥，而铺张的嫁女、历史污点“二人转”、还有在我们这群屁民还在拿暂住户口时丫居然拿了外国户口很让人不忿。这年头自另一位赵老湿以降、要混“德艺双馨”难度系数是越来越高了。在此我推荐一个妙招，那就是野兽一定要搭配美女，至少冯大导引进了舒淇，大大减低了我骂娘的冲动。今年据说本山大爷上了不春晚，可能也与丹丹大婶不够养眼有关，不妨搭配一个HOT GIRL，再试试。　
　　
　　降低一个民族的群体智商，其实对政治与商业运作都大有裨益。至少不会出现《肖申克的舅母》与《阿呆正传》撞车这样的人间惨剧。象《邮差》《天国王朝》等都票房大败甚至知者寥寥，无疑是对智慧与财富的极大浪费。而我们就好，无论听杨丞刚唱歌、看郭敬明写书或者葛优说单口相声，都会是一大乐（细想一下这个类比用得不当，葛优还是比前两位好很多的）。于是则可养精蓄锐，把人力资源的小宇宙都留给下一代爆发、极大的避免了过度开发，从这一点上来说，我们对生态环境的保护，还是走在世界前列的。
　　 　
　　换个角度来看，祖国妈妈和导演叔叔们对我们的喂养，都可算作一种“饲育”，出发点肯定是好的。这也跟我们本身的发育程度有关，就象我的朋友白莲蓉家那只小京巴串，最喜食主人啜过的橘子瓣儿，美其名曰“去其精华、留其纤维”，各取所需，是为双赢。从译制片到阉割版，与世界先进文化始终保持着一定距离，如同新生儿进ICU，都是善意的。每年的祖国贺岁片，都如同一部好看的剪贴板儿，花花绿绿挺热闹。如《XX呼叫转移》之类，拼凑上民间笑点和小机智，再穿插各式闻人与美女，也算用心良苦交足功课，能讨上巧，成了套路了，纷纷信手捻来，于是活络好用人皆用之。碰上年成荒芜极度欠缺智慧的时候，还能留下几句XXX年十大精彩对白，全民开心一整年。
　　
　　因此咱这群看客无论拍桌骂娘或大声叫好，都属隔靴搔痒或穿裤做爱、聊胜于无。总好过八个样板戏的年代。古训有云：知足常乐。
　　
　　虚空、虚空、还是无尽虚空。冯导其实已经算是个相当实在的导演了，前些年的《甲方乙方》，《不见不散》，《没完没了》，《大腕》也都可圈可点、不乏诚意。而到了2008这个年代，已如酒神的狂欢，上层有上层的纸醉金迷，下层有下层的声色犬马，高端有高端的玩法、低端有低端的快活。关门放狗，熄灯上床，至不济老光棍们还可买个老婆乐乐、村干部和公安也管不了那么多。生命的意义，原来如此天真烂漫和丰简由人。因此，我们与其抱怨冯导们的空乏，不如抱怨自己的空乏、时代的空乏。来来来，弟兄们，对月当歌把酒唱和，问世间缺憾，还剩什么？
　　
　　
　　写完最后，再去看了各大影评版网友的好评如潮，才发现，要么是我要求太高，要么是我已读不懂感情这回事。

《非诚勿扰》：贫完了还剩什么? 作者：阿羊

《疯狂的赛车》：很会玩电影的宁浩

两年前，影片《疯狂的石头》的出现曾经令国内众多影迷疯狂不已，在我们这个类型电影严重缺乏的国度，这部像模像样的黑色疯狂喜剧的横空出世，对于影迷来说不啻是一个“天上掉下个林妹妹”般的意外惊喜。虽然导演宁浩毫不否认自己对于英国导演盖里奇的全方位的模仿，但宁浩对于欧美同类型影片的成功的本土化改造依旧无法被忽视，可以说，《石头》虽然师承盖里奇的英伦摇滚式黑色犯罪喜剧，但细节之处却处处透露着原汁原味的中国风情。1月20号，在竞争激烈的春节档期，宁浩的新片《疯狂的赛车》将借助前作两年来积累起的人气强势登场。
　　
　　整体上，《赛车》堪称《石头》的升级加强版，线索更多，人物关系更复杂，各路人马的盲打误撞更巧妙，笑料更丰富，效果更疯狂。可以看出，在经历了《石头》票房与口碑的双重成功之后，宁浩对于新片《赛车》的制作更加的从容自信，玩的更加开放。如果说《石头》还只是一部盖里奇式影片的简体中文版，那么，《赛车》更像是一部昆汀式的磨坊电影，它巧妙的把许多有趣好玩的元素杂糅在一起，除了盖里奇式的多线索碰撞，昆汀、杜琪峰甚至是科恩兄弟的许多标志性元素都被宁浩拿来戏仿，在这种杂糅性的戏仿之中，宁浩已慢慢开始形成自己的风格，在华语影坛扛起了“玩电影”的大旗。
　　
　　这几年，随着以昆汀为代表的诸多非主流鬼才导演在国际影坛的走红，“玩电影”的概念已深入人心。所谓玩电影，就是在影片中把诸多类型片或者知名导演的一些标志性元素杂糅在一起，用属于自己的风格把它们表现出来，从而谋求在影片的叙事、类型或者视觉风格方面取得一种创新，比如我们耳熟能详的昆汀的《杀死比尔》，就是一部融日本武士片、邵氏武侠片、意大利式西部片、日式动漫等多种元素于一锅的“昆氏乱炖”。《疯狂的石头》已经展示出宁浩对于类型电影超强的领悟与借鉴能力，新作《疯狂的赛车》则进一步展现了宁浩对于多元类型元素杂糅的超强控制力，因为“玩电影”绝不等同于简单的戏仿，它要求导演必须始终把诸多别人的元素置于“为我所用”的掌控之中，如果控制不好，就会沦为低俗的恶搞，经典桥段的低级模仿秀，恶心的效果参照中国和好莱坞都存在的“大电影”系列影片。
　　
　 《疯狂的赛车》中，宁浩更加开放的玩起了电影，多位导演的标志性元素被大胆的拿来杂糅与戏仿，盖里奇、昆汀、科恩兄弟、杜琪峰甚至吴宇森等电影大牛的风格在影片中都留下了明显的痕迹。全片三条线索、六路人马盲打误撞的纠缠在一起，整体上依旧是盖里奇式“多条线索齐头并进、交叉碰撞”的结构型喜剧。与《石头》相比，《赛车》的人物形象更加夸张，人物性格更加鲜明，这点与科恩兄弟的许多黑色犯罪片十分相像，片中不断出现的杀手的打火机，灵感似乎来自科恩兄弟的处女作《血迷宫》。与盖里奇的英伦摇滚风相比，《赛车》的音乐更加多元化，摇滚乐、闽南歌曲、古典乐曲等运用自如，这点与昆汀的选乐风格颇为相似。影片中出现的几次枪战对峙场面，人物大摆POSE的画面配合上独具风情的闽南歌曲，实在是令人无法不联想到吴宇森或者杜琪峰的英雄片。

《疯狂的赛车》：很会玩电影的宁浩 作者：天下无色狼2009

《梅兰芳》：貌合神离

梅兰芳有“一代完人”的美称，可这世上岂有完人，无论他展现在世人眼前的形象是多么完美，他始终是有缺陷的。可惜这部电影最终还是照蹈“为尊者讳”的覆辙，于是，他原本相堂公子的出身，变成了宁折不弯的反抗拒绝；原本的正妻王氏完全不见踪影；就连同居女友孟小冬，也变成了单纯的“红颜知己”。很遗憾，正是因为这部电影对太多的事实进行了道德修正，于是在观影的过程中，我为十三燕的英雄气短落泪，被邱如白的疯魔感动，喜欢孟小冬的洒脱率性，理解福芝芳的内助之分，单是对片中的主角梅大爷毫无感觉。其实黎明的表演倒是无甚过失，偏偏是掩耳盗铃般的剧情铺张让人颇为反感，越是往后发展，我越是看不到片中的梅兰芳与京戏究竟有多大联系，他对京戏有多么迷恋。而梅兰芳最可贵的地方，并不在于他扮女人扮得多么出神入化，也不在于他在抗战期间有过多么伟大的作为，就在于他在京剧艺术领域勤勤恳恳地研究与创作。与京戏貌合神离的“梅兰芳”，还是梅兰芳吗？

为什么千千万万的人总是忍不住拿《梅兰芳》与《霸王别姬》比？因为它们可以有太多的共通之处。但我终于想明白，它们有本质的区别，这区别并不在于一个是虚构的故事而另一个是真人传记，而在于（影片中）两位角儿所执著的东西。

　　“你楚霸王都低头认罪了，那京戏能不亡吗？”这是《霸》中的程蝶衣的话。
　　“我有个长辈，临终之前跟我说，婉华，你以后成名了，能不能给咱们唱戏的地位，提拔提拔啊？我说好啊。”这是《梅》中的梅兰芳的话。

　　前者果真是不疯魔不成活，为戏而活，怀拥着身为戏子的骄傲，这种骄傲，与地位无关。懂戏的，即为知己，即使对方是政治上的敌人。他只是一个戏子，渗入他骨髓的是对京剧艺术的疯狂执著，无论时局如何变化，只管沉浸在姹紫嫣红的世界里醉生梦死，只想这么一直唱下去。对于一个戏子来说，足够了。

　　而后者，要为戏子挣口气，要让人明白戏子也是爱国的也是有尊严的，为此特杜撰一场敌营逼演，伟大的艺术家梅兰芳忍辱负重，义正辞严地拒绝了日方的要求。这种情节，放在江姐身上，我会很感动，可放在这里，我觉得很不舒服。梅先生当年蓄须停唱的事是真，他是确实憎恨着侵略者，但他更无奈的是侵略者给他造成的影响。因为梅兰芳一生对于京剧艺术的执著是有目共睹的，当一个艺术家失去了创作的舞台与权力，他的内心会是多么痛苦难挨？而这种权力是他为了民族的尊严，为了坚持自己的立场而不得不选择失去的，对于一个艺术家来说，已经是莫大的牺牲，何必再去杜撰一场拙劣的“敌营逼演”。
　　
　　当年《霸王别姬》的原著李碧华，她笔下的人物从来都是一个“痴”字可概，无论是《霸王别姬》，还是《青蛇》、《秦俑》、《诱僧》……，那些痴人们皆是看准了一条道儿就铁了心地要走到黑，这样的人是现实之人的升华与再造，放在电影中让人随其哭一回、笑一回、怒一回、骂一回，虽知是假却也令人感慨万千。也许你觉得，那是小说，爱怎么写便怎么写，而《梅兰芳》则是传记，不能似小说那般为所欲为。没错，若是要老老实实拍传记，就不要对那些个不甚光彩的事遮遮掩掩招人反感。而现实总是没有戏剧那般精彩，你要适当杜撰以加深它的观赏性，可以，但万不可散了它的神儿，梅兰芳的神儿即是京戏，京戏即是他为之痴的东西。只要抓住这条主线，何愁不能打动人，可惜，那些杜撰与改编的情节，不仅越发地使“梅兰芳”与京戏貌合神离，也越发地使他不像一个有血有肉的人。
　　
　　名人传记这种题材一向很难把握，既要受到名人后代的制约，又要缩短现实与戏剧之间的差距以增强可观性。就像英国著名大提琴演奏家Du Pre的传记电影《她比烟花寂寞》，正是由于导演与编剧大胆的想像与再创作，在表现这位天才少女的才情、率真与不幸的同时也表现了她的自私、任性与秽暗的一面，最终令这部电影因其细腻的情感与紧凑起伏的剧情赢得了全世界大批影迷的泪水与喜爱，却也同时导致Du Pre亲朋好友的指责与愤怒。《梅兰芳》的艺术指导为梅先生之子梅褒玖，导演与编剧受到的制约可想而知，不过，那些刻意为之的道德修正毕竟只是一个方面，而梅兰芳与京剧之间的紧密联系未被很好地表现出来，终是最大的遗憾。

《梅兰芳》：貌合神离 作者：仟玖零·1900

所谓大片，非诚勿扰！

对于大片常常是抱着一种很矛盾的心态.去电影院看,还是在家看DVD,或者以某种不正常的手段甚至是非法手段来看.大多数影迷应该跟我有过同样的挣扎.最经济的手段当然是最后一种途径.但有得必有失,在家面对电视或者电脑看着当然不如去电影院看大屏幕来得精彩和痛快.如果这真是一部大片,在家看,关上电脑的瞬间便会产生一种失去了某种体验的沮丧感.而如果去电影院看完了但又就觉着被忽悠了,睡眼朦胧地走出来也是一件不太愉快的事儿.

昨天去王府井影城看《非诚勿扰》,拿的是年票.检票小姐说得一人再补五块钱.我说为什么以前不用补,她说这是特殊影片,是国产大片,每年有几部国产大片都不能用年票看的.我补了五块钱,心里乐颠颠的,我看大片来了.

一开始放了预告片,果然没让我失望.天涯,海角,我,你,逆流而上,道阻且长,所谓伊人,非诚勿扰.背景弦乐从抒情到气势磅礴,配上唯美的镜头和其中主要的情节,我一阵激动,没白花钱.

但是这种激动没有持续到最后.

我反感的就是广告.华谊兄弟确实厉害.从一开始广告就没消停.先为大家细数一下.

开机镜头对着清华同方的电脑.当时所在的餐厅相信大家可以看出来是现在发展很快的零下五度C.
葛大爷第一个相亲的对象,说自己的名字与这餐厅一样,叫艾茉莉.这句话并不是多余的.
第二个相亲对象,从包里拿出一本儿,上面写着万国公墓.
舒淇与葛优第一次见面,舒淇说自己是海航的,后来也在海航有多处镜头.
两人诉说心事完了后葛大爷拿出招行的卡.
杭州的西溪公园和某高档楼盘.
温莎威士戚第一次出现是在杭州的茶室,后来又在日本从葛大爷口中说出来.
在北海道旅行时开的车.男女主角用的手机.
当然,赞助更大的应该是海南旅游局,杭州旅游局和北海道旅游局.

说到这里声明一点,大多数的观众应该和我一样不反对电影里出现广告.在合适的场景,顺便为拍到的美好的东西做个宣传是个两全其美的事儿.问题是现在,《非诚勿扰》完全成为了一部为了这些广告而拍摄的电影.因为从剧情上来说.《非》可以称得上是完全没有原创剧情.我们从此片看到了爱情呼叫转移1,2的影子.还有同期上档的《桃花运》.无非又是一个各路明星的大拼盘,还煞有介事地扯上本年度中国发生过的大事,显得相当的与时俱进.再说笑料.本片不缺乏笑点,剧场的观众若是花钱来买笑也并不能说没有收获.但明白人一眼可以看出分歧终端机并非原创,教堂忏悔的一幕也相当没有创新.其余的笑料也有网络上拼凑搜罗来的嫌疑.不可否认的只有葛大爷的演技.一个牵强附会漏洞百出的小白的故事他居然也能把眼泪说出来.

回过头来看本片,我有种被忽悠了的感觉.这种感觉先让我愤怒,接下来又让我思考.

什么是大片?观众不是没有看过大片.《集结号》,《赤壁》,包括目前没有在大陆上映的《海角七号》是不可否认的大片.完整的剧情,宏大的场面是观赏意义上的大片的不可或缺的元素.从这方面来说《非》是不是大片?答案是否定的.那么是谁告诉我们这是大片了?没有人.《非》确实用了拍大片的导演,拍大片的演员,宣传大片的宣传,最后也收获了比大片还大片的票房.但这改变不了《非》仅仅是一部算不上烂片的但也绝对称不上大片的平庸之作.

电影收益的最主要来源包括广告商赞助以及票房.我大胆的推测一句,花在宣传造势上的钱绝对要多于拍摄电影本身的钱.导演自己也明白,这是一部投入产出比最高的电影.相信这也是华谊赚得最多的一部电影.当然,电影的背后是投资人,是华谊兄弟.电影要赚钱,我们也乐意看到电影人们赚钱.但是,套用一句冯导曾经电影中的话,做人要厚道.对本片做一句话概括,这是一部贯穿着男版爱情呼叫转移剧情同时夹杂着无数广告的《请您欣赏》.这样的一部片子,居然号称冯小刚的诚意之作,名字还叫做《非诚勿扰》.

于是我在想,电影应该怎么宣传.

在我心里,《赤壁》是好片,是名副其实的大片.但《赤壁》的看点完全不在于网络上所流传的不土不洋的笑料台词,也不在于林志玲的大银幕初女秀,而在于气势庞大的阵法之战.出电影院的人留下印象最深的也是这些.电影人想在艺术电影和商业电影之找一个契合点.从《赤壁》的宣传完全是以花边新闻为噱头来看,电影人们认为目前观众是抱着的是娱乐的心态.但好的电影会让那些抱着娱乐的心态去看的观众收获艺术的价值,这也就决定了他们最终能够获得好的口碑.

而《非诚勿扰》给所有的电影人什么启示?只要宣传够好,演员够有票房号召力电影就能有个好成绩.在这样的启示下真正的好电影会离我们越来越远.这样的电影给观众什么启示?的确,老百姓口袋里是开始有钱了,也开始愿意去电影院消费了.但老百姓也不是吃白饭的.被忽悠了几次以后,他们会渐渐明白,所谓大片,永远宣传比电影好,说的比拍的好.在收获与期望相差太远了以后,他们会愿意回归到买张盗版碟,邀几个朋友在家边侃边看的状态.

当然,《非诚勿扰》今天遭遇的尴尬境地并不是导演,电影公司,投资人单方面造成的结果.观众素质与欣赏水平的提高有一个过程.但愿经过了这个过程以后,电影的宣传能够回归理性.

现在,我想替那些诚心做电影的人鸣不平.也替所有的观众向大导演们说一句,真正的好片,我们欢迎,我们也乐意掏钱去看乐意支持您.但是所谓大片,非诚勿扰!

所谓大片，非诚勿扰！ 作者：晓岸晨风

写在《非诚勿扰》之后

给温莎威士忌做的广告很到位，电影中的宣传就是比电视来的更深入。

借用了葛大爷和冯导，讲了一个不是那么乏善可陈的故事，如果把范伟的客串，还有浙江西湖和北海道的秀丽帧数减去，再除掉开头和结尾，那就是一个很普通的爱情故事，而且还很不厚道。

先说搞笑的，本应该是冯小刚同学擅长的项目，现如今却不能不陷入了天下无贼的窠臼，范伟的笑料也仅仅停留在被忽悠的阶段，但是至少我看的那场大家都笑了，那就达到贺岁电影的基准点了，其他诸如胡可和徐若瑄的客串，少也不少，多了也还不至于妙趣横生。

再说电影的，冯同学一向在贺岁喜剧中拿出中国百姓的大家事尔来把实话实说，反正没拍成今日说法。但是看完这部片子怎么联想怎么像成龙的《宝贝计划》，要的就是课堂效应，但是课后作业效果不佳，说句实话，把舒淇换成别人对本片并无多大影响，但是要把集结号里的谷子地换成葛优去演，问题就来了。换言之，作为贺岁片，本片可以说及格以上，八十往下。贺岁片，前提就是一年一部，这就给剧本构思创作带来了紧凑感。葛优的台词说心里话完全可以参考手机台词，一言一举一行一动就是让你笑的，否则就叫暴殄天物。

说其不乏味，还好没有走像歌舞青春那样让女粉丝意淫花痴的路线，何况葛爷年近五十，装嫩是不行了，还好舒淇够靓，弥补了养眼系数，另外一大优点就是实在。主线是谈婚论嫁，捎带着把形式走低，前途依旧渺茫的中国股市给奚落顺便期待了下，毕竟再当代中国，上至政府官员，明星大牌，下到平头百姓，市井小民，很大一部分存款游走在股市里，这样的做法可以理解，媒体上没法说，还不行我们在片头片尾过过瘾了？

至于爱情，可以这样理解，一男征婚无门，偶遇怨妇一位，在充当此女前男友工具后，此男坠入情网，无奈女自杀未遂，就重获新生的故事。对这段感情的虚假程度我还是不说了，大家自己去品味,倒是中间龙套很抢眼球,正如葛优说，来征婚的不是传销的就是内怀鬼胎的。倒不至于这样，但是也差不多了。

最后，对比对比自己和电影里人物的相仿关系，葛优咱是指不上了，人家虽是三伪人士，好歹腰缠......万贯倒不至于，至少去趟北海道就要花万八千的，偶们没钱；舒淇就更离谱了，女的不算，神见了都花开的模样，仇人眼里都是西施的扮相......扯远了，冯远征演的同性恋当然说不上，本人虽有不少缺点，但是生活作风很正经.......还是当范伟吧，实惠点，别被人忽悠就行。

写在《非诚勿扰》之后 作者：茗若菱冰雨翩苍

《非诚勿扰》：经济危机时期的和谐喜剧

估计本片的台词最能在坊间流行的就是那句：“21世纪什么最贵？和谐！”这实际是点题之笔，从头到尾，崩管葛优哭得多凶，舒淇跳得多险，世间百态有多滑稽和炎凉，总体的感觉，还是逃不脱这“和谐”二字。

这并不是坏事，和谐没什么不好的，即使我这种整天想从电影中整出终极关怀来的大忽悠，也觉得实在是该和谐和谐了。暴风骤雨式的革命时代过去了，一日千里的大发展时代也过去了，有时候想想，经济危机反而是件好事，它可以让我们静下心来想想，到底我们想要过一种怎样的生活？

谁说中国政府钳制艺术家的创作自由？下回再有不识相的外国记者在新闻招待会上提这种问题，秦刚先生不妨让丫直接看《非诚勿扰》去。你看这回俺们的广电总局多英明啊，尺度已经空前开放了——同性恋、第三者、性冷淡、股市圈钱、黑社会（当然是日本的）、国际政治、两岸关系，这不都被冯导堂而皇之的拿来开涮了吗？再者，这“建设和谐社会”不也是朝廷的旨意？冯导可以在片头直接调侃一把，在片中还安排了一位一年只想做一次爱的妙龄美女来呼应，这一段看得我这俗人着实乐不可支——NND，建设和谐社会，首要的一点就是性生活先得和谐起来。

然后便是葛优和徐若瑄那一段，来自大陆的剩男和来自宝岛的未婚妈妈在杭州茶室里有了场精彩的对手戏，俩人居然在“沦陷”和“解放”两个词的用法上纠结了一番，最后还是葛优打了圆场：我们叫“解放”，你们叫“沦陷”，实际是一个意思。

我当时就惊了，真的和谐了！倒退三十——不，二十年吧，这也算危害国家安全罪吧。看来，马英九“冻蒜”对电影界也是个好消息，对岸那部《海角七号》炒得热火朝天，咱这边把裤腰带再松松是难免的事，团团、圆圆就要启程了，本来就是一家人，有什么好吵的呢？记得看连战先生来大陆访问那一阵，我这思想后进分子立马就想：这国、共两党斗了一辈子，末了居然发现咱俩其实是兄弟，真正的敌人无非是那帮绿脸绿帽子的跳梁小丑罢了！

要和谐啊！若不和谐，兄弟阋于墙，全让外边的乌龟王八蛋占了便宜。中国人不打中国人，别他妈操一口闽南话就以为自己是“福尔摩萨”人了，这就是倭寇给命的名，我们中国人不怕倭寇，《非诚勿扰》里主要就是拿倭寇开涮的——北海道就是一帮粗野的农民，六七十岁的女人还在当三陪，有座小庙还得包给黑社会办丧事，进山遇见俩年轻的还想拿熊吓唬人，全他妈傻X！邬桑为啥窝在那里出不来了？还不就因为瞎眼娶了一日本妞？日本妞嘛，从AV里看还不错，真要娶回家当媳妇，严重不靠谱。

不过邬桑哭那会，我还是被小小的感动了一下。严格的说，《非诚勿扰》是部葛优的独角戏，其他的人全是龙套——包括舒淇，坦率的说，这是个花瓶，换谁都一样。但是邬桑不一样，邬桑有戏。葛优哭，后来跑到小教堂里忏悔，一说就是一个晌午，弄得牧师的腰椎间盘都突出了——影院里当时乐开了花，不过我看到葛优跪在那里的背影时，又他妈唏嘘了。

那是一代人在忏悔。我身边的朋友，包括80后的，越来越多的在信教——佛、基督、天主，但凡能信的都有人信（坚决反对轮子功！）。葛优所代表的四十多岁的一代，其实正是时下中国的脊梁。他们年轻时经历过文革、下放、住农村大炕什么的，后来出国，赶上了经济发展大潮，在中国经济高速前进的这三十年里，他们的生活跟社会一样都已经发生了翻天覆地的变化——从《非诚勿扰》的镜头里看北京的街景，跟国际大都市还真没什么两样。

葛优有钱，加上又骗了风险投资（天使投资人）的钱，已经可以在西溪留下镇买一整栋带私人池塘的别墅，但是在他遇到感情危机，心灵深处的伤疤无法愈合时，他还是要来到遥远的北海道。

葛优说了，不缺钱，缺朋友。

我不想装得跟成功人士似的，我他妈巨缺钱，但也缺朋友。中国改革开放三十年，一个巨大的变化就是空前的社会流动性，像我这种内地二三线小城市出生的人，但凡有一点本事的都出来了。真不是吹，留在家乡的大都是没什么一技之长的（给我的老同学们作揖了，不过反正他们也看不到）。但我们这些来到大城市的人又怎么样？就算你成功了，在这里买了一栋房子，你还是无法从根本上融入这里。

中国人的乡土观念恐怕是别人永远也无法理解的，往大了说，这就是我们这种异乡人的孤独吧（万恶的户口制度无疑又加重了这种心理负担）。忙起来还好，整天忙着当房奴，反而不会胡思乱想，可一旦停下来，有时候心理真JB空虚！翻翻电话本，能说点真心话的都还是远在千里之外的老朋友们。

葛优忏悔了，他当然要忏悔。卡尔导师早就说过：“资本来到世间，从头到脚，每个毛孔都滴着血和肮脏的东西”。既然有发展，就有贫富分化；既然有贫富分化，就没有绝对公正——往深里说，先富起来的一帮全都有不干净的地方，这也正常。

所以葛优需要忏悔。经济高速发展，精神世界却在迅速的荒芜。以前可以找组织交交心，现在呢？心理医生也是看钟点收费的，跟开房的小姐没什么区别。

看来韦伯还是有道理的，新教的伦理支撑了资本主义的发展（当然对韦伯真正的思想意涵学界也有争议），中国的发展，却像一个韩国女人：外表越整越漂亮，内里并没有实际的改变。

葛优孤独了，这孤独发展下去就该抑郁了。满大街都是亚健康，坐享了三十年经济发展的红利，也是时候该偿还点什么了。

出来混，总是要还的。

人不能死心眼，该翻过去的一页就得翻过去。舒淇就是吊在有妇之夫的树上了，好在跳了一回无污染的日本海，救回来想必可以洗心革面般面对葛优的爱了。

冯导还是有才的，言必称希腊的忽悠一回，葛、舒之恋与柏拉图的会饮其实面对的是同一种问题——在爱情中，肉体与精神到底可不可以分离？何种爱恋才是真正的爱？

灵与肉的统一，实在是可遇而不可求的。所以，葛优拒绝了大美女舒淇419的强烈诱惑，他义无反顾的柳下惠了。

葛优的角色叫“秦奋”，舒淇的角色叫“梁笑笑”。按照修辞学的讲法，这叫反语。

我还是最喜欢范伟，给人希望的那段结尾，还是范厨师给全国人民奉献的，当看到虚拟的股市飘红、指数直冲9000点时，影院里甚至传出了欢呼声。

冯导不愧是人民的导演，经济危机时的人民就需要这种和谐的喜剧。

经济嘛，本就是个人心的问题，大家都觉得经济好，经济就好；大家都觉得危机了，可不真就危机了？

不过记得以前政治课本上学过，这经济危机是由资本主义的生产关系与生产力之间的基本矛盾引起的（不是主要矛盾，主要矛盾是无产者与资本家之间阶级矛盾），是资本主义本身无法克服的，迟早有一天，资本主义会被这危机给玩完。而我们社会主义是优越的，我们没这危机，我们是丫的掘墓人（想想这比喻用得挺歌特的）。

怎么现在危机来了，我们比丫还紧张？

后来明白了：中国特色社会主义，资本主义，都是主义嘛。

凡有主义，总有出错的时候，错不要紧，犯完就改，改完还犯，犯了又改……

不管咋样，和谐就好。

《非诚勿扰》：经济危机时期的和谐喜剧 作者：图宾根木匠

《非诚勿扰》：温和的喜剧

所谓“四十不惑，五十而知天命”，《非诚勿扰》这部电影，可以说是今年50岁的冯小刚导演对自己人生的一次回顾和梳理。
　　
　　虽然《非诚勿扰》还是一部所谓的“冯小刚贺岁喜剧”，那些“冯小刚喜剧电影”中的标志性元素该有的还都有，但这些已经不再是这部电影的重点。愤怒不但能出诗人，还能出喜剧导演。作为一个功成名就的电影导演，冯小刚早年电影中对现实的愤怒和批判，已经转化为《非诚勿扰》中对自己和这一代人温和的调侃。

作为冯小刚电影生涯中的一个高峰，《集结号》在票房和口碑方面的双重胜利，对于冯小刚导演来说意义非常。冯小刚曾在他的《我把青春献给你》一书中愤愤不平地提到，因为一系列诸如《月亮背面》、《一地鸡毛》等现实主义题材的电视剧连遭枪毙或阉割的命运之后，他就转而投向以嬉笑怒骂来娱乐大众的喜剧贺岁片路线。而在连续的票房成功之后，作为获得话语权的成功导演，冯小刚不但在电影技法上锤炼的成熟起来，在心态以及眼界方面，也开始逐步向着“成功人士”的方向靠拢，再也不是《甲方乙方》、《没完没了》、《不见不散》这样的电影中城市“流氓”的代言人了。（必须要说明一下的是，这里的“流氓”是一种对城市人群中身份丧失者的界定，而非传统意义上的道德或司法判定。）
　　
　　但一个以成功者身份出现的冯小刚，还是会尴尬地发现，财富上的成功并不能抵消主流社会的刻意漠视。直到当他凭借《集结号》获得了主流社会的最终认可后，当他回过头来再重新面对自己赖以成名的贺岁喜剧时，一种尴尬局面出面了——他已经不够愤怒了，以至于不能再象当年那样嬉笑怒骂了。
　　
　　于是《非诚勿扰》温和地开了很多玩笑，但基本上都发生在一些密闭空间内，和外面的世界不再发生联系。当葛优和舒淇所扮演的角色需要一个更大的环境袒露心扉时，导演就让他们去了北海道。这样做的好处除了可能的广告赞助外，还可以提供一个非现实的，巧妙但刻意消除了所有真实生活痕迹的背景环境。
　　
　　《非诚勿扰》表面是一部喜剧片，但骨子里却是一部剧情伦理片。一个中年男子，和一个年轻女子，以征婚的形式相识后，发现彼此过去的秘密，最后演变成“两颗绝望的心”共同逃亡北海道。在这趟同床异梦的旅途中，中年男子想要寻求未来的承诺，而年轻女子却想挣脱过去的束缚。
　　
　　这个故事虽然松散，却有意或无意地映射了当下城市群体中普遍存在的道德和生存焦虑——在传统道德约束极度缺失的当下，如何在现实和理想间寻找平衡之道？
　　
　　当然，冯小刚的电影一向是不给答案的，他只负责提供温暖。如果有人笨到要进电影院来寻找自己生活中那些困惑的答案，我们就只好装作看不见了。
　　
　　葛优扮演的中年焦虑男秦奋，在北海道半真半假地进了教堂做忏悔。秦奋自己唠叨的那点事儿，其实牧师和观众都听不懂，但他自己却能乐在其中。对于冯小刚导演来说，《非诚勿扰》就是这样一部电影，如果能挠到观众的脚心固然好，但如果挠不到那也无所谓。重要的是，冯小刚导演用《非诚勿扰》对自己的中年情怀做了一次略带伤感的梳理。
　　
　　我们虽然还能在电影中听到那些期待的幽默对白，但对于观众来说，那种欢笑背后开始带上一丝淡淡的忧郁。可能是为了淡化这种弥漫全片的淡淡忧郁，本片的开头和结尾，都很突兀地加入了范伟的戏份。尤其是影片结尾的展望股市飘红桥段，不但显得多余，而且显得廉价。

《非诚勿扰》：温和的喜剧 作者：张小北

《梅兰芳》：纸枷锁下凯歌难唱

看罢《梅兰芳》，我呆坐影院，直到字幕淡去，人离场。并非是电影太好勾去了我的魂魄，也并非是电影太差让我为枉付的票钱耿耿于怀，而是一种遗憾。遗憾初见电影那刻已在嗓子眼中的“好”字，愣是在150分钟的光影流转中没有被酝酿成中气十足的一声大喝，而是渐渐被噎在了嗓子眼中，直到曲终人散时再无声息。
　　　　
　　梅兰芳，当然是不朽的。而《梅兰芳》，该如何形容这般遗憾的你呢？
　　　　
　　影片的开篇“死别”当是不朽的。从与《霸王别姬》神似的音乐响起，楔子那段纸枷锁戏，已让人有恍若身临史诗的沉醉，待到余少群版梅兰芳在舞台上惊艳亮相的那一刻，我的心更如邱如白一般，迷离其中，至此眼中唯有梅郎。余少群对青年梅兰芳的演绎堪称神形兼备：舞台上，他的戏装扮相，身段优美，美目流盼，的确有几分梅先生的丰韵；舞台下，他面庞清秀，性格温厚，说话斯文，也颇符合人们对梅先生的认识。更重要的是，余版梅兰芳完全是这段戏中当之无愧的主角，而王学圻的十三燕，孙红雷的邱如白，英达的冯子光，潘粤明的朱慧芳，乃至吴刚的费二爷，尽管各自各精彩，但无一能掩盖梅的光芒。
　　　　
　　只可惜，这样的神怡之感持续到青年梅兰芳揭开新娘子盖头的那一刻，就宣告结束。接下来，不客气地说，电影可以改名叫《邱如白和梅兰芳》，甚至改名为《邱如白的梅兰芳》，这实在不能怪孙红雷那逮着一个人物就往狠里演的抢戏之狂，也不能怪黎明饰演梅兰芳那实在有心无力、无形乏神之怯，实在是纸枷锁已经套在了陈凯歌的头上，他战战兢兢，他如履薄冰，他已经拍不出自己真正想要的《梅兰芳》。
　　　　
　　为什么？因为梅兰芳已是神。
　　　　
　　要让一个神走下神坛，谈何容易。胡乱演绎，大话梅兰芳，梅家会愿意？梅党会舍得？国家会同意？《梅兰芳》不是《霸王别姬》，陈凯歌不能由着自己的性子让虚拟的人物在一个貌似真实的历史时空中撒欢；《梅兰芳》中的人物，几乎个个都有人物原型，你乱改任何人，他尚在人世的后人和无数专家还不和你对簿公堂？
　　　　
　　那么，既不能大话戏说，作为人物传记，正说理应无妨。也不行。没有任何戏曲功底的黎明，甚至在电影中连一场像样的舞台戏都没有，这又如何能展现梅先生的风采？更何况，梅先生的人生还有那么多至今无人能够解释的纠葛变故，又如何能容得导演一一呈现？
　　　　
　　于是陈凯歌走了一条妥协之路。他选择了邱如白，这个原型是齐如山，但其实又很不“齐如山”的角色，成为串起电影糖葫芦的那根棍。显然，改了一个名，导演的操作空间就大了，何况只要不乱动梅兰芳，这电影的争议就不会太大。于是乎，我们看到导演把对京剧的爱，乃至对传统文化的情，甚至对这部电影让自己重新做回众人眼中的大师的期盼，都投射到了这个人物身上，但见电影中的邱如白爱戏成痴，为戏疯魔，从某种意义上说甚至超过了梅兰芳，难怪有人说邱如白才是这部电影中的程蝶衣。在一部叫做《梅兰芳》的电影中，最爱戏之人竟然不是身为主角的梅兰芳，主角的光彩何在？这究竟是怪孙红雷太抢戏，还是怪导演给他太多戏？
　　　　
　　什么都不能怪，要怪只能怪神一般的纸枷锁威力太强，让陈凯歌有劲使不上。他只能用这样一种四平八稳不犯错的方法来处理这部电影，于是当我们看到影片的中篇 “生离”中，黎明和章子怡演绎的梅孟之恋几乎沦为男女一见钟情最终却黯然擦肩的一个寻常故事，也只能微笑着表示理解这种八卦的叙事方式。不这么演还能怎么演，难道非要告诉观众，真实中的梅孟其实已经结婚后来又离婚？难道还要告诉观众其实梅兰芳是给了孟小冬4万元的分手费？
　　　　
　　算了，让历史回到尘埃，让电影来到现世。一代名导陈凯歌，他拍电影的诚意其实我们从来没有怀疑过，只是这一次，当谁都以为他选择了一个好题材的时候，为纸枷锁所禁锢的喉咙，终于还是凯歌难唱，只是可惜了，可惜了那流光溢彩的“死别”篇。太可惜了。

《梅兰芳》：纸枷锁下凯歌难唱 作者：舒天楚

梅兰芳和十三燕，还剩多少？

《梅兰芳》这戏是有惊喜的。
　　
惊喜不在章子怡饰的孟小冬身上，不在黎明演的梅兰芳身上，也不在孙红雷扮的邱如白身上。戏里戏外的他们，都被讲述得太多。
　　
“你的时代来了。”这是留洋归来的邱如白对梅兰芳说的。于是梅兰芳应下和“爷爷”十三燕的比试。
　　
“你的时代过去了。”这不是梅兰芳对“爷爷”说的。这是“座儿”说的。
　　
大势所趋。
　　
只是，十三燕唱了一辈子的戏，到了，连个体面的谢幕都没有。有的是空无一人的戏园子和扔上台的垃圾。“谁毁了梅兰芳的孤独，谁就毁了梅兰芳。”这是全剧被引用最多的台词。梅兰芳的孤独或许成就了他的艺术，十三燕追求一生的东西却最终将他孤独地留在了台上。

难道他真不知变？他看了邱如白给梅兰芳的信，应他之变改了戏已经代答。只是他唱了一辈子，“命和戏只能挑一个”，对他是个伪命题。
　　
“顺时代者昌，逆时代者亡。”他们不是不懂。可要人在一生最后的光景里认输、认错，怎么认得起。这等于告诉他：你这一辈子都得推到重来。可是他不再年轻，他没有改正的机会，没有“重建”的时间。试图改变父辈爷爷辈的价值观，总是件费力不讨好的事情。
　　
这并非让年轻人要闭紧了嘴，不去呼吸自由的空气。“两个凡是”的时代早已过去，道德的大棒已不再有力，一切合理的争论，哪怕对象“前辈”，也值得鼓励。但我相信大部分的80后看到舞台上寂寞的十三燕时，心情是复杂的，绝非拍手称快。毕竟谁都有老的跟不上趟儿的一天。
　　
梅兰芳败了“爷爷”，没来得及谢幕就跑到“爷爷”那边去问候，挺好。因为“爷爷”和梅兰芳是一心的。“爷爷”临走的一句话是让梅兰芳把伶人的地位提高些，不再是下九流，梅兰芳到美国，拒日本，一辈子践行。这是几代伶人都是对梨园的感情，不认输的感情。
　　
如今，“座儿”叫“市场”，口味变化更快也更势力，“伶人”叫“艺人”，从下九流变成万人迷。也不知梅兰芳和十三燕，还剩多少。　
　　
题外话
　　
《南方人物周刊》问梅葆玖，怎样看待张国荣比黎明更适合的扮演其父，梅葆玖说“张国荣演技很好，但有点女里女气的。黎明还是一个大男人的样，私下是个大男人，因为我父亲私下就是个大男人。”读了这句，觉得梅葆玖的境界比起其父似乎差了些。

梅兰芳和十三燕，还剩多少？ 作者：Vincent

《狼牙》： 好身手才是一半好

关于故事就不讲了，一切按部就班，包括客串的明星们，情节的安插，武打生死信义情仇+小幽默&小浪漫&小可爱什么的，虽然没有电脑大场面（也不是所有片儿都要这个），但是最后吴京的“雨中百人战”很值得一看，实打实的拳脚真功，甚至有些催人泪下的意思~~。相比近期某些国片，既不会让你看完摸不着头脑转不过弯儿，也不会让你欲哭无泪欲笑无声，更没有把你的脑汁耗尽最后再雷死你。总之，在寒冬岁末，吃饱了有米了，你可以很轻松的慢慢观看就是了。

说老实话，很喜欢吴京的功夫，从《太极宗师》就开始了。在他的电影中能感受到不同于成龙甄子弹的武打风格和设计，那就是以实战搏击为主线，去掉了花拳绣腿和娱乐化设计，力求实、快、准、狠，画面简洁利落，动作快速精准，实打实硬碰硬，又不乏因敌而异因地制宜的尽可能一击致命，虽然pk时动作的篇幅有点儿简短，但却有更加突出的视觉冲击力，（让我）感觉更加刺激。（在实际搏击时，没有逗咳嗽似的你来我往你从我就，都是扬长避短，针对对方的弱点，争取一击而胜。）这部片子单从功夫和武打设计上看，就是这种“实、快、准、狠”精神的很好体现。

但继续说老实话，一部影片的成功不单单取决于好功夫，好设计，更重要的还是要有上乘的演技，两者相得益彰才能有所突破，成龙即是最佳的范例。而在演技上，吴京始终没有给我以进步的感觉（真的有些遗憾），仿佛还是带有《太极宗师》时的青涩质朴。特别是在台词的发挥上，总不能尽如人意，从功夫上看是个威武男儿，可一张口就有点儿掉价了，这个在《男儿本色》里体现的更明显，这部片子台词少，反而弥补了吧。

我想过重的京腔在生活戏中是很诙谐很有表现力的，但在武戏中不太适合展现在一个英雄男儿的意气勃发上，关键时刻，一口丹田气不单要运到拳头腿脚上，也要撑起喉咙，有种直冲霄汉的劲头才好。非常期望，吴京在这方面的飞速提高，毕竟银幕英雄不光是靠拳脚打出来的，更要靠口头语言与肢体语言的结合更生动立体的表现出来，如此才能给观影者以完整而深刻的印象，长久回味其中。

《狼牙》： 好身手才是一半好 作者：kingbill

看完《梅兰芳》的散乱思绪

昨天去看了陈凯歌的《梅兰芳》，很多的评论谈及影片反映内容的真实性，而演员们则纷纷说自己已经贴近了人物，或者简直就是那个人了。其实，是否还原，这从来就是一个不可考究的问题，毕竟逝者已矣，要问是否把他演对了，谁也没法给答案了。电影之为艺术，就是展现一个时代或者一群人甚至某个人如何去理解历史事件、历史人物，去揣摩人物的心境，用当下的语言去诉说过往的云烟。而陈凯歌的《梅兰芳》可能演对了，也可能演错了，但是他肯定演好了。

求学期间，也修了京剧艺术与欣赏，跟着老师扯着嗓子，咿咿呀呀地唱了两段，《苏三起解》和《凤还巢》、然后深感京剧在演唱上不易，既要保护嗓子，又要每天吊着，那种风雨不改的执著，在我们而今急功近利的烦躁的映衬下，更有一份辛酸与真诚。没有对京剧的极度热爱是无法称为名角的，这是一个必要条件。

梅兰芳是一代梨园大师，对于女性心理的揣摩十分到位，据说当时连女人都自叹弗如，如果你看了他老年时做的贵妃醉酒的经典动作，肯定叹为观止。

觉得陈凯歌选对了演员了，余少群扮演的梅兰芳一上场便引来观众的惊叹，其中更多的是惊叹怎么能有一个男的扮起来那么像女的，或者简直就是个女的。其实，古典京剧里，旦角唱得出彩的往往是男的，而男宠更是当时纨绔们迷乱生活的装饰。梅兰芳的表哥把他带进去的时候，其实那也就是一个坎，伶人悲戚社会角色的一角掀开了，成为继纸枷锁后，影片引向深入的一个重点。而这旧时代里梨园人的伤痛，而今还记得《霸王别姬》里，程蝶衣成长中那一个狰狞老太监。

优孟的地位向来不高，以往的三六九等中，与读书人排在末位的便是伶人，所以关汉卿一向往梨园里钻。影片成功的地方可能就在于主题的一以贯之了，不管陈红饰演的福芝芳再蛮横，章子怡饰演的孟小冬再潇洒，孙红雷演的邱如白再精明，没有这条线，整部戏也就散了。从纸枷锁开始，到那个肮脏的鲁二爷，无奈的十三燕，刁蛮的店老板……伶人的地位脱不了“唱戏的”这个带着低蔑语气的称呼。影片从无知者无畏的年少梅兰芳演绎开，不是把他往一个女人的方向去塑造，而是把他往凡人里去描绘，写他对京剧的情境的思考，比如新戏《一缕麻》的演出，写他对旧唱做惯例的修改，比如与十三燕对戏、改戏，写他对亲友的情意，比如来不及卸妆便去看十三燕……从余少群到黎明，从少年到成年，转折点便在于从性格的柔弱到果决，从迷茫到清晰，一如那一幕在被设计出席记者发布会时说的，如何提拔伶人的地位，“以前不知道”，“只能这样做”，那就是不对强权屈服、献媚。戏剧是太平盛世产物，平凡世界里美的追求、执著，而不应是乱世的靡靡之音，相比之下，沦陷区中走出来的“夜上海”总惹无数争议。梅兰芳把“优孟衣冠”的意义发扬开，不止于助人讽世；破除了欧阳修溺于伶人而亡国的武断，走出了自己的志气。

而最终他打破了纸枷锁了吗？那注定供人赏玩的命运，卖唱乞笑的运途……也许我还是没看明白，那副纸枷锁也许就是戏剧本身，而梅兰芳也许就是纷扰现实中的执著地活在梦里，生活在别处的那一个清晰的背影。

这是一部看起来比较“顺”的电影，给了观众一个痛快的享受。余少群、黎明、陈红、王学圻……粉墨登场，他们进入了角色，或者演的就是他们自己，只是回到了本来的位置。而章子怡，我只能说，怎么看还是章子怡。不过总的来说，陈凯歌还是适合拍文化系列的片子，至少比张艺谋深刻，希望不要再有《无极》这类深奥的片子了，实在看不懂哦。

看完《梅兰芳》的散乱思绪 作者：方文

《梅兰芳》：难与《霸王别姬》比肩

说《梅兰芳》，就不得不提到《霸王别姬》，这不单单是由于同为陈凯歌作品，也不仅仅是因为题材的相似性，但或者是二者的综合，因为当你观看《梅兰芳》时，就会不由地想到《霸王别姬》。
　　
　　但其实，《梅兰芳》这部电影是没什么好说的，因为这部电影的本身甚至还不如编剧严歌苓概括程蝶衣和梅兰芳二者区别的那句话来得精彩。
　　
　　“程蝶衣和梅兰芳是完全不同的人。程蝶衣是一个被艺术异化的人，他的过程是从人到精灵的过程，但是梅兰芳的过程是从精灵到人。”
　　
　　《梅兰芳》的全部，就在这一句话里。
　　
　　《霸王别姬》的精魂，也在这一句话里，但远非全部。

我记得自己第一次看《霸王别姬》是在初中时，在电视里偶然看到。看片名我以为是个金戈铁马的故事，没料到却是文艺片。当时的我，懵懂，看不进文艺片，所以根本看都没看完。
　　
　　第二次，仍是电视里，高中时，结果没什么变化，我仍觉得这电影不适合我，也或者是我不适合它。
　　
　　第三次，读大学了，知道了这可是经典，于是我怀着欣赏经典的心情再次尝试。这一次，我居然看完了，并且很自然，甚至不需要时时提醒自己此片经典的地位。回想起来，只是那份历史的厚重让我有所触动，但也仅此而已。
　　
　　第四次，已经是工作了，我在不经意间想起这部电影，便找来再看了一次。终于，我把人物看了进去，韵味便自然而然地出来了。但仍然，我只是感觉到了韵味，却无法道明。
　　
　　而严歌苓的这一句话，的确是替我道破了《霸王别姬》的意之所在。可那并非它的全部，《霸王别姬》是一部永远说不完的电影，它说程蝶衣，但也说小楼、菊仙、袁四，也说那动荡中的中国，那飘摇中的岁月。《霸王别姬》是一部文化与历史交织的戏曲，唱的是一段绚烂无比的人生，道的却是一派兴衰浮沉的人间百态。这部电影，的确是当之无愧的中国经典。
　　
　　再来看《梅兰芳》。凭心而论，如果导演不是陈凯歌，我会对它的评价高一些。这并非是对陈凯歌的偏见，尽管这是拍出了《无极》的陈凯歌，但同样也是拍出了《霸王别姬》的陈凯歌。可正因为他拍了《霸王别姬》，陈凯歌的所有作品不可避免地打上了《霸王别姬》的烙印，更何况是相近题材的《梅兰芳》。
　　
　　可真的与《霸王别姬》一比，《梅兰芳》却相形失色。
　　
　　尽管同是说戏，尽管同是说戏子，尽管同处于一段中国巨大变革的时代，尽管一切的一切都那么地相似，但在每一个尽管下，《梅兰芳》都不及《霸王别姬》。当所有的不及积聚起来后，你会发觉《梅兰芳》与《霸王别姬》又是如此的不相似。
　　
　　《霸王别姬》里的中国，历经民国、抗日、解放、文革以及文革后。这是一段极具传奇色彩的中国历史，时代的变迁让人感觉历史真如洪流般汹涌。而《梅兰芳》，大多数时间都在民国期间，后段到了抗战时期，结尾提及了抗战胜利，历史的色彩无从表现。
　　
　　《霸王别姬》虽然是文艺片，但其情节冲突，并不比声光华丽的商业片逊色。光是开头的断指，学戏，便让人感觉情节张力逼人，而到了文革那段戏，更是张显出人性的疯狂。整出戏，癫狂而绚丽。反观《梅兰芳》，除了开头的斗戏有些张力，之后便越来越沉闷（电影才到中段，已经开始有观众离场）……
　　
　　《霸王别姬》说程蝶衣，但也说小楼、菊仙、袁四，每个围绕在程蝶衣身边的角色都鲜活无比，他们的人生在时代的变迁中，翩然起舞。所以说《霸王别姬》是一部说不完的电影，每个角色在历史巨轮的碾压下挣扎，每个角色都是一个故事，每个角色都是一段见证。可是在《梅兰芳》中，我连梅兰芳的形象都感觉忒模糊，倒是十三燕与邱如白让我印象深刻。
　　
　　而最关键的是，我们这些凡人，坐在电影院里，是希望看到一个与我们相似的凡人，还是希望看到一个由凡人升华而成的精灵？
　　
　　《梅兰芳》，作为一部中国的本土大片，应该来说还是优秀的。但作为一部陈凯歌的作品，它只能算是及格。而如果将其与《霸王别姬》比肩，它便像其片中模仿梅兰芳的那个戏子一般贻笑大方。
　　
　　另外，通过《梅兰芳》，是不是可以说，创造经典的同时很可能也是在创造坟墓？

《梅兰芳》：难与《霸王别姬》比肩 作者：shirak

《梅兰芳》：保持水准，却难成经典

陈凯歌不是一位多产的导演，算来算去，除了短片和剧集，《梅兰芳》仅仅是他的第11部电影。在其20多年之间的从影生涯中，片子是参差不齐的，陈凯歌作为一个导演的形象却已近乎成了中国电影的代名词之一（另一个是张艺谋），当然《无极》的糟糕表现让他承受了很大的压力，甚至遭遇过“馒头风波”，却也难以泯灭陈凯歌作为大师的风采。两年之后，重回大银幕的陈凯歌终于交回了自己的答卷。

很想给陈凯歌鼓一下手掌，来赞叹他的回归，毕竟这样的凯歌是我们希望看到的，这样的电影是我们愿意去接受的。我曾不止一次的对朋友们说我相信凯歌拍《无极》是一时犯了糊涂，他也终将会回到老路上，在我看来，陈凯歌依稀是代表了中国电影的最高成就，光是那个赢得戛纳最高奖的《霸王别姬》就足以让号称中国导演第一人的老谋子深为叹服。新片《梅兰芳》沿袭了《霸王别姬》的老路，以三段式的结构浮现着人情悲欢和历史反思，应该说是相当动人的，不过看完片子，仍然是有一些遗憾深埋其中。这种遗憾，相信很多观众都能感觉到：保持了水准，却终究没有突破。所以对于陈凯歌导演，我想说：你回来了，没有让我们失望，却也没超出我们的期望。

我们的欢喜声自然是要远远大过叹息的，在这个时代，如果我们还这么苛刻的去对待如此的电影，那必然是水至清则无鱼。按说《梅兰芳》降临贺岁档，是一个完美的句点，总算为2008年的中国影坛画上一个圆满的句号了。


满园春色关不住


这句话出自叶绍翁的《游园不值》，虽然篇名是“不值”，但文末的意境却已然是精神上的欣喜和满足了。“满园春色”自然是梨园众生的景象，生旦末丑同台亮相，有如《霸王别姬》那样一个花团锦簇的故事，而电影《梅兰芳》之中更注重这一点，因而加深和延展了舞台戏的表现力，十三燕、梅兰芳在文本的第一段呼之欲出之时，便早已是“山雨欲来风满楼”了。孙红雷的角色又像是一个导演的化身，他的加入改变了梨园的戏路，也成就了戏剧革命的诞生，那个在他指引下的梅兰芳终于“一枝红杏出墙来”。

片子在一开始就回到了老路，梅兰芳的大伯，因为没有在太后的吉日穿红而戴上了纸枷锁，这个枷锁和《霸王别姬》里程蝶衣那份少年时代的精神残缺，具有了某种共同的特征，也正是由于这个枷锁的存在，他需要注定守着自己的一份孤单，远离自己心爱的女人（孟小冬）。当然，程蝶衣这个人物是虚构的，可以由得你搞，怎么塑造也不过分；而梅兰芳是一个活生生的人，就注定要具备真实性，那份“不疯魔不成活”的理论终究是不能成立的，人性化的特点才是这个角色应有的特征。

我想对于梅兰芳性格的阐释和铺垫，在少年时代的身上已经完全了，便是那种谦恭、细致、感性而又略带木讷的风情。所以他开始对于邱如白（孙红雷饰）的些许敬佩和感恩都变得有迹可循，而对于爷爷十三燕（王学圻饰）的唯唯诺诺以及最后的反抗也皆可解释，只可惜的是他青年时代的感情戏似乎一带而过，仿佛是有很大程度的断层（就像十三燕说梅兰芳要结婚，要他去拿自己准备送出的镯子，便是很突兀），这很大程度上来源于导演对青年福芝芳（也就是阿娇）戏份的删减。不过整体来看，余少群塑造的青年梅兰芳是相当惊艳的，尤其是作为旦角的扮相极为绚丽，那些戏曲的功底也足够让人叹服，直至其病榻上演《一缕麻》的悲情戏，我们仿佛与屏幕上的观众融为一体；而十三燕这个形象也是顶天立地，相当动人，我们都知道这个角色脱胎于谭鑫培，那种老气横秋的悲壮和坚实的精神脊梁也仿佛诉说着“艺术不死”的生命力。

梅兰芳PK十三燕的擂台大战是第一段的高潮戏，一老一少、一生一旦、一悲一泣之间，胜负悄然已定，我们看到梅兰芳化身黛玉，葬花洒泪，那婀娜优柔的身段结合中国式凄楚悲剧的感染力量，成就了他个人时代的到来；而十三燕的一侧，黄忠老矣，又尚能饭否？即便你仍然能拉开强弩射三关，勇夺定军山，力斩夏侯惇，有好的了多少？陈凯歌在这个人物身上移植了很多的东西，因而既是中国传统艺术工作者的写照，又融合了一份对自己沉甸甸的思考，正如观众的茶碗纷纷飞上舞台，他仍然屹立不摇的唱完最后一段，戏院里狼藉的桌椅和空气中缭绕的烟雾诉说着一种悲情的味道，这种感觉也许正像已经过气的笑星麦嘉家中珍藏的一副对联：长江后浪推前浪，一代新人葬旧人。

对于十三燕这样看重艺术胜于生命的人来说，失败几乎意味着死亡，结局也是如此，那块脊梁却还是承接了下来，转到了梅兰芳的身上。我们或者可以说两人打擂的过程是一种传承，没有胜败之分，更无怨恨之意，梅兰芳在谢幕之前未及卸妆便急忙的前去探望，也真正转注了爷爷的那份血脉，这是他日后扬名立万之根本，就像十三燕所说：输不丢人，怕才丢人。身为戏子，一样要有坚强的脊梁。

全片第一个段落，虽属杜撰，却让人印象深刻，不关事王学圻的十三燕，还是余少群的梅兰芳，精气神都出来了，加上那些梨园京戏场面，真的可谓“满园春色”，值得我们去回味良久了。


云霞明灭或可睹


李白是一个浪漫主义诗人，当年游历天姥山，顺便写下了饱含风景的诗句，却也体察着一种得失。云霞明灭终究是可以感觉到的一种状况，放到电影上来讲便是一种戏里戏外的成与败，《梅兰芳》纵然出色，也依然难以企及甚至超越前作《霸王别姬》，不单是文本这样，结构、人物塑造亦是如此。我们看到黎明、陈红在第二个段落出现的时候，却感觉有些波澜不惊和沉闷了，一如黎明的慵懒和陈红的闷骚，让我们泛起阵阵失望，那些太过八卦桥段和没有特点的台词，也破坏了第一段落延续下的味道。

黎明终究不是张国荣，陈红也自然不是梅艳芳，两个人合在一起，又可以算是大打折扣了。我不知道是不是性格使然，黎明摆脱不了那份腼腆，就如他的歌声，还有他那因为发福而显得有些臃肿的身材和腮部。就此来否定他的演技也许是不妥的，因为黎明也残演过一些不错的电影，尤其是陈可辛导演的《三更之回家》里的中医角色让人念念不忘，那种充满张力的表情和肃杀的眼神才是他制胜的法宝，而影片后三分之一的段落，黎明也是逐渐回到自己擅长的路数，开始挽回一些颓势。

对于陈红，笔者一直不能满意她的表演模式，尤其是那种属于城市女人的刻薄和闷骚，又装的不自然，总难以让观众信服。《和你在一起》、《无极》里她都有参演角色，却也一直是一种路数，不但没有突破，还把自己也圈死了，按说陈红只有四十岁，还要小黎明好几岁，看上去则无论如何都像姐弟了。相反倒是章子怡与黎明很搭戏，接着又遭遇了另一种极端：黎明的文戏是很弱的，也没有戏曲功底，所以在章子怡饰演的孟小冬面前完全败下阵来，加之孙红雷拼命的表演抢夺了不少戏份，成年梅兰芳的地位在影片的中间段落忽然变得岌岌可危。就像梅兰芳与孟小冬合演的最后一场，福芝芳开始鼓掌，忽然动作停滞，连续几个反打镜头里交代的都是福芝芳与孟小冬的表情，梅兰芳在这里却表现为一种缺失，成为一个被动的形象。

章子怡还是让人满意的，什么戏都能几近做到游刃有余，当她在走廊里面对黎明饰演的梅兰芳，那相互对视间已经彼此产生了好感，我不敢说是陈凯歌偷学，不过这段技法与《卧虎藏龙》里章子怡与周润发竹顶上眼神交汇的一霎有异曲同工之妙，因而至于此后孟小冬送红花，梅兰芳亲临其家，两人约会看电影的桥段都变得真实可信，随后又引出邱如白的一系列行动：买凶杀人，对象自然是孟小冬。陈凯歌借这个角色把自己最满意的作品《荆轲刺秦王》揶揄了一把，只是那个刺客没有被当事人砍死，而是被警察（我也不知道为什么警察会来的那么准时，真实兵贵神速）打死，除了这个刺客之外，陈凯歌在《霸王别姬》里常用的道具——镜子，也屡屡派上用场，折射着人物真实的一面。

怀旧，不尽体现在对自身的怀念，还有对历史的重现，那段百老汇之旅是这个段落里最大的亮点，伴随着梅兰芳访美，纽约时报打出一个标题“优雅的沉闷”，也许正是对京剧艺术的一个写照吧。美国人跟中国人的特点还是有些不一样，他们遵从剧作的完整性，所以在中国人的鼓点上持续着他们手掌的沉默，还好，艺术是无国界的，最后汪洋式的掌声道出世人对艺术的尊重，也延伸出梅兰芳作为“中国伶王”对于中华文化的意义，从而为之后日本人想尽办法征服他的段落埋下了伏笔。孙红雷在百老汇剧场的一段情绪变化戏很戏剧化，也充满了张力。

全片的第二个段落，有得有失，总让人喜忧参半，我想如果不是邱如白太遮阳，梅兰芳还是会亮一些。然而量变永远比不上质变，成年梅兰芳总还是让人失望的成分居多，所谓“云霞明灭”，亮点和不足都很明显。


城头变幻大王旗


当年鲁迅写此诗，也深处国家沦陷之时，时代的风云动荡不堪，国泰民安终究成了他遥无可及的梦想，不过那种风雨大做下不随波逐流的民族气息究竟是值的赞叹与颂扬的。梅兰芳不是诗人，却也是文化界的翘楚，他需要的是什么？以文化的力量对抗？还是默不作声？梅兰芳学则了后者，我想也是有理由的，因为京戏教给他一种隐忍和坚决的力量，不在乎那些冲动下的失控念头，而在于内敛和自强的并蓄，我想程砚秋留胡子拒演也是同一种的道理。

《霸王别姬》的后段进入到历史的变迁之中：祖国解放与文化大革命。社会大潮下的人物跟枯草一样被吹得飞来飞去，没有落脚点，还加上了思想的框框，那种对于京戏的现代改革终究不能算是一种进步，反而更像一种破坏。到了《梅兰芳》这种国人自己的文化碰撞核心开始转移到与外族的不合作现象中去，日本少佐田中隆一作为一个痴迷京剧的日本军官，提出了“控制国家，先控制文化”的思考，梅兰芳却在一出出不合作的斗争中，挺着十三燕承接下来的脊梁。

这个故事到了这里已经算高潮了，但又有些脱离了《霸王别姬》给我们的那种感觉套路。温柔抵抗的路数显示出他仍然是一个凡人。邱如白说：梅兰芳是不朽的。他以为可以一手发起造神运动，把梅兰芳推上圣坛，他当然成功了，伶界的追捧、百老汇的欢呼，一次次的赌博都赚到了大彩头，又如何可以让自己放弃？所以日本人来了，邱如白不让梅兰芳离开，他很清楚梅兰芳的价值和生存能力，却还是无法挽留，所谓高堂明镜悲白发，邱如白失去了梅兰芳，等于失去了自己所有的筹码，自己也弄得头发花白，浑浑噩噩的度日。我们说这个人物像袁四爷，但又有很多的区别，袁四爷无愧汉奸的称号，邱如白却始终算不得叛徒，至少在鬼子进南京之际会表现出自己的愤慨和忧虑，虽然他忧虑的多半不是我们的江山，而是梅兰芳本人。

梅兰芳打伤寒针，以自己血肉止痛换的一丝清净，新闻发布会上的虚弱无力和猛然跌倒让我们看到一个文化深处的斗士，我想即使是圣雄甘地都应该为他鼓掌。大时代下的很多人都软弱无力，但是只要信念不灭，中国又怎么会亡呢？日本人征服梅兰芳失败，借邱如白来搞，没能成功，也只好作罢了。田中隆一的角色倒是很有意思，他迷恋梅兰芳，迷恋京戏，以为自己是座儿，却又难以摆脱军官少佐的身份，只能游走于盛气凌人的日本将军和刚正不阿的中国戏王之间，虽不能说首鼠两端，却也是犹豫不决。他的内心戏很复杂，难以让人捉摸，他伴随着一种变化，目的自然是为了衬托梅兰芳的高风亮节。

电影到1945年抗战结束戛然而止，究其分量之重，自然是远远不及《霸王别姬》，我们的国粹大师，也终于被脸谱化。我想导演也许事先想好了很多，但是没有办法，观众是需要神话的，梅兰芳却只是一个人，历史的沧桑感可以引发这样一种东西：蛰伏后的再现，隐忍后的爆发。八年过后，梅兰芳依旧是梅兰芳，但却已经超越了一般人的概念，我想这也是导演无法续写的一个缘故了。

这是全片的第三个段落，历史沧桑，人物内心的思想也得以表露，黎明的张力也开始凸显，还是终究挽不回影片的一丝颓势。王旗变换之下，道尽世事无常，也难隐人事沧桑，只是这个时刻间离效果已经开始起作用了，电影，终究还是电影。


天下谁人不识君


谁是谁的董大，谁是谁的知己。

究竟是邱如白，还是孟小冬，抑或是福芝芳？

邱如白一甩皮包，那些文件纷扬散落于地，他说：我就是喜欢看梅兰芳的戏，我傍上戏子了。何等的潇洒豁达，我想一个男人对于他爱的人，才会有这种心思吧，不然为什么熬到白发还是孤身一人？邱如白凝视梅兰芳的眼睛，诉说画卷上伯夷叔齐的故事，早已经透露出他的同性恋倾向，至于为什么没有表白出来，我想还是他自己的话最能解释：谁毁了他这份孤单，谁就毁了梅兰芳。

孟小冬撑着雨伞，结下了一段无法忘怀的爱恋，甚至换来遭受刺杀的危难，他是梅兰芳真正爱过的人，却偏偏还是无法在一起。

福芝芳的刻薄，对任何人都生效，除了梅兰芳，因为她是真爱他。

三个人都爱着他，他是否同样爱他们三个呢？我不知道。

陈凯歌和严歌苓是这个故事的缔造者，依旧是画枝画叶难画梅，当然，笔触是细腻的，油墨是浓厚的，构图是端庄的，制作是严谨的。陈凯歌用心血谱写着这一个影响深远的人物，也涂抹着那个时代背景下的沧桑，这一切对于他自己无疑也是一种回归与解脱。李翰祥当年又何尝不是如此，一步走错，黔驴技穷，待到再回邵氏，甚至转战内地，接连再创高潮，这也是李翰祥走红影坛几十年名声不坠的原因，至于凯歌，我们当然也希望如此。

梅兰芳是京剧大师，当年也会想起与小冬看一场电影，多少年后，陈凯歌成为了电影大师，又再度搬上了他的故事。这两个相差半个世纪却又同为中国文化翘楚的翩翩君子，又有谁能不识呢？对于梅兰芳来讲，这是他的将来时，他的名字和他赖以为生命的京剧将会重新被提起；对于陈凯歌，这是他的过去时，一个熟悉的战场中，老马又焉能失蹄？也是这一次，陈凯歌和梅兰芳的交汇，终于使他回归艺术的怀抱，影片也必定会赢得票房和口碑。

《梅兰芳》是陈凯歌水准的延伸，是一部制作精良的佳作，究竟还是没有本质上的突破，也难以成为经典，这一点从陈凯歌不再往三大电影节送片的时刻就已经注定了。

《梅兰芳》：保持水准，却难成经典 作者：灰狼

《梅兰芳》的得与失

托新京报的福，提前四五天看到了梅兰芳。期待已久，虽然明知时代不再，根本无法重现霸王别姬的辉煌。150分钟的片子，说长不长，说短不短，看得出，从导演到编剧再到演员，都下了很大的劲。最后的结果，对我来说，过瘾，但也有落差和失望。
　　
　　三段式的结构，可以说是无主题变奏，核心是在于展现梅兰芳的一生，但这一生如何概括和归纳，影片没能给出一个能做主心骨的答案。叙事扎实，偶尔显拖沓缓慢，若是能再稍剪一剪，到120分钟或125分钟，相信剧力不会像现在这么平淡。
　　
　　陈凯歌对传统文化和民国氛围的把握依然精确，在风格统一的摄影和美术的帮助下，他相当成功地再现了那个年代的剧场生活。尤其是第一截故事，起起落落，节奏控制得不快不慢，直追当年霸王别姬时期李碧华笼罩下的那股万丈红尘的气势。

戏如人生，人生如戏，戏子一生是为人而活还是为己而生，要的是一个名分还是一门绝活儿，这些问题在第一段斗戏里都有所涉及，含蓄而又淋漓。开头那封大伯来信，一下子便托出本剧始终萦绕的疑问，几场对台戏更是描写得别有机锋，趣味十足。
　　
　　最精彩的，是几位角儿。即便是人前人后唯唯诺诺的费二爷，也有着股人虫的可怜劲在骨子里。邱如白的转变虽略显突兀，但有余少群天生的风华在前，这种仰慕和痴迷也就有了谱。表现最夺目，冠绝全片的，则属王学圻扮的十三燕。
　　
　　他怀旧，保守，自恃甚高，维护着旧式戏曲残留的一点尊严，是戏子里没落的贵族。他留恋着过去，害怕着未来，为了那一星半点的名分他用了一辈子去奋斗。最后他到底图个什么呢？十三燕什么也没落着，也不够体面地死去，他的悲剧，是时代的缩影。
　　
　　王学圻就是十三燕，十三燕就是王学圻。这凌厉的、精准的、令人拜服的表演，就来自于这个曾被老佛爷赐过黄马褂的人。他就像老舍笔下的末代皇族，在一点夕阳的余温里寻找依靠，孤独地支撑起一面残破的大旗。令人可敬，可又有点可笑。
　　
　　这是个无与伦比的角色，是由陈凯歌调教出来的，并有青年梅兰芳、邱如白、费二爷等一干人等烘托起来的。在这第一段故事里，真正的主角是十三燕，梅兰芳只是个未通世事、还没化蛹成蝶的后辈。只有十三燕一死，梅兰芳的时代才能到来。
　　
　　正因为开头太富有光彩，后面的段落被衬得有些黯淡无光。梅兰芳到底是个怎样的人？黎明没有演清楚，其他人也没有帮助他说清。他试图沉静细腻地付出和表演，但内里始终没有让人找到一种破土而出的爆发力。从前那些遭人诟病的呆板，想改真不容易。
　　
　　也许看过的人都会想，若是荣少在世再演绝世名伶，会比黎明强多少？这个多少谁都不好说，但要强过黎明似乎是肯定的答案。余少群虽然在表演上显得稚嫩单调，可那天生的妩媚和清秀却是面容刻板的黎明难比的，一举手一投足，这差距已越发的大。
　　
　　同样无力的还有章子怡。说起来她似乎在戏上就已经显得有些不专业，与黎明清唱游龙戏凤那一场，哪有冬皇那大刀阔斧的老生架势呢？手势无力得近似妩媚，拿捏得还不如黎明到家。恋爱之纠结，也是精细有余、力道不足，总觉得在畏手畏脚。
　　
　　梅兰芳的气节，一直面目模糊。当围巾除去，蓄须明志，那个本应在历史中熠熠发光的场面并没有让人激动的情感涌上来，这种喷发的态势，倒还比不上之前在日本人面前的一句“在台下，我可是个男人”。
　　
　　不错，梅大爷很娘娘腔，但在民族危亡的时刻，他是站出来的那一个，胡须少少，却足以代表了一个民族的气节。在影片里，某日本军人似乎比梅兰芳更能热血奔涌，邱如白的难以自持，也加强了这两难的情结，可惜就在该爆发的那一刻，陈凯歌反而好像冷静下来了。
　　
　　孙红雷说，他用了一年多来揣摩和表演邱如白这个角色。他也确实做到了。如果没有十三燕，他会是令这部梅兰芳闪亮的角儿。他为梅兰芳活着，可梅兰芳绝不是离了他就不行。对美的极度痴迷成就了梅兰芳，也毁了他自己的一生。
　　
　　邱如白完全是不计成本不计报酬地在做这件事，他甚至辞掉了自己的锦绣前程，还赶走了梅这辈子最爱的女人。对梅兰芳是什么样的感情，邱如白从来不愿说，也没法说，他好像走在一条钢丝上摇摇摆摆，而对岸站着梅兰芳。
　　
　　为了让梅兰芳不朽，邱如白抛去了家国，也忘了故国正在敌人的铁蹄下呻吟。他祖上五世为官，这辈子却被人骂成奸贼。他为梅兰芳做了这么多，但梅却离他的世界越来越远，他们被时代和女人无情地分开，这世上终是没有纯粹的艺术与美。
　　
　　陈凯歌的梅兰芳，就犹如吴宇森的赤壁，技巧还在，匠气十足，却离曾令他们扬名四海的精气神还差那么一段。这许是江郎才尽，又或是商业掣肘，归根结底，没准正应了时光不能倒流。合适的演员，合适的年龄，合适的表达方式，会成就一部不被磨灭的电影，可惜梅兰芳不是，赤壁也不是。

《梅兰芳》的得与失 作者：萤火虫·wild life

《李米的猜想》：爱情和执著

这部影片的导演是想表现一些在底层的不被注意到人的生活状态。他们的执着，他们的痛苦。在每天的生活中我们就是这样的一群人，我们周围就是这样的一群人。我们曾经以为我们会成为了不起的人，最后我们发现我们其实很普通。有些人在很早的时候就已经知道他们是很普通的人，也如此的不自知的普通的活着。所以我们都是没有什么区别的普通人。

很多可以打动的人的片子好像都和爱情或者是执著有关，可能是爱情和执著都是这个世界上的很难，很珍贵的东西。李米在四年里收到了54封信，是她的失踪的男朋友寄给她的，她一直在推测这些信之间有什么关系，从什么地方寄给她，他人在哪里。她却不知道这个人一直都和她在同一个城市，他每天看着她，看她如何给车换轮胎，看她怎么着急的往厕所跑却忘了拿纸。这一幕老外可是看不懂，因为他们的厕所里都有纸。她如何和人吵架，她洗完澡，毛巾包着头，到阳台上去收衣服，和她坐在桌子前抽烟的样子，她的男友就在她的四周她不知道而已。这些都是他的男友最后死了以后才知道的，在他留给她的摄像机里看到的，同时他还留给他几句话，让她用他留下的钱开一个超市。

李米不知道这背后发生的一切，她开车出租车，每天都在捉摸她的男友在哪里。对每一个乘客说她的故事，看他的照片。这样整整的过了四年，直到他们见面了，而且还是由于她的执着他的男友的身份也暴露了，他也被除掉了，因为他已经没有了利用价值。如果她一直没有找到他，他也许还在这个世界上活着，还在角落里默默地注视着她。也许得到比没有得到有时候会更幸福。

这里面还有两个民工贩毒，为了一万块钱，把毒品吞到体内，从瑞丽到昆明，然后想办法到广州，就有人给他们一万块钱。他们来到昆明和李米的男朋友接头，却被一个在街头点自杀的诗人坏了事。他们没有拿到飞往广州的飞机票，不得已绑架了开着出租车的李米。问她勒索2000块，李米趁着加油的时候给加油站的老板提示她被绑架，警察随之而来。可是却再警察来之前，李米被其中的一个绑架犯放了，因为他相信李米会帮他在昆明找到他喜欢的离家出走的女孩子。李米被找到警察局协助调查贩毒案。却警察局却意外的发现由于在桥头自杀而砸坏了车的来这里办手续的男朋友。她像疯了一样的跟着他，追着他问他跑到哪里去了，他不承认，说她认错人了。他的伪造的身份很快被警察发现他和这起贩毒案有关，警察故意放走他。继续跟踪调查，以获得更大的内幕。最终在警察还没有来得及抓的时候，他已经被黑帮的人干掉了。

他是为了让她的家人同意他们在一起，为了挣钱给他们看。这点好像也很有中国的特色，鬼子这里父母就是不满意，一般还是很难干涉的，很少造成棒打鸳鸯的事件。他挣到了钱，人却回不去了，他说人总要付出点代价。他为了钱付出了他的爱情最最终还有他的生命。有太多的人把钱成了快乐的根本，也许是因为人穷怕了，也许是因为没有安全感，只有钱是安全的。可是为了钱付出生活还是不值得的。有钱和没有钱的日子并不能改变生活的本身。对那两个民工来说，一万块钱对他们来说就是天文数字。他们可以得到他们想喜欢的女孩，可以回到三年了没有回过的家。这个简单的愿望却和贩毒这个很难的事情联系到了一起。他们很简单，很无知，更加的愚昧。可是这个愚昧不是他们的错，是他们不自知的。不自知才让人更加的绝望，因为没有可能会改变。

可能很多的电影看完了后什么都不想写，也什么都写不出来。电影里想要说的东西也许不说会更好。语言是很苍白的，和人的思想相比。刚想到的东西，想要用语言抓住，却发现又不见了。但是又确实的存在过。哲学里有很多人已经讲过这个问题了。不过虽然这样的失语状态显得高深莫测，如果一点都不讲出来，就好像不存在一样，有点浪费了，还是说出来一些，能说多少是多少，能看懂多少就看多少。

导演是高明的，讲了一个很简单的故事，甚至有点太简单，人物也很少，一个警察，李米，李米的男朋友，和两个民工，还有一个李米的男朋友后来的女人。但是却可以让人看完了很沉默。不知道该从何说起。生活也许本身就是这样有点简单，有点平凡，但是却有点沉重，要想很久还不知道该说点什么。

《李米的猜想》：爱情和执著 作者：绿绿‏

《车逝》：一场关于车祸的集体幻梦

几年前张元有一部电影叫《绿茶》，姜同学和赵同学主演，当时看过，可是若干年后的今天对于那部电影的印象渐渐模糊，但其中有一句台词让我记忆犹新，“这个世界上没有好人和坏人，只有生意人。”如今可以将这句话偷换一下概念用来当做今天参加完青年导演书亚的文艺片《车逝》在上大的点映活动后的个人观影感受，那就是“这个世界上没有好电影和烂电影，只有属于自己的电影。”

《车逝》的确是一部很个人化的片子，而且我相信在场的很多人也跟我一样，看完片子后仍然云里雾里在琢磨这个片子到底要传达给我们一种什么样的东西。由于成长背景、人生经历、思维方式、个人追求等等方面都因人而异，而且在影片完全摒弃了对白而让观众和导演之间的直接沟通受阻的情况下，导演关于影片的想法就很难完全地传达给观众。但这也正是导演书亚想通过《车逝》欲传达的一个理念：语言成为了真相的牢笼，语言禁锢了人们独立思考问题的多元性。那么既然这样，我干脆连片方发的那本关于《车逝》介绍的小册子都没看，下面只是简单谈谈自己看完影片后个人的观影感受。

影片开始那个长达一分多钟横向拍摄的长镜头里，展示的并不是一场车祸，我们看到的是多场车祸的汇集以及发生车祸后劫后余生的人们的百态，于是我们可以将这个开头看作是已经概念化的车祸，而不是某场具体的车祸。接下来出场的四个角色都将因与这场概念化的车祸从而在“（汽）车、逝（去）”这个主题下相互交织。

从片中不断的闪回和亦幻亦真的镜头中我们大概可以通过格式塔心理学去编织一个自己认为合理的故事：美美原来是达叔儿子的女朋友，但达叔的妻子和儿子却因为遭遇了死亡公路上的那场车祸一个逝世一个变成植物人；美美曾经亲身经历过一场车祸，并且之后梦魇时常笼罩；郝岩冰一直住在房车中，每天来往于那条事故频发的死亡公路，后来遇到并爱上美美；达叔因为妻子的逝世又由于美美的存在，他把美美想象成自己的亡妻，于是乎正是通过这一层关系，构建了影片的三个三角，即郝岩冰、美美、达叔之间，郝岩冰、美美、达叔的儿子之间，达叔、美美、达叔的儿子之间三个三角。在这场故事中叙事线条又被刻意打断和打乱，用一种匪夷所思的方式呈现出来，而且缺少了对白这么一个叙事的必要元素，影片就显得杂乱无章，不知所云，但这也正是影片实验性地去启发观众思考去解构的一个方式。

刚才说到了那场概念化的车祸现场，之后便是由于故意曝光过度从而造成的色彩失真效果，这一个看似极为不真实的世界就好像是一个梦境，这是一个关于思考存在与死亡的幻梦。由于色彩失真，我们看到的人物服装颜色是最刺眼的红色，纯洁的白色和肃穆的黑色，红色象征着车祸中正在死亡的那些人流的鲜血，而白色和黑色则象征了丧事和葬礼。而引起这场幻梦的很可能是因为亲身经历或者目睹了某次车祸事故，弗洛伊德在《梦的解析》中分析人类梦的本质是对先前经历过的某些不被轻易察觉的具体事情的隐射，影片中的四个人，都是某场车祸过后的直接或者间接受害者：郝岩冰之后死于某场车祸；美美因为男友因车祸变为植物人一直噩梦连连；达叔因为车祸失去了正常意义上的儿子。于是乎套上了梦境这一层面纱后，片中那些再怎么毫无逻辑再怎么超现实的镜头都变得极为合理了，因为只有在梦境中人的思维是处于一种稳定中的序乱状态的，也就是说人所做的梦按照一定的线性叙事去完成，但是其中穿插了很多与事件毫无关联的东西。但问题又来了，这到底是谁的梦境呢？是美美、达叔、郝岩冰还是达叔那个变为植物人的儿子？我个人认为，如果这是关于某个具体的谁的梦的话，那么片子也就太小儿科了，我倒觉得前半场是这四个人的梦境交叉，而后半场还原了真实色彩后，这就变成了作者本人关于“存在和死亡”的思考的梦境了，影片中对于“死亡”，导演通过一些刻意设置的具有符号化的道具来传达，比如海明威那本书（自杀），比如美美入幕前挂的满树的钟（临终）等等，只不过作者巧妙地将这种哲学味道很浓厚的思考披上了梦境这么一件外衣，让一切似乎看似无序看似凌乱，这也可以看成是对于“作品诞生作者已死”的另一种阐释。

影片放映完毕后的讨论主要集中于片子对于语言的摒弃上，导演书亚坚持认为传统电影中语言的存在直接限制了观众去独立思考，影响了事物本身的多义性。所以对于语言的摒弃，启发观众去思考构建出个人版本的《车逝》。但是我始终在思考这么一个问题，在剔除了口头语言的表达后，语言真的能够剔除吗？在大家热烈讨论的时候，我在本子上写了这么一句话，美国一个语言学家沃夫说过的那句"Language shapes the way we think and determines what we can think about ”，思维和语言是密不可分的，没有语言，就不会有人的理性思维，而同样，没有了思维，作为思维承担工具和手段的语言也就没有了存在的必要。语言可以分为口头语言、书面语言和内部语言，这里所说的内部语言就包括了逻辑思维、独立思考、自觉行动等等，所以导演在剔除了影片的表面语言的状态下是否也在通过内部语言去启发观众去构建去思考呢？所以从这个角度来说，影片是不可能剔除语言的，反而在摒弃了口头语言后，内部语言通过隐性的方式将其代替。

还是很佩服导演在商业电影大战的浪潮中依然能够拍摄出这么一部试验性和先锋色彩很浓重的片子，不过就像开头说的那样，这种极端个人化的片子在当今这个时代能且只能是曲高和寡，独自吟唱罢了，要想在商业上突围，难于上青天。

《车逝》：一场关于车祸的集体幻梦 作者：何塞

《霸王别姬》：炫耀苦难，张扬荒谬

今天看电影《霸王别姬》，很不耐烦。
　　
　　首先，菊仙的角色被过于简单和平面化地处理。这不仅体现了导演对现实中女性地位的轻视和误解，也显示了此导演对日常生活的简单化设想和对生活真正的逻辑的（故意）忽视。也许导演可以说，这一切只不过是一个“艺术”、“电影”，亦即“虚构”的东西。但在我看来，这不是一个理念问题就是一个原则问题：艺术，既然是要反映现实或“再现”现实，它怎能如此忽视现实的逻辑？至少这部电影表面上和技巧上都是“现实主义”的，看不出一丝先锋或欲求“表现”的现代意识。
　　
　　以巩俐的演技和在此戏中的戏份，她完全可以演绎出一个可歌可泣可悲可叹的妓女悲惨或快乐的一生，但电影中，她却性格多变、令人无法捉摸，最后死于一场原本可以避免的荒谬自杀。菊仙一出场给人的是一种惊心动魄的“烈女”形象，因为她身为妓女，却仅仅因为不想做某个嫖客要她做的动作（喝皮杯酒）就大跳其楼。之后又为了爱情将自己的全部身家财产交还老鸨，自己赎身赤脚空身卑微地来到爱人门前。一个刚烈、张狂、有胆有识的妓女，原本可以吊足人们的胃口，并使人们对这个人物后来的表现寄予厚望。然而，此女身上后来完全没有一个可以称为“性格逻辑”的东西。她随后就变成了一个自私、很不仗义、妇人短见、胆小怕事、圆滑、比普通妇女还不如的苟且偷生者，最后的自杀也很没分量。
　　
　　比如她一听说段小楼被日本人抓住，就乱了阵脚，没道理地要求陈蝶衣立即去救他（陈蝶衣本来自己正要去救，一听这个女人这样想当然，甚至有种逼迫的意思，反倒不想为这个女人舍命）；菊仙说只要陈救出段小楼，就离开段，然而事实不仅并非如此，反而被八人大轿正式抬进段府；她明知陈蝶衣为救段小楼才去为日本人唱戏，然而当社会对陈不待见的时候，又立即唆使自己的丈夫背叛从小相依为命的师弟，其行径完全是个自私自利、忘恩负义、过河拆桥的的小人。为“ 救”段小楼而挺着大肚子兀自闯进混打成一片的男人阵仗，更是有勇无谋、愚蠢之极，连自己腹中的婴孩也保不住。同样是为了“救”丈夫，试图跟正在教训弟子的师傅较劲，讲话拿腔拿调，仿佛是一个见过世面能够平定纷争的女英雄、女智者，然而最后也不过自取其辱地挨了丈夫一个耳光，落荒而逃。
　　
　　还有一幕戏更绝。当菊仙看到正在戒毒中的陈蝶衣痛苦万分，似乎又起了怜悯之心，把他的头抱在了自己怀中。导演一定自鸣得意，多么人性的一幕！然而这也许正体现了导演心目中对所谓母性大概也就是非理性的一腔情愿、自我感动的失效想象。试想段小楼如果在这一刻出现，他只不过去拿什么东西，这是完全有可能的，这种行为又会引起怎样的误解？给原本平静的二人传统夫妻生活带来怎样的改变？或许正是这种不动脑子的女人，才正是包括此电影导演在内的中国男性对中国女人的普遍看法和期待？男人鄙俗（电影中就是段小楼的逐渐堕落）全是因为女人鄙俗，照陈蝶衣后来的话说“全是因为娶了这个女人”；而女人的“伟大 ”、“圣洁”、“聪明”甚至就在于她们的装腔作势、有勇无谋、滥用母性和对权力与命运无条件妥协退让的懦夫行径，以至于经历了那么多时代、妓女出身、勇敢无畏的菊仙最后竟因大批判中丈夫不得已说出的“我从来没有爱过你”而悬梁自尽。如果说导演本来想探讨的是性格悲剧，这里却又锋芒一转，批判起了文革社会 ——菊仙在什么情况下都没死，最后在“新社会”却死了，看上去确实寓意万分。然而这是哪儿跟哪儿呢？一个主题挖掘未深，突然就跳到另一个主题，一个逻辑尚待阐释，就转而朝向另一个逻辑。忽而爱情，忽而政治，忽而时代，看似野心巨大，想要表现出一个行当、几个时代的历史盛衰、人物命运，然而导演却显然不能驾驭这种跨越，只好在每个主题上都三心两意，使整个电影成了一个尴尬的四不象。
　　
　　同样，陈蝶衣本来也是一个有分量的角色。此人无法将演戏和生活分开，是一个非常精彩的构思。后来，他在法庭上不顾性命坚持讲真话（在日本军营没有挨打）、不辱没朋友（日本人也是懂戏的）也令人十分敬重。他不仅对爱情忠贞（不顾性命去救段小楼），对懂得欣赏他的朋友投之以桃报之以李（对袁四爷那样的人也可以以身相许），对京剧事业兢兢业业（比如人家让他谈谈对新戏的看法，就掏心挖肺地真诚地讲），同时又宽容仁慈，一直以来等于默认了菊仙的存在、收留四儿等等。因此，陈蝶衣本来也大可被塑造成一个光辉正面的另类典型，虽然性别意识、戏里戏外角色错乱，一时爱情和事业失意后就吸毒沉沦，但只要他一直表里如一，坚持某些高贵的原则，未必不能成为一个令人感动的英雄楷模。然而，如同塑造和表现菊仙的性格和命运一样，导演陈凯歌在陈蝶衣这个人物角色上，也犯了前后不着调的幼稚错误，导致原本应该被很好地处理成“悲剧”的作品最终呈现出的是“荒诞剧”的效果。
　　
　　照鲁迅的定义，悲剧是把美好的东西扯碎了给人看，那么，悲剧的原因和前提就是一种“美好”的刚性，而或者是时代、或者是另一部分软弱的个性摧毁了那种美好。而在电影中陈蝶衣的这个“悲剧”形象上，陈蝶衣并没有一种始终如一的性格“刚性”——这一点和菊仙的塑造如出一辙。以前是如此入戏，总是一旦装扮起来唱起游园惊梦，无论日本人国民党在台下大打出手，还是共产党在台下似懂非懂完全如对牛弹琴，他都能沉定在自己的想象中，照唱不误。然而文革一批斗，段小楼一投降，正身着戏服的陈蝶衣居然也不淡定、也不入戏，居然无碍面对现实了。陈蝶衣应该早对段小楼死心，也早知道段从来没把他当一回事，而菊仙早知道段小楼是爱他的，面对着文革假戏真做的大批判中段小楼的一时扯皮，他们竟然都上吊的上吊、自刎的自刎。
　　
　　如果导演的意思是，你们不知道文革的力量。文革就能够让痴了那么久的、一直无可救药的戏疯子陈蝶衣清醒，让一向老脸皮厚、青楼出身的菊仙发慌，文革就是一切悲剧的根源，那么作为一种观念也可以表现。可是，对这个“造成”了悲剧的历史事件，导演所倾注的力量又有多少？当文革出现，电影已快要结束。胃口大，又没那个能力。连最根本的人性都不能逻辑地驾驭，更何况一场有着更多原因的历史性集体疯狂？如果导演的本意是拍一个“荒诞剧”，可惜一上来又谱着个“正剧”的脸。总是避重就轻、不求甚解、想当然。个人缺乏足够的思想和知识深度，又没有严谨的艺术态度，最后只能打着艺术和庄重的幌子行业余水平的瞎搞之实。
　　
　　不过这部电影前半部分还挺好看，对人性虽然揭露不深，但也暴露了一些令人思考的问题。人究竟怎样才能既有良心、又有尊严、又不痛苦地活着？虽然在这个电影中，我们看不到什么答案。陈蝶衣就算尽到了良心、但他痛苦地活着，莫名奇妙地死去，谈不上什么尊严。菊仙嫁给段小楼之后似乎很有尊严，活得也颇痛快，但她后来等于失去了良心，屈从于政治权威和时局，也只不过活得像行尸走肉。同样，段小楼虽然是最后唯一活下来的人，但他显然已不再有尊严和良心，他放弃了事业、失去了朋友和爱人，大概已然活得像狗了。袁四爷有尊严又快乐，但人家不让他活。四儿活得似乎也有尊严也快活，但他已不再有良心和正义。那么，究竟谁还能快乐、正义而有尊严地活着？
　　
　　张艺谋《活着》的故事也同样如此：人们都在苟活，人的生命充满了动物式的麻木、无理性和非正义的东西，即便全是痛苦，这痛苦也是廉价、完全无的放矢，对观众全无积极正面意义的。
　　
　　中国近几年充斥了这类作品。炫耀苦难，张扬荒谬，同时场面呈现幼稚的“美”——毋宁说一种四不像式的专为投合西方一般没文化的百姓的廉价东方想象和无厘头娱乐要求。事实上，他们对西方观众的品位也太低估了。
　　
　　这大概也是韩国电影和电视剧为什么红遍中国也走红欧美的原因。一些传统而有意义的价值被正面地抬起、歌颂。比如我看过的《大长今》电视剧，就是一个关于集高贵、尊严、良心和事业心于一身的女人的故事，她而且又能坚强而快乐地活着。韩尚宫痛苦，因为她意识到自己的卑微；但她也坚持，因为她意识到自己的尊贵。长今痛苦，因为她的善良、尊严和良心受到反对势力的迫害和阻挠；她同时也欣悦、高贵，因为她知道自己的追求是对的、崇高的。她们也许也会有软弱、自暴自弃、悲观和绝望、不再进取的时刻，但她们总会重新振作起来。悲观绝望和平凡不会永远战胜她们，最终她们会找到突破的方向，并在下一个时刻争取做得漂亮。她们总在悲壮地完善自己，他们的人格是整一的，会越来越智慧、慈悲、聪明、灵巧，能量也会越来越大。
　　
　　中国其实也是有好导演的，比如朱文和贾樟柯，而陈凯歌和张艺谋这两个老大腕，为什么越拍越只能拍出这样的东西，真让人悲哀。既然不行，不如尽早让位吧。

《霸王别姬》：炫耀苦难，张扬荒谬 作者：安静

爱情，终究是一道伤——《李米的猜想》

爱一个人，可以等多久？

　　我说我要写影评了，可是过了许久，敲出来的仍然只是这一句话。
　　我想，是这部片子太强大了，强大到可以让观众因此相信爱情，又悲愤于现实。
　　李米与方文，裘水天与小香，菲菲与马冰。这看似毫无关系的几段爱情，却在一次意外中成为了相交的平行线。
　　片子里有很多笑点，当然，更多的是无奈，伤感，和心疼。

李米跟在方文的背后，哭着背他写给她的信，然后说对不起，如果我认错人了，那么更对不起了。之后，转身跑开，她没有回头，没有停下来，我想她是不敢，不然，她就会像撒了气的气球。

　　方文死后，李米和朋友一起k歌，唱着《当时的月亮》，谁能告诉我，要有多坚强，才敢念念不忘。然后去吃饭，她让别人等她，最后靠着车子流泪。这时我想起JS“我一个人不孤单，像一个人才孤单”，又想起阿桑“孤单是一个人的狂欢”。

　　看方文留下的那卷录像带。他摸着光头，傻笑，李米跟着笑，然后又开始哭。带子后面是方文四年来拍的李米，原来他就住在她对面，原来四年来他一直在她身边，看着她貌似坚强的生活。谁会知道那些时候方文是不是泪流满面双手颤抖的拍摄呢，他是不是想过去帮李米收衣服，帮她换轮胎，在她冲向公厕的时候递上手纸，把她挡在身后然后给那个跟她吵架的男人一巴掌？

　　若是平常的我，看到最后必是哭的稀里哗啦了。可是今天，在经历了一些事情之后的今天，每个李米在哭的场景我都会痛，唯有眼泪流不出来。

　　我在想，如果方文没有写那些信，李米还会不会苦苦等这四年。菲菲明知道方文心里从没有过她，为什么还去想要跟他远走高飞。裘水天对村里唯一一个会说几句港台腔的小香着迷值得么？还有方文，这个故事的源头，为了向李米父母证明自己有能力给李米一个未来，放弃了原本可能有的平淡的小幸福，走上了一条不归路，这值得么，这难道不是对另一半的伤害么？

　　爱情，究竟是如何面对现实，又如何被现实粉碎。

　　对于这部片子，我大概论不明白了。我想每个人都会有自己的感受，那么独特，却又那么相近。

　　当我们热爱并执着，我们说那是爱情。当我们受伤并心痛，我们说那是爱情。当我们退缩并畏惧，我们仍旧说那是爱情。

　　只是，爱一个人，究竟可以等多久？
　　爱情，终究是一道伤。

爱情，终究是一道伤——《李米的猜想》 作者：misET

《李米的猜想》：焦躁过后的平静

《李米的猜想》是部有个性的本土化电影，一部放在一众新锐导演的作品中能够被清晰辨认出来的作品，光就这一点来说，导演曹保平做得确实不错。

同《光荣的愤怒》一样，《李米的猜想》亦是一部有野心的电影，导演在这部电影中将多种风格融合在了一起，犯罪、爱情、公路、悬疑…除了在故事上环环相扣，导演还不断地通过其他方法（镜头切换、音乐）紧紧抓住观众的注意力，各个环节的转换过程也常常都在不知不觉中进行。镜头很直接，虽然有时候显得有些突兀，但多数时候还是到位的，充满张力的。

但同曹保平的上一部电影一样，《李米》看得让人心里很憋，导演充分地把握住了他最善于表现的焦躁不安的情绪，但除此之外，我并没有从这部电影中得到再多。

从上一部电影带来的“不愉悦”的观影体验开始，就对曹老师的镜头心有余悸。尽管这次加入了不少商业因素，但导演浓重的个人风格依然渗透其中。《李米》延续了从《光荣的愤怒》那里继承下来的紧张感，但却经常在还没有给观众足够的时间和交待的情况下，导演和演员已经率先深陷其中难以自拔，于是镜头中的人物开始变得相当神经质，甚至过火。开场后不久，几个情节大逆转连续发生（自杀、追逐、劫持），镜头中的演员们的脸开始不断地抽搐，我们不断地听到急促的呼吸声，以及各种让人焦躁不安的杂声（如周迅身上那串钥匙的声音），虽然这恰是导演的风格所在，但在这种缺少铺垫的情况下，难免显得有些生硬。而如果说周迅、王宝强和“熊老三”王砚辉的表演有时“过热”，那邓超和张涵予的表现又显得有点“过冷”，不由让人觉得，导演离驾驭好自己和镜头下的演员，似乎还差一丝火候。

故事进行得很急，不容许观众有时间多想，于是在我们在很被动的状态下，看到故事被导演一层一层地拨开，被跨度很大的剪辑带着走向了终点。

尽管导演似乎像把重头戏放在悬疑上，但故事中两个煽情点依旧让人映像深刻，一个是周迅追着带着另一个女人且又不肯承认自己身份的方文，哭着背诵他写给她的每一封信，一字一句，连时间也记得无比清晰（开头的一长串数字给人带来的故弄玄虚之感顿时被化解）。影片最后回顾两人在一起的时刻的内容让我想起了不少日本电影（如《母亲》的最后）和电视剧，导演把这些不为人知的温情点留在了最后，而影片至此终于缓了下来，观众也就此歇了口气，前一个多小时的情绪顺时间开始凝固，伴随着窦唯的配乐，融进了一张张美好的画面，融进了藏在DV镜头后的视线。当导演的名字闪过，镜头再次回到了李米身上，时过境迁后的平静独白，在苍白的阳光下显得有些伤感。

最后，谁能为我解释下《李米的猜想》这个片名？

《李米的猜想》：焦躁过后的平静 作者：JAP

《颐和园》的爱情乌托邦

从电影《颐和园》中的动乱场面中寻找我的身影，未遂！我曾经是其中的一名群众演员，后来得知《颐和园》因涉及政治被定为禁片，又入围嘎纳电影节云云，我观看了此片。

《颐和园》到底表现了什么？一篇相关评论称导演对于片名定为“颐和园”给出的答案是男女主角余虹和周伟最美的爱情片断是在著名景点颐和园里泛舟。此刻想来，那的确是一段美好的爱情时光，那是余虹和周伟初识不久，徜徉在新鲜、火热的爱恋中的甜蜜。虽然《颐和园》讲了政治，我不感兴趣，它倒是让我重新审视起男女之间的感情。如果我没有记错，如果真是像一篇评论中透露说《颐和园》导演称影片讲了那代人的真实那样，我似乎有所感悟。

余虹的日记旁白道出她与晓军的那次性爱不知算不算是爱情，后来她真的是爱上了周伟。余虹和周伟一见钟情，快乐出游、频繁做爱、争吵后的不舍、离别后的眷恋、重逢的内心纠结，这些细节在为余虹和周伟的真爱作证，他们是相爱的一对，他们因爱情成了故事的主角。那么周伟和李缇呢，周伟爱李缇吗？从周伟和李缇不谈情、只做爱的情节看得出周伟对李缇没有对余虹的那种心动。我是这样理解的：周伟和李缇的苟合就是他们作为人的真实性表现：在说不清道不明的男女关系中毫不克制本能的混沌欲望！余虹更甚，她轻易地在野外把第一次献给了想当然的爱情，本以为她遇到真爱周伟后，就这样燃尽他们的熊熊欲火。可不知是命运还是人性的真实毁了她和周伟的爱情，余虹随性、周伟出轨为余虹的人生开启了悲怆之路。多年后，失去周伟的余虹对往昔凌乱的生活有些许醒悟，但仍使王波、吴刚作为过客慰藉了她，最终，余虹真切尝到她“为自己的欲望和浪漫天性付出的代价”苦果——生理的伤痛和心理的悔恨。继续解读下去，余虹、周伟、李缇都难逃人性的真实，说他们以情感战胜了理性，倒不如说他们以欲望战胜爱情信仰来得痛快，他们在欲望面前无一幸免。余虹、周伟、李缇只是那一代人的代表，那一代人又是人类的缩影，《颐和园》张扬了这种人性的真实，真实的欲望——这也许正是现实中很多人无法解释他们屈服于某刻快感的原因吧！

这种真实的人性又是恶劣的，余虹、周伟、李缇的人生观被世俗生活所否定。余虹的贫穷、周伟的孤独、李缇的死亡宣告了他们的不幸。单从爱情的角度看，余虹和周伟没有珍惜爱情，而为此饱尝了相思之苦，他们的快乐与悲伤取决于决定真爱去留的重逢一瞬，把握住了就是幸福，周伟走了就是悲怆。我想，别的感觉无法取代那一份心底的真爱，人接下来只能选择接不接受其他所谓的男女之情，那实际上是失意者们的相互慰藉，他们彼此情意迷离，心有他属，却又共鸣地暧昧苟合着，周伟和片尾出现的女人小张是吗？对于李缇，片中交待了，她因为怕伤害别人而拒绝爱人，她认为爱情是伤疤，因此，与若谷也是无爱的结合，李缇的命运以死亡告终。

爱情是存在于《颐和园》，可惜最终幻化成为乌托邦。为什么不珍惜呢？

《颐和园》的爱情乌托邦 作者：lee-tina

《李米的猜想》：猜猜下一秒究竟会怎样

奥运健儿在赛场上拼搏奋进的记忆已随鸟巢主火炬的熄灭渐渐远去，而火热的电影市场丝毫没有因为奥运的结束而降温。秋季档也不再处于尴尬的地位，伴随着国内市场的不断成熟，我们完全有理由相信秋季电影市场将继续着暑期档的热潮与火爆，引领9月浪潮的将是两部国产电影《李米的猜想》与《画皮》，而这两部电影也因为周迅的加盟而变的炙手可热。

影片《李米的猜想》讲述一个名为李米的出女租司机找寻男友的一段离奇爱情故事，影片中的女出租司机由周迅扮演。李米在迷茫中的不停追寻，只为了期待能与男友再次相遇，她不停地接到男友从各地邮寄过来的信，但没一次找到他，这样的日子一天天地过去，他就这样一直找了四年。可以想象这样一个为爱执着、追寻的过程和表现足以深深打动我们，同时也让我们对周迅精湛的技艺和超俗的气质有了更强烈的期待。

影片的导演曹保平此前只拍摄过一部长电影《光荣的愤怒》，这部去年上映的电影也因片中黑色幽默和方言的表现运用，承载了小成本电影过多的希冀，因此与06年热影的《疯狂的石头》有了千丝万缕的联系。《李米的猜想》剧本脱胎于真实故事略早于《光荣的愤怒》，剧本本身创作大约五六个月的时间，成片的剧本已经不满足于讲一个简单的温情故事，影片在导演的曹保平的诠释下用独特的叙事风格承载出了巨大的信息量。

故事的整体层次也给了导演很大的表现空间，于是这样一部寻找旧日恋人的故事演变成了一部集合爱情、悬疑、公路片、商业片等元素的新奇电影，而导演的独到处理和影片主人公的特殊气质也让影片带给了我们很多惊奇的感觉。在导演的“精心策划”下主人公李米对爱情的态度和生活状态也让我们更对爱情和生活有了别样的理解，也许有人说这是一部疗伤电影，但更是一部以光影和视角解构表现生活压力以及态度的电影。生活不是简单重复的，而是不断变化的，有变化就有期待，有期待就有惊喜或失望，我们永远不会明白下一秒会发生什么，因为生活不允许假设。

对生活压力的不适应和对社会的不信任，让社会人带上了形形色色的面具，在这样的面具下欺骗着别人同时也在迷失着自己。为爱追寻的李米无法想象与其相爱的男友到底是怎样的一个人，是那个爱着她的究竟是方文还是毒贩马斌，她无法想象，只能在苦苦追寻中一步步揭开。两个不同身份的方文让两个不同的女人为他着迷，而他自己在却在生活中迷失了自我，无法完成应有的救赎。张涵予扮演的缉毒警察叶倾城，戏份不重，在影片中遭遇中年危机，也正是因此才与女出租司机李米、方文/马斌以及梦想发财劫车的裘氏兄弟相遇。机缘巧合下把这一群人推到了一个故事中，他们用自身不同的故事丰富着电影内容，同时也告诉我们他们的的苦与惑。

这样一部电影，不是普通的爱情片，更像是一部由爱情作为引子的杂糅片。影片《李米的猜想》以对爱情的执着，追求爱情的过程为主线，贯穿始终，而爱情背后夹杂着各类事实在在的故事，由一个个带着面具的社会人来讲述，这样的写实让影片变的贴切也让观众看着真实，好象影片就是在讲述我们自己的故事，而影片中的不同的人物也更像我们真实的社会，它离我们如此近。

爱一个人究竟能等多久，相信每一个人都能给出一个自己的时间。能坚持多久，四年吗？又有多少人能坚持了四年？激烈的社会竞争，复杂的人际关系让我们不得不带上自私的面具，面具的前后你是谁，你将怎么面对人生，下一秒究竟会怎样，谁也无法预测，但这样的问题却值得我们反思。是在徘徊中等待还是在寻找中追寻，每个人都有自己的决定，不过李米在路上，她为了自己的爱而奔波找寻，也许她不能得到最想要的答案，但是她可以得到另外的答案和感触，因为她一直在路上……

《李米的猜想》：猜猜下一秒究竟会怎样 作者：一等兵joyce

《男孩都想有辆车》：超越梦想一起飞

《男孩都想有辆车》是一部充满青春活力的励志电影。主人公夏雨是高一年级的学生，他的梦想就是拥有一辆专业小轮极限自行车。为了付得起780元的“巨款”又不增加单亲母亲的负担，夏雨到游泳馆打工，认识了好友“锥子”,并和“锥子”一起送起同城快递。在“锥子”的无私帮助和极限自行车教练娟子的热情鼓励下，夏雨一边工作一边刻苦训练，极限运动水平逐步提高；同时，挣钱的艰辛、受到的种种“磨难”以及温暖的亲情友爱让夏雨逐渐懂得妈妈独自支撑一个家的苦楚，实现了重要的人生成长。假期结束,当夏雨拿着挣来的780元钱兴冲冲赶到极限自行车专卖店时，暑期促销活动已经结束，原来半价促销的那款车重新挂上1600元的标价。但对他来说，车子已经不再重要，他卖下一辆山地车送给同样需要自行车来做快递的“锥子”。最终，他获得了一份特殊的礼物——未来的继父送给他一辆自己组装的绝对专业的小轮极限自行车。

在青春的旅程中，体育运动无疑是一个重要旅伴，它们有时是梦想，有时是欢乐，更多的是挑战。影片从青少年夏雨对一辆极限运动自行车的追寻起步，沿着对运动本身是“追求物质装备还是追求精神超越”这一问题的思考走入生活，把对体育运动真谛的探寻与对人生成长的探寻过程结合起来，这两种探寻相互交织，共同发展。当懵懂少年在生活的大课堂里直面困难，接受磨练，感受亲情和友谊，发现真正的自我价值时，他收获了比一辆车更加重要的东西。影片最后，对人生的理解和思考回归到对体育运动本身的认识，夏雨认识到极限运动的本质就在于克服困难，超越自我，影片的主题得到了深化和升华。这就是人生和体育运动所共有的主题——超越梦想,超越自我。

如何超越自我？影片用特有的方式给予回答：

超越自我必须相信自我。夏雨骑着普通山地自行车，当着全班同学的面，输给了拥有一辆美国进口专业小轮极限自行车的王海明，从此，他认为只要拥有一辆专业的极限自行车，就会实现梦想的全部。他一遍遍在极限自行车专卖店门前徘徊，决定通过自己的努力买一辆车子，从而走上了通过努力实现梦想的旅程。他在游泳馆当保洁员，每天得到十元的报酬，尽管离目标很远，但让他感到追求的目标能够通过自己的努力来实现，让他对自己的能力得到了重新认识。特别是得到娟子教练的帮助，在刻苦练习的基础上，他以冷静和自信，超越了自己的极限，以借来的自行车战胜了王海明。这使他的梦想更加清晰——成为一名专业的极限车运动员，更重要的是，在面对困难，追寻梦想的过程中，他深深地认识到，无论是在体育竞赛还是人生历程中，只有相信自己才能不断超越，一切“物”的因素都是次要的。超越是心灵的感受，只有超越的过程才是最精彩风景。

超越自我必须理解他人。电影中有一段催人泪下的场景：爸爸去世多年的夏雨不愿妈妈重新开始新的生活，他总是想办法刺痛妈妈。在一次母子冲突之后，夏雨去找“锥子”，看到“锥子”正在耐心地给瘫痪的母亲喂饭，并得知同样失去父亲的“锥子”始终和母亲相依为命，他深受感动。回到家中，夏雨听到妈妈在楼顶为父亲烧纸哭诉着生活的艰辛，深深地理解了妈妈的难处，他愧疚的眼神映着妈妈烧纸的桔黄火焰，提示着一个男孩内心的冲突和成长。他终于发现他只关心自己的梦想，却忽略了妈妈的感受，而妈妈的爱和支持才是他超越梦想的不竭动力。最初，在夏雨的眼中，爱打架的“锥子”是个“坏孩子”，可在看到“锥子”在家庭困难面前坚强挺立，他理解了“锥子”的责任和强悍，在他们各自所喜爱的运动项目中，他们相互鼓励，相互打气，成为青春的最动人的画面。在亲情和友情中，夏雨学会以宽阔的心胸看待别人的长处，学会理解他人，善待他人，从而获得超越梦想所必须的最为强大的内心力量。

超越自我必须勇于拼搏。为了买车，夏雨两处打工，跟着“锥子”在炎炎夏日里，骑着自行车送快递；一天的工作之余，夏雨还要到极限运动的训练场，自己为自己安排大量的极限训练。训练中，他一次次跌倒，又一次次爬起，精疲力竭却永不放弃。为了让自己不断超越更高、更强、更快的目标，影片主人公自我加压自我磨练的拼搏精神给观众留下了深刻的印象。要超越就得拼搏，要胜利就得吃苦。任何拈轻怕重、患得患失的人都不可能实现梦想。夏雨的话是最好的注解：“我就想成为一名奥运会极限运动员。只要超越自己的极限，就会感觉到无与伦比的快乐。”只有拼搏、坚持、坚强，坚韧，才能实现梦想，超越自我。

一辆车，一个梦想；一个人，一次无悔的青春成长；一项运动，一个叫响人类的奥林匹克精神。就让我们一起，向着更高、更快、更强的目标，超越自我，超越梦想。

《男孩都想有辆车》：超越梦想一起飞 作者：毛角

《颐和园》：爱情的另一种面目

女人都是爱情动物，她们总是把爱情看得至高无上，她们似乎永远都活在恋爱中。好多时候，只要理解了这点，就可以理解很多看似复杂的女人，比如《颐和园》中的余虹，她再迷惘，再苦闷，也不过是个恋爱中的女人而已，所以，我绝不会把《颐和园》看做是一部政治电影，即使外国的影评人和中国的电影局已经给它贴上了那么大的政治标签。

女人的爱情观是什么？她们最向往的其实是大恋爱，就是那种轰轰烈烈的，可歌可泣的爱情，她们总是会幻想，这样的爱情如果能发生在自己的身上最好。大恋爱需要大背景，比如吴宇森在《赤壁》之后的下一部电影《1949》就摆明了要讲一个国共内战背景下几个人悲欢离合的故事，这样的故事在电影评论家笔下有一个专门的名字：爱情史诗。爱情能够成为史诗，在我看来，那真是可怕的爱情，至少我不需要，我无力承受这样的爱情。

在所谓的爱情史诗中，最出名，也最被人传颂的故事就是《乱世佳人》，因为它的背景足够大，南北战争，以及战争过后带来的经济体制的变革。作为前景的爱情也够复杂，郝思嘉先是爱上卫希礼，然后又爱上白瑞德，中间还夹着韩媚兰。两个男主角，卫希礼其实是代表了郝思嘉对现实爱情的认同，而白瑞德则是爱情中比较戏剧化的那种渴望。爱现实还是爱幻想，几乎所以的女人都曾经在这样的选择面前摇摆不定。

我相信，对爱情有无限憧憬的余虹肯定会喜欢类似的故事，作为一个相对封闭的小城市人，她肯定会对未来有许多幻想，而作为一个文艺青年——这一点，看看她的日记就知道——对爱情的幻想必定是她所有幻想中最重要的一个。

“有一种东西，它会在某个夏天的夜晚像风一样突然袭来，让你措不及防，无法安宁，与你形影相随，挥之不去，我不知道那是什么，只能称它为爱情。 ”这是《颐和园》开场时的字幕，我觉得这就是导演给电影定下的调子，不但是故事本身的调子，而且也是整个电影情绪的调子，当然，这也是余虹为自己的爱情定的调子，这种无法把握的爱情其实是她的追求。

一个女人把爱情当成生活的目的，这就注定了她不会幸福，因为她很可能认不出这就是她需要的爱情，比如她很快就爱上周伟之后，她依然对这样的爱情没有把握。所以她才会说出这样的台词：“周伟，我要跟你分手”， “为什么”？ “因为我离不开你”。对爱情要求过高的女人，不会容忍平淡的爱情，没有经过考验的爱情，她甚至都不能确认这是不是爱情。

在我看来，《颐和园》根本就不是什么复杂的电影，它仅仅是一个“爱情故事”，而且是一个很简单的爱情故事，它讲的是一个女人的爱情的渴望和破灭，尤其是对爱情史诗的幻想和破灭。

所以，在电影出现的那些政治符号，很有可能代表的都不是政治，它们很不幸地成了余虹爱情的背景。正是这样的背景，让余虹们顺理成章地把自己当成生活在一个大时代的人，在一个大时代，谈一场大恋爱正是相得益彰。

余虹的真正悲剧在于，她可能一直没有回过味来——史诗一般的爱情太稀少，而且可遇而不可求。关于爱情的一个著名论述就是苏格拉底的麦穗理论，柏拉图问苏格拉底：什么是爱情？苏格拉底装屁不说，只是要柏拉图到一片麦田里走一遍，采一棵最大的麦穗回来，条件是一直朝前走，不能回头。柏拉图那时候还是一个傻小子，他果然照着苏格拉底的要求做了，回来时也果然两手空空。柏拉图解释说，因为他要采摘最大的一棵麦穗，当他碰到一棵大麦穗时，他觉得前面也许还有更大的一棵麦穗，于是，他就往前走。当他继续往前走时，他却找不到一棵更大的麦穗，但他不能回头，所以，他就只有两手空空地回来了。于是苏格拉底终于可以自以为得计地对柏拉图说，这就是爱情。

很有可能，周伟就是余虹的那棵大麦穗，但她不肯把他抓到手里而就此止步，她还要往前走走看，等到意识到错过了的时候，事情已经不可挽回。

电影里很重要的一句台词是这样的：“在我这样如饥似渴亟不可待地想见到他的时候，其实我已经跑过了头。我以为你在远处，而你，静静地从旁边抓住了我的手。”她跑过了头是肯定的，但是周伟能否抓得住她则大可商榷，他们的爱情很可能只是一个普通人的普通爱情，可是因为这样的爱情在文青看来太过一般，他们在试图把它折腾成一个“史诗爱情”的时候，结果反而连普通爱人都做不成了，因为这样的结局，《颐和园》终于有了点悲剧的味道，但这样的过程，和余虹们向往的爱情史诗相差甚远，这可能是她最初没有想到的。

窃以为，《颐和园》就是这么个故事，这是一个专门送给女人的爱情寓言——当然这大有可能是我的误读，可是一个开放的电影往往有很多种解读方式，谁对，谁错？这不会有标准答案。就像对娄烨来说，他自己肯定有自己的解读方式，而电影局偏偏给了他另外的一种。

《颐和园》：爱情的另一种面目 作者：小刀

《暗物质》：流畅的小成本电影

《暗物质》因为有刘烨和梅丽尔·斯特里普的加盟，颇受中国电影迷的关注，尽管本片改编自中国留学生枪杀案，本身也具有一定的炒作性和影响力，但是中国实力小生和美国老牌戏骨的碰撞才是最大的看点。
　　
　　刘烨的表现确实让人惊喜，刚到美国时候的刘星是个很标准的中国学生，见到导师只会连连地点头哈腰，一口一个“thank you”，很尊敬地称呼导师为博士，而不是像美国人一样直呼其名。那个时候的他笨拙但是充满阳光，与美国的文化格格不入但是充满理想。刘烨的身体控制和颇具朴实气质的笑容完美地诠释了一个刚刚展翅飞翔，立志俯瞰寰宇的青年形象。
　　
　　刘星在美国的岁月可以用一帆风顺来形容，他的努力得到了导师的认可，因此也给了他更多的发展机会，所有的一切都朝着完美的结局发展，刘烨将眼中的光芒放射到了最为耀眼的境地。在那个时候，谁都会相信一个中国科学家新星将会冉冉升起，甚至会改变世界和人类的命运。

但是，转折的时刻到了，又一个出色的中国留学生来了，尽管他并不是刘星的威胁，但在刘星的眼里，他是。而真正的转折点在于，刘星的毕业论文，触碰了导师所研究的领域，这让导师变得不能接受，于是刘星成了导师的威胁。失去了贵人相助，刘星开始变得手足无措前途暗淡。在这个时候，刘烨眼中的光芒开始隐去，你感觉到他的眼中有灰蒙蒙的东西，你也会被刘烨独特的气质带动而变得伤感。
　　
　 刘星的压力越来越大，为了生计，甚至开始推销各种化妆品。在这个时候，刘烨依然保持着那种笨拙的形体控制，但是给你的感觉完全不一样，开始的时候，你会把它理解成一个科学家特有的气质和身体协调性差的可爱弱点，但是到了这个时候，你会轻易解读出一个人的尴尬和软弱无力。
　　
　　在心理已经奔溃的时候，刘烨的表情显得冷酷而木然，他穿起白色的大衣，显得很帅，他的动作变得敏捷，就是在敏捷的动作之中，他杀了四个人……
　　
　　刘烨的表演丝丝入扣，将主人公的心理发展轨迹和脉络，表现得淋漓尽致。他利用了研究者往往动作协调性差的特点，将这种特点作为人物的标签，再加上不断变化的眼神、笑容、表情，使人物的变化不断延伸。
　　
　　至于梅丽尔·斯特里普的表演，秉承一贯自然的特点，不加修饰却显得雍容华贵，恬淡舒适却始终是关注的焦点。
　　
　　影片中有些关于中美文化融合与碰撞的东西，还是很有些意思。刘星感慨在中国只能尊敬老师，不能挑战老师，但他不知道在标榜自由的美国，依然有属于美国的学术“潜规则”，所以尽管刘星有他的美国梦想，但他始终成为不了真正的美国人；梅丽尔·斯特里普饰演的人物喜爱中国文化，她练太极拳，学绕口令，看京剧，但她始终是一个标准的美国人，她宽容、温柔、充满爱心，但就像她看京剧只看猴戏一样，并不了解中国人内心当中的隐藏很深的东西，所以她没能挽救刘星。刘星看上了一个美国少女，她是卖茶叶的，刘星与她搭讪时问她什么茶最好喝，她回答是：我从来不喝茶，我只喝咖啡。
　　
　　中国人就是中国人，美国人就是美国人，文化可以交流，可以交融，可以碰撞，但让两者完全水乳交融在一起，或者一方成为另一方，这些都是天方夜谭。
　　
　　导演的驾驭使这部片子极为流畅，尽管是小成本电影，但是观感依然不错。只是导演特意用了中国五行“金木水火土”来架构整部片子的形式，未免有些多此一举。而且中国五行博大精深，导演只是通过潜在的联系将之串连起来，未免有些牵强附会。
　　
　　此外，本片将主人公塑造成了一个深受委屈，被人陷害的人物形象，杀人似乎有了一个极其正当的理由。这与事实真相究竟有何差距，我就不得而知了，查了一些资料，也没有找到有关出品公司的东西，不知道哪位可以告知一二。不过，这倒是挽救了中国留学生的形象。

《暗物质》：流畅的小成本电影 作者：京城闲客

《精舞门》：街舞巨人，电影侏儒

　　如果将这部片子的街舞部分全去掉，那么它就剩下了一个十五分钟的故事。
　　如果你是一个街舞迷，那么哥们你有福了，时髦的街舞给你看个够！
　　如果你是一个美女迷，那么哥们你也有福了，漂亮摩登的范姐姐会让你馋得口水飞流直下三千尺！
　　如果你是一个电影迷，那么对不起，哥们，这片不是给你拍的！
　　
　　一个乡下小伙，为了给妹妹看好眼睛，浪迹北京。我靠，他居然是个街舞的天才！听见音乐就跳得酷毙了！够神奇不？够刺激不？够拉风不？他在一位贼美的DJ 的赏识下参加全球街舞大赛并取得冠军！有钱了,有钱了！不仅治好了妹妹的病，而且还收获了自己的爱情，哇塞！这个故事真是太完美了！妈的！咋这么感人啊！
　　
　　宁先生的编剧，我猜是为了物质的收获，或者妥协了本片的市场定位——热爱街舞的青少年（很有可能是18岁以下城市富裕人群），除了那个结巴的组员，有金牙的大妈，还有当场昏倒的粉丝，其他的几乎不见他在《武林外传》里的才情。至少不得不说有自砸招牌的嫌疑。

如果作为故事音乐片，那么本片的主脑，至少压根就没搞明白从《音乐之声》到《红磨坊》到底是怎么回事。如果他作为故事音乐故事片，那么它至少不晓得这世界还有《雷》《梦想女孩》《艳舞女郎》以及《摇滚校园》的存在。甚至连《浪漫樱花》都没搞明白人家为什么能让人看下去。将街舞段落生硬地用刻意熟烂的故事串起来，你拿观众当白痴啊！白痴观众，你们又有福了，又有优秀的电影工作者拿你们当衣食父母啦！哦也！
　　
　　我们即使不问那么多故事的元逻辑与思想基础，我们只问陈哥哥和范姐姐之间的感情，两个“平面人物”，来回几个回合，互相心就有灵犀了！太好了，太好了，年轻人在一起，比什么都快乐！
　　表演方面，除了陈哥哥还可以，人家当年可是歌舞组合的人物！戏也是演过很多地！其余的……想想，还是不说了，别浪费贬义词了！范姐姐果然天生丽质，不服不行，但我怀念《苹果》里的她，表演的里面有能量在流淌，而在本片里，她证明了一个真理，花瓶怎么了，反正是好看，一般人也演不了！
　　
　　
　　我还是想说一点儿，我猜想的论断。
　　毕竟，这是一部电影。客观的说，作为多元化与类型片需求强烈的时代与市场要求，青春歌舞片，本无过错。
　　问题的关键在于，怎么拍？
　　是不是把低音加重，让帅哥劲舞，让靓妹高呼，把故事装进当代的都市，把镜头对准五光十色的舞台，找来具有幽默感的编剧，再找来当红的时尚明星，再再然后放风炒作，然后就哦开了呢？
　　
　　似乎并不这么简单。请留意本片几乎全体演员的配音处理（这是国产影视剧的顽疾！！）请留意本片对于人物性格的单一化处理，请留意本片几乎只有故事内容却没有半点由内而外的人文情怀的介入，请留意本片的镜头的语言，那一个陈哥哥找包时的主观镜头还是有心意的，其余的几乎都是被动的叙述（电视剧套路），而你会发现在拍摄街舞画面时，镜头却是生动活跃的，非常的MV化！对于时尚效果的东施效颦，并不能掩饰作者驾驭故事与人物感情的“心有余而力不足”，看来“蚁力神”对于很多影人还是很需要的！
　　
　　我看到的是自以为是的作者得意洋洋地觉得，有了明星，笑话和街舞就可以拍之大吉了，我想到的是为什么对于电影这样没有知觉的选手还可以在监视器后面耀武扬威地高喊“埃克森！”
　　
　　这是一个被街舞统治了全片内容与节奏的片子，这是一个向其他作品不加思考借鉴的片子（比如会武术的大叔，这个人物的设置），这是一个以为用巨大的音乐声响就可以震撼人心的片子，这是一个却忘记了在很多情节的空白的空间加上配乐的片子！片子里两首英文歌还是好听的，结尾的《YOU RISE ME UP》果然好听，只是瘫软的情节还是举不起观众的心情!骚锐！音乐不是能让任何行尸走肉般的片子的还魂丹！
　　
　　我认为本片真正暴露的是，作者精神内核上与本片属性上的错位，以及相应的拙劣的电影驾驭能力与电影拍摄理念，刻意地拍摄了出了一个身穿旗袍的大洋妞！呵呵，这就像一个农村大娘，穿上嘻哈服饰，嘴里说着：呦、呦呦！
　　这算是个什么玩意儿呢？——外里骚锐！哥们我也不知道！小朋友们喜欢不喜欢呢？我想去问问，又怕人家说着，你看不懂，这才是最棒的电影！街舞最棒！街舞是这世界最棒的玩意！你懂个P!
　　
　　那好，我愿保持对于街舞的无知的坦白，我斗胆地说它是街舞的巨人！
　　但是，我不愿意放弃我对于电影的理解，我自信地说它是电影的侏儒！

《精舞门》：街舞巨人，电影侏儒 作者：有肉吃跟着你

《电影往事》——我们无处可逃的青春

电影常常给我惊喜，可是近年来的电影很难让我冲动，我时常在怀疑自己是自己审美能力出现问题还是现在的电影太过商业太过浮躁，可当看完《电影往事》，我被征服了，成本很小，导演很没名气，名演员在这里只是客串，演员是几个根本叫不上名字的小屁孩，虽然有模仿经典《天堂电影院》的嫌疑，但我依旧震撼。

看完电影，我突然想到我时常在思考的问题，“是不是每个人老的时候都会特别的怀念青春？”。我回答不出来，因为我没有调查过每一个人，我也没有老，可我在想，兴许一路走下去，有人是不断怀念的，而有人却不断的忘却。不过于芳华逝去，青春老去的尽头，我想每个人都大概还是会怀念的。可能越是年老，对青春的思念就越钻骨的痛。

显然，《电影往事》也是一部关于成长与青春的电影，如以往的国产电影一样，这是一部典型的铺张着那个年代浓厚政治色彩的中国电影，四处散落的革命专用语言代表着奔腾的红色年代。它同样畅想着关于青春的祭奠，玲玲和毛小兵的成长不仅是属于他们两个人的，那段成长的日子同样沉淀了一代人关于青春的回忆，包括你，也包括我，包括那些在七八十年代成长起来的人们。也许是延承了东方电影特有的单纯与隐忍，它没有西方电影关于成长固有的迷茫与放纵，没有毒品，不谈性，你看不到《猜火车》里那个放纵的少年，也无法从这里闻到《发条橙》里的迷乱气息。有困惑，但更多的是宽恕，也有失去，但总会让你在失去中得到一些什么。这也许正印证了东方电影不灭不变的辨证理论。生命就是在得失中不断的轮回，轮回是得到也是失去。

一个老掉牙的开场白，在那个动荡的年代，一个美丽而爱做梦的女人，在爱做梦的年纪遇到了可怕而危险的爱情，于是故事有了得以延续的种子。又如以往一样，美丽的女人被抛弃，遭遇各种冷漠与唾弃，终于在一部电影中得到救赎，获得新生，开始一段新的生活。这是关于爱情的故事，你可以从中看到爱情，看到深深刻上那个年代烙印的爱情。可我要说的不是爱情。因为那仅仅是引子。

之后，关于电影与成长的故事开始了。两个同样缺乏爱的孩子就那么相遇了。相遇的毫无道理，正如故事的开场一样，两个青春张扬的年轻人相遇的同样很没道理，可故事偏偏就那么发生了。也许巧合本身就是生活的本来面貌吧，导演只是把它艺术色彩的还原罢了，而我们总是天真的以为那是注定。

于是开始了一段关于电影追梦的回忆，《铁道游击队》、《小兵张噶》、《小花》那一系列的电影怎能不把我们带回那段模糊的童年，那些对于电影的冲动，曾经陪伴了我们简单而快乐的童年。甚至在很长一段时间，看电影成了我们对于上学最期待的事情，因为在那个年代，你是不可能单独去看电影的。没上学的时候在厂里，晚上也是常有露天电影的，小的时候还是可以搬个小板凳去看的，可是上学了之后那也会变成一种奢望，因为中国的家长总会把看电影，看小人书这一系列的娱乐活动看成是学习的天敌，不仅深恶痛绝，而且坚决抵制。而那个年代，那个时候是没有未成年人保护法的，顽强抵抗只会招来一顿暴打，因此我们是没有那么大的勇气去直接对抗大人的，所以对于电影的渴望与期待也只有寄托在学校固定的包场上了。有时候就把对电影的渴望寄托在上学上，上学第一件事情，就是在大大黑板报上搜索任何有关电影的通知，然后一大群同学开始几几渣渣的讨论可能要放的电影，乐此不疲。大了之后，有了电影院，有了DVD，开始买一堆的电影碟片，囤积在家里。发现碟片是越来越多，可看过的却很少。总是可以为自己找出一堆的理由，忙，忙，还是忙。电影也成了偶尔无聊时候打发时间最好的工具，期待变成了无所谓。

我们总是很容易把期待变成无所谓的东西，而毛小兵不会，玲玲也不会，童年时代的相遇成了陪伴他们成长的最好的礼物。玲玲送给毛小兵的电影胶片一直伴随着毛小兵的成长，而玲玲不论流浪到哪，都会带上那个已经有些破旧和落伍了的老式相机。导演在这里又一次的用了比喻的手法，期待落空了，玲玲终于还是没能追上那辆载着那些期待与快乐的列车，毛小兵走了。快乐的童年结束了。

一段关于爱与宽恕的回忆开始了。玲玲的妈妈终于没能受住电影工老郭的爱情攻击，她再婚了。而对于玲玲而已，爸爸这个词语本身是毫无意义的，因为她没小就没有父亲，也不知道父亲是什么。对于母亲的再婚，她恐惧了。因为毛小兵对她描述的关于后爸与后妈的故事，和那个黑呼呼的小子毛小兵在父亲再婚后时常被毒打的惨烈场景。弟弟的出生让她仅有一点温情都熄灭了，活泼而开朗的她彻底失去安全感，她突然象没有归宿的孩子。导演用了满天飘絮的高粱地，弟弟和爸爸妈妈其乐融融的嬉戏的时候，她的灵魂也被吹散，再也无法归拢。她的心开始慢慢的飘离那个叫做家的地方，不知道归到哪里去，在这里，导演也预示了玲玲之后的青春轨迹，那将是一段飘零的岁月。

然后，因为嫉妒或是对弟弟的仇恨，又或者是对于妈妈爱的转移的怨愤，她把弟弟丢在很远的地方，在车离开的一刹那，玲玲是有些后悔的，当弟弟被找回来之后，用一颗天使般单纯的心帮姐姐隐瞒了一切，当他口中嫩嫩的说出，“妈妈，是我自己不小心出去玩走丢了。”我的眼眶湿润了。我简单的相信，善良是会换来好报的，我也简单的相信，导演会到这里峰回路转，让两姐弟从此过着快乐的生活。可这是电影，毕竟不是简单的生活，而我也不是导演，无法左右他们的命运。导演最终还是让弟弟走了。在大世界电影院要拆的最后一天，从高高的楼上摔下，从毛小兵和玲玲经常看电影的秘密场所重重的摔下来。没有先兆，高潮就那么来了，打的你措手不及。火车把玲玲的期待带走了，而弟弟的死去，以及大世界电影院的拆去，无疑让玲玲所有的梦想永远的消失了。

于是，重复着继续的老套，继父的误解让玲玲走上了流浪的道路。她走了，永远的离开了家，而当你以为这一切将再没有终点的时候，毛大兵出现了，那个已经由脏兮兮的“坏小孩”长成阳光灿烂的大男孩，他的出现把巧合又一次的续写成了注定。这么多年压抑的情感在玲玲那一砖头下去的时候得到了些许的释放，而那个一直对着年迈的父母小院的望远镜将三个人之间的所有怨恨与愧疚都解开了。虽然故事到了这里有些离奇，各种情节也很难经得起推敲。导演的功力在这里无疑败给了同样情节的《天堂电影院》。但若不考虑那些，仅看宽恕与救赎的释放在这里却没减少半分，在同样的露天电影院，美丽的女人嘴角扬起的淡淡的笑容，玲玲靠在了毛小兵的肩头上的平静的神态，以及在他们的前面那个象极了死去的弟弟的小男孩，都无一例外的预示着爱和希望，是导演在说，希望就在前面，因为看到了他们的微笑，因为有爱，所以才会有希望。因为充满着对生活的爱，所以不管什么时候，即使青春逝去，玲玲的母亲依旧会把床单洗的白白的，因为有爱，所以玲玲和毛小兵都保留着对于童年的礼物，即使成长的岁月充满了艰辛，也依旧没有放弃，青春纵然苦涩，却总有希望在心里。

电影结束了。没有大场面，没有电脑特技，有的只是温情。温情的能直钻到你心里去，虽然导演没有用任何忧伤的手法去表现那种近似伤感的话题，比如说，被爱情抛弃的女人，缺乏家庭温暖的坏小子，那个如天使般却突然逝去的小生命，导演多是一笔带过的。镜头经常让你莞尔一笑，因为那些颇有趣味的方言，那个自称是毛主席的小兵的坏小子，还有那些童年的游戏，可我依旧觉得它有种淡而不腻的忧郁，忧而不伤，象极了青春。所以虽然片子没有多少是关于青春的，多半是童年的回忆，可我还是希望把它归到青春中去，因为那个依旧灿烂的毛大兵，也因为那个历经创伤而最后平静的玲玲，也因为片子的最后，定格的是一段我们都无处可逃的青春。

《电影往事》——我们无处可逃的青春 作者: 微笑

《颐和园》：一部没有太大价值的影片

看了影片《颐和园》，因为它是禁片，想知道为什么被禁。虽然被众多观众和评论者推崇，但看了之后的感觉却很直接：一部没有太大价值的电影。

在阐明它的价值之前，先简述一下这部影片的内容。故事发生的时代背景是壹镹捌镹哖中国这一特殊的历史时期，当年发生了重大政治事件，故事的内容是一对青年大学生的情、爱经历。

说它没有价值有很多理由：

1、没有商业价值。众所周知现在有很多电影以猎取商业利益为主要目的，贺岁片、好莱坞大片是其主力。《颐和园》却是部不具商业价值的影片，因为它直触电影业最具敏感的政治和色情问题，从它投拍的第一天起，导演和制作方就明知，影片的色情程度和政治立场问题会被绝对禁止上映。可以说影片的色情级别度与《色戒》相比有过之而不及，影片涉及的特殊时代背景更是多年来大家一直不愿，也无法面对的问题。这样的一部影片，从它产生之日起，被国内全面封杀和禁演是没有什么令人置疑的，导演娄烨因其擅自以此片参赛被禁拍片自是无可厚非的。一部失去了国内市场的中国电影，就算以某种特别的内容来迎合西方，又能取得多大的票房收入呢！更何况影片的色情尺度在外国恐怕也要被列为等级片限制放映了。

2、没有文学艺术价值。艺术是生活的折射与写照，艺术是思想的提炼与升华，显然《颐和园》不具备这样的艺术价值。影片中一群思想混乱，没有精神寄托，对情感和未来盲目的青年人的言行显然不能真实地反映那个年代的青年群体的精神面貌和思想状态。80年代出生的同事看了以后，对这样一群人感到莫名其妙，不知道影片中的那些青年人在想什么，要干什么，不知道导演导的这出戏想表达什么样的主题思想。如果说80后无法理解那个年代，那我这个经历那个年代的大学生，也无法从影片中找到更多的认同感，在我的感觉和记忆中，那个年代的大学生是有理想、有抱负、有进取心的一代大学生，对待生活，对待爱情，还没有那么地盲目，生活作风还没有那么开放和混乱。影片表达出的那种低落的情绪，盲目的人生目的，失控的情感绝不能代表那个年代，只能算是极少数人没有积极意义的人生，经历过那个年代的人，恐怕也没几个象男女主角那样谈恋爱的。影片看不到任何闪亮点，既不能达到弘扬人性光辉、反映时代进步的文学推进作用，也不能起到思索、反醒人类历史和文明，鞭策后人的现实批判作用。

3、没有电影艺术价值。不谈文学，就谈电影拍摄的专业艺术效果，这部片子也没有太多的价值。如果说整个影片的阴暗色调是用来表达情绪和突显主题的话，那么全片杂乱、不连贯，闪烁抖动的镜头处理方式，让观众看了很不舒服，特写镜头缺少主题的张显性，语言凌乱和叙事的不完整让观众看完全片后，茫然不知所云。难怪同事看完后问，女主角怎么回事？她到底想要怎么样？她怎么会这样的啊！导演一点都没有交待，让观众连想象和理解的空间都没有。影片不是一部故事性强、能吸引人的情节电影，如果划入意识流影片，又感觉缺少画面的美感、想象和冲击力。影片缺少行云流水的流畅感，导演意图用纪实、写实的手法来突显现实主义的主题与影片的基调，反倒难以还原文学作品内心写实的神韵，镜头的运用和拍摄的手法也比较肤浅，不够成熟，节奏跳跃、变化但不够凝练，缺少逻辑性，内容松散而不够流畅，人物意识与情绪的客观渗透性、内心情感的直物化有些凌乱，不够清晰。特别是，全片过于追求主观随意性，而忽略电影作品的客观叙事性，用那些不同时期发生的国内外大事件纪录片画面的插入，来表达导演潜在的政治和社会观点，让人感觉有些生硬、拙劣和幼稚，影片中很多强烈而刻意的意识强加性，失去了电影本身理解与想象的魅力，与电影《赎罪》相比，电影的艺术表现性相差甚远。一部不够精美，又难以让观众捕捉到角色意识流程的影片很难获取观众的认可与共鸣，从电影艺术角度言应该是失败的。

4、没有社会价值。如果我没有理解错，导演此片想表达的决不是表面所看到的挖掘人性复杂的内心世界和思想、情感的问题，更重要的是为了表达对那个时代，那个特定事件的个人观点和心情。有评论说，《颐和园》是导演时代情怀的释放，我认同。撇开政治观点不谈，从艺术表现形势上，我也不推崇此片，并感觉影片的表现力和主题拍得不到位，忸忸怩怩，藏藏掖掖的。同事问我，导演想要表达什么观点啊？其实我很明白，导演想说什么。导演有很多话想说，但又不敢说，用那些神经质、让人无法理解的感情纠缠，那些极尽所能拍摄的情色画面来表达精神上的压抑，女主角用做爱这种最直白的方式来表明自己的善良（这是影片中的语言）似乎寓意着那个年代，人们在用最本能的方式来追求自己的目的，来获取他人的认同，女主角的善良认同感就是人们的“民主自由”认同感。很多人无法理解影片中另一女主角莫名的死亡，如果认为她是为情而死，那就太错了，导演对影片死亡的理解，其实是很明确的，只不过在影片中忸怩着无法表达，看看全片的结束上面的字幕，最后一段话中写得清清楚楚，“人人死而平等”，导演要说的话难道不是很清楚吗？娄烨反复强调这不是一部涉政影片，而事实上影片处处隐露着导演的情怀和观点，甚至不惜用最违背道德规范尺度的视觉画面来表达自己的观点言语，比如：在最引起观众哗然与指责的男女主角特写镜头，一个看似随意简单的弹烟动作，有着很明显的代表性，表达了导演强烈的思想（具体潜隐语不能于此表述）。有人认定导演大幅度的情色镜头想表达青春的迷茫与对肉体自由的追求，实事上，影片中表达的已经是一个无法再自由的肉体了，而不自由的是精神与灵魂，是因为迷茫吗？NO!酒吧里他们不是如此激昂，如此能高谈阔论吗？导演想说得很多，也很明白，只是拍得有点忸怩、掖藏了，导演何必要过分强调这是一部爱情片呢，既误导了观众又虚伪了自己。一部影片让大部分观众无法理解，这样的电影如何能获得观众和社会的认同感，它存在的社会价值和意义又有多大呢？

好象批驳影片的理由太多了点，就此打住吧。最后还要说一点，其实也很重要，很多观众问这部影片为什么取名《颐和园》，感觉莫名其妙，大部分的解释都是，因为男女主角是在颐和园认识的，还有因为颐和园的英文是summer palace,而影片表述的是那个夏天summer，那个夏天发生的事，什么事观众自然明白，也许这是一种说法，其实我感觉导演想得绝没有这么简单。我没去过颐和园，不知道那里有什么特别的，但我知道颐和园的建造者是谁，它的象征性是什么。

评论这部电影，我不带政治观点，因为我对那个年代没有认同感和观点，从那个年代走过来，我感觉中国一直发展得很好，我很赞同“稳定压倒一切”。从电影的角度评论电影，也就不存在禁与非禁。

我不推崇此片，甚至批评它没有价值，特别反感影片中过多的情色画面，我一直在问为什么电影人总是要用极至所能的情色镜头去反映压抑的人性呢，难道人类就再也找不到别的办法去释放了吗？真应该好好反思一下才是！

说实话，《颐和园》拍成这样，如果导演想达到自白的作用，不如放在家里自己慢慢赏，献给观众的应该是一部更有价值的好作品，如果做不到，还不如不要做，用特别的东西来哗众取宠就不值一提了。

同样是部政治题材的影片《窃听风暴》从电影艺术角度看，水平高很多，手法也成熟得多，故事和情节也更能获得观众的认同感，也更能打动观众的心.

《颐和园》：一部没有太大价值的影片 作者:wellme

《二十四城记》：一杯人文关怀的清茶

贾樟柯的新片《二十四城记》虽是在取材自成都420厂，但实际上影片与那座曾经悠闲，刚刚经历过地震考验的城市并无太大关系。电影始终将视角固定在成发集团（即420厂）这个完全独立于城市的大型军工企业，或者说一座军事意味浓重的移民城中城之中。《二十四城记》浓缩了一个充满激情和荣耀的大时代的消失，以及无数个个人的世界的开始。对，这或许是共和国59年历史的缩影。

　　 “仅你消逝的一面，已经足以让我荣耀一生。”在电影的结尾处，用字幕带了出这句话。历来，贾樟柯导演在他的电影里都会运用字幕来表达自己的情绪，《二十四城记》尤为突出，片中大部分需要观众了解的背景资料都用字幕的形式放出。看似轻描淡写，实际上每次看到仅用十多二十个字就勾勒出某个人的“简历”时，总感觉心理堵得慌。一个人的故事本不应该就这么被总结，被评论，被写成白纸黑字放进牛皮纸袋里，成为跟随你一辈子的所谓“档案”。人与人是不同的，即便是他（她）们都被贴上同一个标签——比如三线建设，又比如420厂，实际上并没脸谱化的“三八红旗手”，“标准件”和“叛逆的青年”。正相反，每个人的生活都跌宕起伏，有血有肉，丰满而独特。所以，贾樟柯让这些标签说话，讲她们的故事。

　　 或许《二十四城记》在一般意义上并不能算是一部电影，更像是一部摆拍痕迹严重的电视记录片。整部电影，几乎找不到一处真正称得上有剧情的对白。影片被大量无声的工厂景致，大量的采访填满了。静默，苏珊·桑塔格在《激进意志的样式》一书中一再阐述了静默的美感，《二十四城记》也充满了静默的思考。信息技术革命和教育普及之后，我们身边充斥了太多浮躁的对现象的解读，而一个被这些繁复的信息充斥的大脑或多或少都会逐渐丧失独立思考的能力。就像现在的商业电影，越发追求更快的节奏，更激烈的冲突，更华丽的特技，希望观众从电影院里出来之后除了对画面有映象之外，不去深究为什么，似乎现在的观众也乐于接受这种方式。这就好比是气泡翻腾的可乐，人见人爱，但是每口之间除了碳酸的刺激之外感觉不到其他东西。

　　 从《二十四城记》可以看出贾樟柯越加宽广的取材范围，从单个个体，某个群体，到这次的整个国家的视野。他还是一如既往的保持对社会现象的兴趣，对随着社会变迁时起时落的人的命运的关注。他的电影虽然显得不那么“好看”，但绝对充满了诚恳的思考和适当的人文关怀。站在救世主的制高点，赤裸裸的金钱帮助，并让受惠者当众感激涕零，恨不得来世作牛作马报答恩主，这绝对不是人文关怀，甚至可以说是与人文关怀的初衷背道而驰的。“人文关怀”这个概念中最重要的是“人文”，是用换位思考去理解人——放到电影上，就是理解观众，演员和剧本上写的那些个角色，最重要的，是发掘人类社会普遍存在却又各有不同表现方式的本质，比如亲情，比如爱恨，比如社会对个人的碾砸。贾樟柯的电影在这点上走得很稳，不会了获奖而拍些猎奇的东西，亦不会为了票房而大搞煽情。

　　 说得远了。其实《二十四城记》本质上不过就是通过几个人的故事，把从1958年的火热的三线建设到今天同样火热的港澳自由行串连起来，反映国人从“国家要我做什么就做什么”到“我想做什么就做什么”的人生观价值观的转变。这里没有价值评判，也见不到颐指气使的说教，只是展示了很简单的一个现象：在不同的环境下，每个人都有选择自己生活方式的理由和自由。很干净，但是很不娱乐的一部电影。

　　 这部电影的票房自然没法和《功夫之王》们抗衡，但《二十四城记》能引起相当部分人的思考和关注，这，也就足够了。

《二十四城记》：一杯人文关怀的清茶 作者：werwan

《葫芦兄弟》：一部迟到二十年的电影

13集的动画片《葫芦兄弟》诞生于1987年。这个年代正是上海美术电影制片厂生产大量优秀的短篇动画的时期。而《葫芦兄弟》无疑是其中的佼佼者。
　　
　　熟悉那个的电影院的观众或许都会记得，当时在播放正片之前，都会加演一部短片。那些加演的短片大多以纪录片为主，而一些动画片，也曾作为加演的短片出现在影片的开头。《葫芦兄弟》、《邋遢大王》、《女娲造人》等优秀的动画片均以这种形式第一次登上了大荧幕，并被观众所牢记。
　　
　　相比现在动辄上百集甚至集数要打破吉尼斯世界纪录的劣质动画片相比，当时动画片可谓部部短小精悍，《葫芦兄弟》“长达”13集，总共130分钟的片长，在当时，几乎是个“巨无霸”。在经过影院大荧幕短暂的试演之后，这部经典的动画片便开始频繁地出现在各个电视台，那个年代出生的孩子，几乎都有将这部动画片看上几遍的经历。然而，也是从这开始，这部经典也一直只在电视台上延续着自己的辉煌，当电视上出现越来越多的国外动画片以及国产粗糙的动画片，影院开始放弃了加演的传统开始逐渐增加广告的分量——这部动画片也越来越埋向我们记忆的深处。市场的功利化，使得上海美术电影制片厂的辉煌也只能从那些几乎尘封的胶片中去寻找，数年磨一剑的《宝莲灯》，也是落了个毁誉参半的地步，远远没达到《大闹天宫》那种傲视群山的高度。
　　
　　《葫芦兄弟》登上大荧幕是一种必然——这部用制作电影的态度做的动画连续剧，不应该在电视荧幕上让其灿烂被打折扣。连《魔比斯环》这样畸形的电影都能在大荧幕上大放厥词，《葫芦兄弟》这部现在看起来依然是那么精致的动画片不应该仅在荧幕下等待。与上一次短暂的登上大荧幕，这部动画片等了几乎二十年。而这次，我也欣喜的看到，重新剪辑后的《葫芦兄弟》非但没有糟蹋经典，反而可以让对这部动画片有着诸多回忆的观众找到共鸣。
　　
　　影片虽然是经过数字处理，一些场景甚至重新制作，但除了画面更为亮丽干净之外，这部影片几乎难以找到数字雕琢的痕迹，我之前担心会在片中看到拙劣的3D特效的疑虑也随着影片的开始而一扫而光，而那熟悉的音乐响起时，简直让我有种想哭的冲动，身边的小孩兴奋的大声跟唱，也让我宛如看到当时蹲在电视机前嚷嚷的我。
　　
　　重新剪辑后的电影，节奏比以前动画片更快，但是80分钟的片长，却让我有种与犹未尽之感，我甚至希望应该将那完整的130分钟全部串起来。不过虽然较原片相比少了五十分钟，但故事的主要情节俱在，很高兴这次剪辑没有来个所谓的“创新”，这足以让热爱这部动画片的观众感到欣慰。当然，这部动画片所承载的精神并没有因为时间而被人忽视，善良和团结所激励的不仅仅是我们，还有现在在影院里的那些孩子。影院里孩子多的出乎我的意料，而他们对这七个小葫芦的热情更是出乎我的意料。一部动画片跨越了二十年，依然让孩子们快乐，这便是《葫芦兄弟》足以成为经典的重要原因。然而，国产动画电影能让儿童兴奋的，却依然是这部二十多年前的作品，这可以算是《葫芦兄弟》上映后最不愿意被人承认的。儿童电影越来越少，国产的动画电影更少，真正为我们用心制作动画片的艺术家也逐渐淡出了我们的视线，取而代之的便是那拙劣的流水线作品，而作为看着艺术家心血长大的我们，从某种意义上来说，是比现在的孩子要来得幸运。
　　
　　但不管如何，我们现在所作的就是，尽量多给予这部动画片一些迟到的掌声，或是为了自己找回久违的激动，或是为了这部动画片迟到了二十的荧幕之梦——《葫芦兄弟》该有更多的荣誉，同样，一些荣誉，也迟到了二十年。

《葫芦兄弟》：一部迟到二十年的电影 作者：陈赖汉

《二十四城记》：如此朴素，如此深情

从影院出来，我不敢说话，怕一张嘴就会哭出声来。从没有见过一部影片与中国人的心如此贴近，而且如此深情，如此朴素。可见导演是怀着怎样的感情去创作的：不是冷漠的旁观者，居高临下，更没有撒娇扭捏，不假装深刻自作聪明。不用刻意取悦谁，不愤怒也不做怜悯同情状，因为他本人就是其中的一员。我们都身在其中。影片没有在嘎纳得奖，我觉得是应该热烈祝贺的，这恰好标志着贾樟柯已经成为真正的艺术家，思想者，用大师这个词太俗太土了。从此，他已经不需要任何国内外的奖项来证明什么。用才华这个词来形容也太过轻贱，他的朴素容不得所谓的才华捣乱。所以他才能做的这样坚定，不动声色，沉下去，放平，贴近，溶入。直到我们不觉得它是一部电影，它就是我们的生活，勤勉，本分，贫乏，沉闷，日复一日。那些金奖银奖贴在它身上都是多余的累赘。因为这是一部伟大的作品。它的光辉是必暗淡的，力量必是迟钝而缓慢的，其生命必然长久不衰。

我相信贾樟柯预先知道这一点。在电影学院的放映厅，大家都很安静。我说贾樟柯是这个学校的骄傲，身边有人说不，是中国的骄傲，我现在说，他是世界的骄傲，是电影艺术的骄傲。他让我们看到了电影还有这样一种可能，把生活和历史如此这般地还给我们。这是一首诗，安静，忧伤，惊心动魄。
　　
　　毫无疑问，《二十四城记》是贾樟柯最好的作品，和《三峡好人》相比，导演已经不屑于再去编织什么寻妻觅夫的情节，既劳神又无聊，也不用糖、烟、酒、茶，不明飞行物去诠释概念，暧昧又矫情。就这样面对面的直接逼入内心，如果我们有的话，哪怕它是一个空壳，只有一点点湿润的希望，或者完全的绝望。这需要怎样的情怀和勇气啊？纪录片式的剧情片不能概括它，严格的说，所有的纪录片都是剧情片，反之亦然，一切剧情片也都是纪录片。它反映的都是纪录者的目光，他的思考，他的心。
　　
　　那些表现农村的影片我们看得太多了，青翠的田园风光或者黄土高坡的荒凉，导演们认为那很美很中国。要不然就表现都市的繁华颓废，灯红酒绿。导演们觉得这样很时尚很现代，孰不知现代就是日常，就是在我们心里蚕食希望的那条虫子。而对于现代中国，没有谁比贾樟柯选择的军工企业更形象，准确：宏伟空旷的车间，巨大的机器，密集拥挤的宿舍楼，每天从厂门口吞进去又吐出来的，灰蒙蒙的，穿着同样制服的人群，整齐豪迈的厂歌，被预先设计好的人生，他们的优越感，枯燥、安逸，毫无希望的日常生活，这自然不是老外们所理解的中国，也非中国的精英们在书斋里能够想像出来的。而一切正在消逝、毁灭。如同一个时代的挽歌，但一切尚未结束，它将在我们心头回旋，庄重而凄凉，久久不去。

《二十四城记》：如此朴素，如此深情 作者：冉平

一场注定的悲剧——《鬼子来了》

一样的日本鬼子，一样的中国老百姓，自演自导的姜文给我们讲述了一个不一样的故事。从鬼子被送来到鬼子被送走，在处理鬼子来了的事情上可谓一波三折，历尽艰辛，可把我们的主人公马大三给累坏了。

照理说，只要把鬼子和汉奸咔嚓两下，事情不就解决了吗！然而村民没有这呢做，他们想这么做，但又没人敢这么做，围绕着想又不敢的事情，马大三，村民与鬼子，汉奸展开一次时间跨度长达半年的心理战，这也是故事的精彩之处。

中国的老百姓就像挂甲台的村民一样，本性善良，他们不想杀人，也杀不了人，只想安安稳稳的过日子。他们不计较这片土地由谁说了算，在过自己的好日子之外，顺从是他们的准则。因此如果逼迫他们不顺从，善良的本性与残酷的现实相碰撞，一场不期而遇的悲剧就发生了。如果说是日本鬼子杀了他们，不如说是他们朴实，善良，顺从懂得性格扼杀了自己的生命。真应验了毛主席那句话：“对敌人的仁慈就是对自己的残忍。”这也可能是为什么有那么多中华儿女奋起抗日的渊源。敌人的残酷的把国人的善良变成仇恨的火种。我相信中国大多数人都是被迫抗日的，残留在他们骨子里的是：“血债血偿”。

姜文是个人才，大大的人才。他从最普通，最直观的视角接露了那场不该有的战争，那是一次不该有的痛，在影片中马大三有两次进城。第一次是 借刀杀人；第二次是自己杀人，目的不同所见所闻也不同尤其是那两个说唱书的第一次是歌颂皇军，第二次是骂皇军，反差极大。而当马大三被已经当俘虏的鬼子砍头时，他们正想着把所看见的写成评书。这也可能是导演结尾的又一次暗示。这两个说书的心理状态不正代表了中国千千万万底层大众的想法，只是内容不同而已。

挂甲台的村民们或许没想到每天经过村子的鬼子乐队演奏的乐曲会是回是他们临终时的丧歌。
挂甲台的村民们或许没想到与鬼子的联欢会会成为他们最后的晚餐。
二脖子他娘或许没想到平时行的端，走的正，腰板直的她，在刀尖上还高歌了一曲。
马大三或许没想到好吃好喝待他们半载，又把他们送回去，怎吗会杀尽自己的父老乡亲呢？

马大三哭过，那是在乡亲们的逼迫下抉择杀不杀人时。但在日本鬼子屠戮了全村之后，我们看到了马大三坚毅而又死水一般的眼神。这种眼神让我想起中共地下党员外出活动时的情景。中国人是崇尚和平的。你不杀我，我不干预你，大家都安稳，乐和的日子不行吗？答案是 ，这只是一厢情愿。当刀架在脖子上，血的教训历历在目时，他们会坐以待毙？昔日的绵羊愤怒了，绵羊变成了公牛，绵羊只会顺从，但公牛知道进攻。号角一旦吹起，报仇开始了！

一场注定的悲剧——《鬼子来了》 作者：aids

《立春》：每一趟依春而立的旅行

看完电影《立春》，并没有什么特别的感受，只是从女主人公执着而不幸的命运中读出了点励志的意思——不畏他人冷眼、宁自傲然不屈的勇气，对个人理想的不懈追求以及独立坚定的审美取向。影片情节多变，波澜不断，基本的结构是女主人公在寻梦途中遇上一个又一个意外出现的同命之人，他们撞击着她的“孤岛”生活，又一一离去，使她在人生轨道上愈行愈慢，渐渐偏向狭小的现实世界。紧凑饱满的情节，恰到好处的节奏感，顺畅的写实手法，没有大量想象和情思的渲染，使观众能不费心思地看完影片。这也确实符合根据真实人物事迹改编的剧情片这一宣传定位。只不过“立春”这个片名略微透出一点文艺片的象征色彩，而女主人公在一开始述说她为自己敏锐嗅到的春天气息所感动，更让我认为这是对片名进行解释的点睛之笔，从而加深了“立春”二字对影片无可替代的鲜明的提炼作用，而我却只能从女主人公这段独白中找到大致的印证和答案。

无意间，在这种半知半解、不甚明了的回味中，我由一首古诗联想到《立春》的题旨——宋代杨万里的《伤春》：“准拟今春乐事多，依然枉却一东风。年年不带看花眼，不是梦中即病中。”诗意表中年哀乐不由人的心境，因爱春而惜春，由向往入期待，却空伴东风，任花自飘零水自流，找不到预期的收获和乐景。想那中年人经历前半生之世事纷扰，羁绊愈多，心态渐趋内敛保守，很少再会像年青时那样纯真痴狂，那样意气风发地投身花红柳绿，享受人生之逍遥。这种心境已渐为顾虑、厌倦、忧烦所压倒和蒙蔽，遮住了通向快乐的心灵窗口，因此诗人自觉又无奈。同样自觉而无奈的是《立春》中一年又一年无法收获春天的王彩玲，这个其貌不扬但拥有一副好嗓子的女人，以唱歌剧作为个人的最大财富和人生动力，并以自命不凡的歌唱水平、艺术修养和人生理想去浸润涵养着整个人生观：对男人“宁咬鲜李一口，不要烂杏一筐”的高要求，始终心系北京的追求和行动，对无知民众的不屑，与同病相怜者的亲近，对拿自己当陪衬的接近者的驳斥。她对于春天，不仅有期望，而且还有持之以恒的努力和孜孜不倦的投入，以及她刻意营造的假象——认为她性情古怪但终将登上艺术殿堂的舆论环境，这也是为脱离曲高和寡的小城市而增添的一点口实和气氛。只是走过每个满怀希望的立春，她都空手而归，不是她“不带看花眼”，而是花儿不向她开放，徒有惜花人，空怀恋花梦，只因花不在，唯留遗珠恨。很难说她的理想是拔高了的自我定位，毕竟她也确实具有过人的天赋和才华，而且每个人都有做梦的权利，人们也提倡为了梦想不断拼搏的进取精神，只是现实不由人，很残酷，往往当你达到攀登理想高峰的地步时，就将你压在山脚阻碍你，也不从群体中分出一点儿激励和关怀给你，而你又不向他们让步，你就只好陷入自我困境。但是陷入并不代表沉沦，王彩玲在寻梦途中历经种种失败和打击，却没有否定自我、移情改志、自暴自弃，不像黄四宝和胡金泉这两个也曾为艺术着迷的同伴，最终却选择了和群体、他人作对，要么道德沦丧，要么精神崩溃，触犯了法律，更扭曲了孤苦不堪的心灵。王彩玲没有采取进一步和群体对抗的方式，那样会加深一个女人的无助，她开始需要依靠和安慰，因此她向眼前的城市迈进了一步：去婚介所——后来因邻居的失败婚姻而放弃，就直接领养了孩子。孩子成了她生活的伴侣，也让她的感情有了寄托，还能充当她的观众，仿佛女人有了孩子就拥有了足以过活的一切。片尾，她和孩子在天安门广场对儿歌，随后出现的画面是她在北京大剧院的舞台上歌唱：“你为什么对我如此残酷”，然后影片结束。母爱的滋生丰润着她已枯竭的感情，而她的心愿甘之如饴，鲜活如前，是一团永远不灭的圣火，燃烧着她那黯淡的过往。

在怀才不遇的人眼中，每一个“立春”就像是一列开往春天却消逝了的火车，载着心底的希望和祝福而去，却没有载回任何回报，错过了沿途的风景，也载不回绚丽的春光。坚强的人只能伫立在空空荡荡的站台上，迎风流泪，随即复归理想，行走在他人的质疑中，现实的阴影内。这个真实的王彩玲，演绎出了真实的故事，才让人于暮春之时回想起立春的那一点残留的清冽和料峭，心头泛起一点绵细的凉意，微醺的清醒，温润的刺激。

《立春》：每一趟依春而立的旅行 作者：月牙

飞不远的风筝——评田壮壮《蓝风筝》

《蓝风筝》是田壮壮导演的，曾获得第六届东京国际电影节最佳影片奖。然而，电影却遭封杀。据说，导演曾气愤地说，他拍的电影是给21世纪的人看的。很幸运，在2008年的4月份，我在一大堆盗版碟中发现了这部十多年前拍摄的影片。

树娟的命真苦。
她与少龙结婚后，有了自己的孩子—铁头，本憧憬着安稳幸福的生活。可少龙成了“大鸣大放”的牺牲品，被划成右派，劳动改造的时候不幸被倒下的大树压死。
少龙的同事，国斌，成了树娟的第二任丈夫，却因三年“自然灾害”时期，因过度劳累及营养不良，得了肝病死去。
老吴，一个正直忠诚的国家干部，树娟的第三人丈夫，文革中被划成反革命，被红卫兵批斗而死。
朱瑛，树生漂亮的女友，在军队文工团工作。因拒绝陪首长跳舞，辜负了党的培养，不讲政治，被强制转业。更因顽固不化，不思悔改，被打成反革命。

政治像张网，无处不在。

革命，到底啥玩意？不懂，树娟的母亲更不懂。他捉摸着这个悲惨的家庭，树娟、树生、老四，悲凉地说，这革了大半辈子的命，怎么就没有尽头呢？是啊，这真是一个匪夷所思的民族，57年反右以后，民族又进行自我革命近20年，受害人数据说以亿计。人性的颠覆，就是在人类历史上，也是少见。
树娟安慰母亲要正确认识这场革命。树娟难道真的“正确认识”了这场革命？善良贤惠如她，因为帮助老吴最后也被打成反革命。

影片最后，树娟面对红卫兵，心中的怒火终于爆发，“你们这些畜牲！”。铁头拿着一块砖头狠狠地向那个“畜牲”拍去。结果，铁头被红卫兵拳脚相加打瘫在地，嘴角流着鲜血，悲伤绝望的眼神，望着挂在树上破败的风筝，他那心爱的风筝…………………………。

我思考着电影结尾，树娟对红卫兵的怒吼，这真的是一群畜牲吗？的确，他们确实是一群畜牲。畜牲作恶的时候，是不知道自己在作恶的，因为畜牲分不清是非伦理道德。而知道是非仍去作恶的人，那就简直连畜牲都不如了。

悲惨的家庭，悲惨的故事。然而，这看似偶然的悲剧，其实是一种必然。在历史的洪水中，羸弱的个人又怎么能把握自身方向呢？只能任由洪水冲击。这个悲惨的家庭，只不过是那不堪回首的年代万万不幸家庭的缩影罢了。

现在，当年的红卫兵们，出来忏悔的又有几人？有不知廉耻者，甜蜜地回忆着当年的红色浪漫革命。更匪夷所思的是，红色袖章、红宝书等竟然成了时髦的符号，多少人知道这符合背后是我们民族的巨大悲剧呢？南京大屠杀，我们铭记于心；反右、大跃进、文革，我们更不该遗忘！

似乎，噩梦已经渐渐远离这块沉重的土地，然而，谁又敢确定这撒旦的幽魂已彻底远去？

电影中，树娟从箱子里拿出一块红布，那是他和少龙结婚时用来登记彩礼的。她对国斌说，她心里一直很蹊跷，这红布上的很多人都已死去，难产死掉的、批斗死掉的等等，每当她看这块红布的时候，心里就紧张的要命。

也许，这个民族的不幸，就是亿万灵魂镶嵌在一块无边的红布上。而那希望的风筝，总是飞不远，并归于破败。这，就是我对电影《蓝风筝》的解读。

飞不远的风筝——评田壮壮《蓝风筝》 作者：凯尔特的薄暮

立春之殇

今年成都的春夏之交乍暖还寒，走出电影院的时候，寒风乍起，我和同伴不禁齐齐将拉链拉起。
转过头，顶着风，我同伴说“真是不容易”。

　　《立春》，是今天一直想去看的一场电影。和完全不知道这电影的人聊起想去看，他会问顾长卫是哪个？和看到过这个新闻的人聊起，他会调侃起蒋雯丽那露背的海报；和知晓这电影内容的人聊起，他会直接说我：你丫就是一伪文艺青年。

　　立春就是讲了这么一个，以及这个人遇到的周遭一群或真或伪的文艺青年的故事。

歌剧文艺青年王彩玲，口口声声“中央歌剧院正调我呢”，而实际上却连歌剧院的后勤都进不去，只有冲楼梯大唱“为何如此伤害我”的份儿；一夜美梦以为春天到来，却被爱的人把它掷在地上摔得粉碎；她讲梦想寄托在罹病的天才女孩儿身上，却无法承载这童话背后的谎言……当梦想、爱情相继离她远去的时候，她选择了亲情，乡下的父母和她领养的兔唇女儿成为了她新生活的开始。

　　如果你看过顾长卫第一部电影《孔雀》，或者许鞍华导演的转型之作《姨妈的后现代生活》，便会记住这样一个名字：李樯，这个男人不厌其烦的用笔叙述着一个个梦醒了又碎、碎了又醒的故事。这一次，梦开始在一个全景中土色、平庸的无名城市里，做梦的文艺青年们操着包头话，心高气傲却撞的头破血流：画者沦为骗子，诗者成为小市民，舞者自欺欺人得在狱中起舞。片子中不止一次的提到这个城市，“在这个城市呆下去的勇气”、“这个城市的一根鱼刺”……这个城市似乎与他们格格不入，甚至成为了扼杀他们的刑场，只有北京、甚至是巴黎，才是心之所往的伊甸园。后来，这个城市的杀人力量集中体现在舞者胡金泉的股市里，昏天黑地跳了十几年舞在他身上留下了一股挥之不去的抚媚之气，口水的力量终于让他在看似走投无路的情况下走向极端，狱中的他再次笑着踮起脚尖，王彩玲却哭着跑了出去。这梦，真的碎得鲜血淋漓。

　　梦碎了也好啊，偏执的编剧却给他的人物更加执拗的性格，不到玉石俱焚不知道这文艺的“害处”。《孔雀》里的姐姐选择平淡嫁人；《姨妈》中的姨妈回到鞍山麻木过活；而现在的王彩玲，和乡下的老父母修补亲情，为收养的女儿治愈兔唇，平淡的生活，有什么不好呢？也只是，在天安门广场陪女儿女玩耍之中，抬头看着这个曾经梦幻中的城市，她会在偶尔这刹那缅怀自己曾经的梦想么？

　　其实，我相信并没有多少观众会与这种电影产生共鸣，不过都是在观赏他人梦碎的悲剧，感叹一段时间之后便渐渐淡忘掉罢了；充其量，会有人在现实里如他们一般偏执，但现实生活的磨砺估计也早已磨平了各种锋利的棱角，就像有人说过的那样，梦只是年轻的专利。如此，电影不过也只勾起了关于年轻的情怀，对于梦想的沉淀，而这怀念的时间，仅仅温存在电影结束之前。于是，有人喜欢这电影，有人却厌恶得咒骂这只是伪小资和伪文青儿的自我陶醉，或说是“为赋新词强说愁”的无聊调调。于是，当结尾导演打出一行字幕“以此情此景献给所有的王彩玲”，也不禁让人产生矫情的感觉。脱离现实的这场梦仅能给我们一些感慨，而它也只成其为一部电影，一部观者寥寥的电影罢了。

　　导演在讲述这部电影片名的时候，说道“立春之时，春天却未至，天气依然寒冷，但人们心中已经有了对春天和温暖的渴望”。我喜欢这句话，其实日子也便是这回事儿，追梦寻梦，梦圆梦碎，现实怀揣梦想，梦想照进现实。就像有立春，年年日历翻至此处，春天的梦早已在每个人心里孕育开来了；也就像人生虽有理想未达，现实会有改变，新的理想亦也一定会再次出现。人人心里有个梦，就永远不会绝望。

立春之殇 作者：作者：wells （转载）

心底里的《颐和园》

据说《颐和园》当中有十分暴露的场面，于是赶紧就买了一张，晚上趁小小余睡了之后审阅一番。在浏览过激情场景之后，又连着把片子从头至尾看了一遍半，觉得还是有可品味之处。

先说导演娄烨，挺愿意出想法的一个人，拍过的片子大多追求意识流。但是，虽然追求抽象，但他内心有被人读懂的需要，因此一般也不会拍出过分晦涩的东西来，故事都会有个前因后果。查了下生日，大约是三月份，可能是双鱼或者白羊，但肯定受双鱼的影响，根据是，当记者采访他的时候，他大多用“没想过”“差不多”来回答。

颐和园故事并不复杂。八十年代后期，来自东北图们的女孩余虹进入了北京梦寐以求的著名学府——北清大学。余虹从小没有母亲，她个性叛逆、浪漫，喜欢任性地体验生活，同时有着引人注目的美丽。进入这所大学之始，她的特立独行就受到同学的议论纷纷，直到认识了另外一个意识现代的女孩李缇，二人很快形影不离。李缇有一个公派留学德国的男友若古，有一次回国，若古带来了朋友周伟，一个帅气儒雅的男孩。余虹和周伟一见即倾心，他们如其他大学的恋人一样，时常在学校附近的颐和园漫步，而不久，就开始在李缇的宿舍里幽会。周伟不怒自威的仪态，让余虹认定他就是她想要的男人，她开始按照自己的方式，肆意徜徉于爱情之中。

然而，由于余虹放纵的感情需求和强烈的嫉妒心，终于使周伟渐渐感觉压力，他们之间开始不停争吵，分分合合。不久之后，承受不了失恋痛苦的余虹，趁着混乱回去老家图们，从此结束了他们之间青涩的恋情。

分开之后，余虹和周伟两个人天涯各一方。余虹独立而艰苦地生活着，继续体验她混乱任性的感情，她不停地爱与被爱，还曾经堕胎。她发现她已经不敢再真正去爱一个男人，只宁愿一次又一次投入自己的肉体，周伟成了她心上拂之不去的阴影。周伟则和李缇一起到了德国柏林，在若古一无所知的情况下，他和李缇维持着肉体上的关系。但是，尽管周伟在柏林生活数年，却始终感觉在国内有一份未了的心结，他最终决定回国。就在他回国前夕，李缇在他和若古的眼皮底下跳楼自杀。

周伟在重庆重新开始生活，一次偶然的机会，他得知余虹已经结婚的消息。他忍不住和她联系，并赶到她生活的京秦高速服务站去与她见面。可是，再次相见的二人已经无法继续从前没能结束的激情，最后各奔一方。影片的结尾，她去给他买酒，经过高速路边，看到他开着车扬长而去。

娄烨的片子始终喜欢用象征做片名，比如当初的《苏州河》和《紫蝴蝶》。而这部《颐和园》，似乎用它的英文名会更加容易理解——summer palace。事实上，在影片中颐和园波光粼粼的影像只是短暂地出现在主人公热恋时期，而且并没有起到大量借景的作用。但正应了余虹在片头的独白所说：“有一种东西，它会在某个夏天的夜晚象风一样突然袭来，让你措不及防，无法安宁，与你形影相随，挥之不去，我不知道那是什么，只能称它为爱情。”summer palace是在主人公生命中的夏天出现的一方永不可替代的心底里的桃源，象征着人们在青春年华时候强烈和毫无束缚的爱情体验，那一份挥汗如雨、挥汗如雨的激情、浪漫、嫉妒和性爱，一切一切，都是在夏日无可替代的畅快淋漓的感觉。片中那些幸运的男女，都拥有和释放了最透彻的年轻。

余虹神经质的放荡和美丽，窒息了周伟的同时，也在周伟的灵魂上烙下永难释去的印记。他错误地认为余虹的放纵是危险和脆弱的符号，后来选择了看上去极为洒脱和成熟的李缇作为自己情感和肉体的地下伴侣。但最终，意识到永远不可能取代余虹在周伟心里的地位，在周伟毅然回国的前夕，李缇一如她一向表现的那么果敢，带着一脸的无所谓，在周伟和男友若古的面前从楼顶仰面倒向柏林的土地。周伟软瘫在地的时候，他或许想不到，他认为脆弱的余虹，却在地球的另一个地方卑微而勇敢地生活着。他不知道，余虹对自己的没有收获的爱，顺理成章地成为了支持她活下去的浪漫脚本，她在这种痛苦之中更有存在感，也更勇敢。比起李缇和周伟，她更敢于面对自己。

summer palace只存在于时间意义上。尽管当人们离开它之后，它仍会不停地召唤他们的回归，但他们却永远不可能再回得去。当影片的结尾周伟千里迢迢赶去与余虹再相见，二人却相对无语，他们又去开了房间，他从身后帮她脱去外衣，他们仍然不可能再继续发生什么。同样是叫做周伟和余虹的两个人，心中是同样的一座summer palace，但是心却已经被永远隔开了。而隔开他们的东西，叫做生活。

我想很少有人会因为性爱场面之外的东西对这种体裁的片子感兴趣。但好在娄烨有市场意识，《紫蝴蝶》中他就运用了名人效应，《颐和园》里有大量超大尺度的激情场景，何况主演郭晓冬和郝蕾也很难只用“顺眼”来形容。很看好郝蕾，清纯迷茫的表面之下一股邪劲，眸子乌黑，任性的鼻尖和嘴唇，美貌有股杀伤力。AB天蝎的她据说生活中也比较“混乱”，可见是很能够投入的一个人，从戏里她大尺度的表现完全可以看出来。而且AB忘我的特质很能够帮助她释放天蝎座深沉而激荡的情感，这一点对于双鱼导演娄烨是很有表现力和说服力的，让他含糊的意思展现得更为清晰和锋利。郭晓冬奉献了自己的正面和反面的全裸，卖相均不坏，他儒雅内敛的气质让戏里两名女性生生死死，也足以说服观众。只不过娄烨毕竟不具备在北京长大的经历，只是在长大成人之后认识了北京，所以他即便想拍北京的精神却只拍了北京的皮肉，貌似人物都比较沉郁和乖了，颇不像北京校园的感觉。

最后很不好意思地透露一下，看影片的时候，哭了几次。不知道是因为我的太阳合冥王，电影唤起了我那与太阳相合的天蝎影子翻江倒海，还是结婚生子之后对强烈的感觉已经有些陌生了。

心底里的《颐和园》 作者：kittymami

美人谢迟暮 不教见白头——五年祭蝶衣

萧萧西风，漫漫红尘，翻滚涌动的不过是悲欢离合爱恨情仇，可惜凡夫俗子们的人生更多的不过是的柴米油盐，寻常平淡的眉眉眼眼如锅里填肚子的薄粥般索然无味，相形之下，上画入戏的英雄美人们更是格外照眼，彩衣金甲，惊世倾城，只需在眼前一晃，刹那间便是迷魂夺魄，恍然惶然的只可远远观瞧，冷不防一个眼波流转，媚气如丝如烟细细缠在心上，天地间任是什么也失却了颜色，若再加上婉转歌喉泠泠的唱，西皮二黄忽紧忽慢着意敲打，抬眼看去，鹅黄金紫姣红靛蓝纷飞翻舞，一个回身亮相，红唇微挑，难画难描，辗转间不知留下多少动魄惊心，恍然神迷。

无怪乎会出了那么多戏痴戏迷戏狂，失心疯一般追随奉捧，从来艳色重天下，几尺戏台上那些曼妙身影早已模糊了性别，甚至时间——朝朝代代，水袖罗裙，迤逦而来，翩然而去，兰花指丹凤眼芙蓉面庞杨柳腰肢，甚至不须开口，只得莲步轻移在众人眼前，光影绚烂之下婉转流盼，其间横生百媚，恐怕是台底下哪位姝妍佳丽也不可望尘。

这就是旦——百年舞台上最娇俏那抹身影，伴随他们的总是莺啼燕喃，花木流香——是的，他们。旦者，阳也，纯男性的火热刚强，却要在于大庭广众间演绎至阴至柔，要眉眼不可方物，要倾城倾国。

连局外人都要迷惑了，何况是你，就在此山之中的你——“我本是男儿郎，又不是女娇娥……”是的，你是小豆子，是母亲用媚笑和菜刀推到另一个戏台上的妓女的儿子，是会用身体温暖为自己受罚的师哥的小戏子——鹌鹑戏子猴，见不得光的命运从此彻底被丢进一口更黑的染缸。

生活不会允许你迷惑太久的，娇娥不娇娥，岁月给了你答案——你是虞姬，是贵妃，是丽娘，是一片片似水流年里永远惊才艳绝的如花美眷，是众看客眼里销魂蚀骨的勾魂倩影，玉壶光转，一夜鱼龙，赏心乐事，美景华年。

但你不狂，不躁，也不太贪——只要那么一点点：戏是一辈子的戏，人也就是一辈子的人了吧！可以在绚丽灯光下永远与那英武身影缱绻衷肠，看他永远情深难舍不弃不离，为自己英雄下泪霸气敛锋——何等之幸呢！就算最后要香消玉陨自裁以报，也是无怨无悔的。

所以每每把宝剑横在颈子上，嘴角都有一抹自己才知道的笑纹，知道这个人至死心上也会有自家身影，挫骨扬灰，莫不敢忘。

台上台下，戏外戏中，眼里心头，再没有别人。把一双玉手轻轻卡在那虎腰上，眼波盈盈熠熠，你觉得他懂。

说好一辈子就是一辈子,差一年一个月一天一个时辰都不行——你的梦很美，是的，只能是梦，不疯魔不成活，你永远是虞姬，他却知道自己名叫段小楼。

于是会有那个心思缜密却愿意为他犯傻的菊仙赤了脚来寻他，自己还要抛给这女人一双绣鞋——金面彩绣，鞋头一对俏生生粉毛团——是你的不假，可是下了台，你只能看着他们上了别人的身。

一笑万古春,一啼万古愁,此景非你莫有,此貌非你莫属——可你依然没资格和那人名正言顺的天长地久，假霸王真虞姬，真男儿假娇娘，大概，还是你糊涂。

看遍繁华过尽千帆，你却依然苦楚不堪——所求不得，所寄非人。

可是还要纠缠，带着些决绝和气苦，任谁，也该不甘心。哪怕亲眼见得那曾经虎虎生威顶天立地的霸王硬生生变做跳梁小丑，你一腔的怨毒还是一丝不漏的泼给那个女人，哪怕你知道她的“无辜”——她的心思能见阳光，衬着你自己的绝望，更加幽暗难忍。可纵使痛到极处，你依然不肯针对那人，那是你的霸王，你自认的唯一。

你是虞姬，自始至终没有丝毫改变。你的归宿就是用那把心爱男人心爱的剑自戕，一骨一血也不再给别人，所以你这么做了，天经地义，合情合理，依然是芙蓉如面柳如眉，永远的尘封成一段艳色传奇，鲜活每个人的回忆，倾城绝色。

他不肯生生世世，你不怪他，但你不能允许自己的苍老彻底抹平那段绯色生命，你要他记住，哪怕代价是自己的肉身，和灵魂。

入戏太深，你已无法回头。

下笔至此，我也恍然——脑海笔尖辗转的，是蝶衣，还是哥哥？

可能就连你自己也分不清了吧！覆水难收的最后，你纵身一跃，仿若破茧而出一只艳绝彩蝶。也许是这个肉身太沉重了，你想要纷飞的灵魂才会如此决绝。

血似胭脂染蝶衣。

于是你变成一段传奇，一种永恒，人间从此多了一段令人唏嘘的挽歌，少了一个让人慨叹的白头。

自古美人谢迟暮，不教人间见白头。

美人谢迟暮 不教见白头——五年祭蝶衣 作者：烟雨连江

《左右》：浪费了一个好故事

记得以前财经频道的《头脑风暴》节目邀请王小帅做了一回嘉宾，那期节目的主题是回顾2007年的商界，评点最具价值的公司和个人，一起做嘉宾的有王志东和一些经济领域的人士。当时我就觉得王小帅参加这样一个节目非常奇怪，对主办方的邀请他的目的表示怀疑。然后在谈到史玉柱的巨人公司在纳斯达克上市的时候，王小帅发言了，大意是你们刚才讨论了半天，我基本上没听懂，但你们刚刚讲他的网络游戏发展到美国去了？我觉得是件好事，可以去祸害美国的小孩了，别在中国害人了，这个上市很好。我当然不怀疑王小帅会分不清上市推广游戏是怎么回事，但这样一段发言，让我认识了一个率真的王小帅，率真的还像个孩子，有着简单分明的价值观。于是，《左右》这样一个人性复杂、感情纠结，挑战传统伦理道德的故事，让王小帅整的太过直白和简单，影片没有停下来让观众去体会一下那种反复和挣扎，一切都在玫竹的不容商量的语气下被推动，包括观众。

玫竹，爆发了母爱的女人，也是争议最大的一个角色。她和肖路离婚时什么都没要，只带走了女儿禾禾还有恨。我不能体会到她当时的伤痛，但我理解 “一辈子都不会见他”是怎样一种决绝。在那样最艰难的日子，禾禾是她生活下去的支撑，这也不难理解女儿对于她生命的意义——治不好，我会抱着她一起死。至于老谢，我相信她从来没有爱过，一个受过伤的女人是很难再去爱上谁的，和他在一起，只是生活的需要，尽管“他是上天赐给我的最好的男人”。也许这样的好，是说他不会像肖路那样再带给她伤痛。我无意去批判玫竹的自私，只是影片中我没有看到她在女儿和老谢之间的挣扎，左和右，她似乎毫不犹豫地选择了左，然后以坚定的口吻摧毁掉别人的矛盾和挣扎。从对董帆，开始时“我会找她谈的，我会求她，我欠她的，下辈子、八辈子都还给她”，到后来的“我不管她怎么想”，她心中对老谢的态度可窥一斑。也许直到电影最后一个镜头，她才会重新审视眼前的这个男人。
　　
　　或许她能从身体上救好一个孩子，但是她在心灵上伤害了两个孩子。
　　
　　老谢，四包烟完成蜕变的男人。导演说他是本片的男主角，也许从他身上体现出了极少数人才有的人性光辉，不然只从出场时间上来看，我还真不信。极少数人，是因为这是不被传统价值观所承认的，是轻易会被扣上“窝囊”这样帽子的，但是老谢过了自己那一关，通过四包烟。影片中两次描写了他买烟的经过，弓着背，从矮小的杂货店钻出来，走到大铁门旁，靠着，抽出一根烟，夹起，塞进嘴里，点火，深吸一口，然后开始定格。没有人知道那一刻他在想些什么，大家只知道抽完这根烟之后他回到家便嘿嘿地笑，像是什么事也没发生。事情的发展留给他的选择余地并不多，他没有什么能改变的，能做的只有接受，影片最后给他的特写，是一个疲惫、苍老、无奈又想掩饰的表情。可怜之人必有其可敬之处，这里的可怜，只从世俗的角度来说。
　　
　　肖路，乱乱乱的男人。他说的最多的一句话就是“我这儿都乱的一团糟了”，这是个典型的遭遇中年危机的男人，事业和家庭的双重压力让他心力交瘁，无力应付。虽然男人的理智能帮助他看到玫竹的不理智，“做人不能太自私了，你这样做对得起谁？”，但是他并不能改变对方说服自己。考虑的问题越多，人越难做出决定，于是在半推半就之间，在其余三人都帮他做了决定之后，他才去医院。
　　
　　董帆，莫名其妙的女人。她和老谢的角色定位应该一样，但是男女的差别让她的戏剧冲突不是那么强烈。也许王小帅认为这样的角色只要老谢一个人撑拖就够了，对她的处理明显减少和粗糙了些。如果说老谢有了几年做禾禾爸爸的经历，从疼爱孩子的角度来说，老谢的升级还好理解，董帆只见过孩子一面就能完成老谢同样的人格升华就显得太突兀，尤其是后面说飞机遇险的时候，脑中第一个浮现的是禾禾的面容就更牵强了。
　　
　　以上言论，仅是我看了公映版本之后的一些感受。听了一些坊间传闻，感觉删减和改动的地方还是有的，期待着能早日看到完整版本。

《左右》：浪费了一个好故事 作者：冯大仙 （转载）

《耳朵大有福》——久违了，中国大片

这种类型的电影注定是无法在电影院看的，所以本人又在某个宁静的深夜，找到一个资源丰富的电影论坛，非法下载了这部电影并认真观摩到结束。

还是明眼人明白，时代需要的不是让人强颜欢笑的电影，而是让人久久回味的电影。没有什么比现实更震撼人，没有什么比用电影来反映现实更打动人，我想中国肯定有许多像张猛这样的导演，只可惜国内少了像韩国这样的投资方。什么是“大片”？不是一段段五光十色的视频，而是一段段工工整整的镜头。

向一直在春节晚会上被赵本山忽悠的范伟大叔致敬，一个最质朴的演员用一部最“中国”的电影告诉了我们这些俗人，什么叫做演技。范大爷的小品是忽悠的，范大爷的电影是不忽悠的。在这里真诚地说一句：辛苦了，老范。

影片几乎让我们和现实零距离：混乱的城市结构，辛苦恣睢的人们，中国老百姓的市井生活在导演张猛的镜头下一个个妙笔生辉、历历在目。电影背景音乐被我们耳熟能详的通俗歌曲所替代。而这样的场景和声音带给我们的临场感是一种说不出的烦乱和亲切。所以你会在一种既爱又狠的状态下细细琢磨这些影象。而和现实题材比起来，那些不知所云的古装戏看起来是如此好玩，怪不得会被人民争相恶搞。所以为什么“中国三大男导演“不敢碰现实题材，是因为他们已经没有在现实“生活”了。在中国大导演的镜头里，画面中的每个角落都是光滑细腻的，而在中国导演的镜头里，画面中的每个场景都是自然直接的。

《耳朵大有福》向我们摆出了这样一个问题：其实我们每个人都只是想寻求一点世道的安慰，可世道告诉我们从来都只能聊以自慰，中国的普劳大众几千年来都是抱着得过且过的心态。但正是这样的心态，却越是过得辛苦恣睢，也许习惯了无奈也就不觉得辛苦了吧。而对于影片中的王抗美来说，退休不是光荣的，全年无休才是得体的。

我知道这又将是一部无法得到“野鸡翠花奖”的电影，可是对于“耳朵大有福”范大爷来说，谁在乎？因为“红军都是钢铁汉，千锤百炼不怕难。”而之于观众的我们可以和王抗美一样，不知道马龙和白兰度是同一个人，但是必须知道中国有那么一个人，他叫王抗美。他，就是我们。

很感谢在如今亢奋的影象世界里还有这么踏实的电影，在国产大片迎来一轮又一轮的票房记录时，不知道这样的电影会走向何方，现在我们只感到中国电影空前繁荣昌盛，给这时代需要娱乐的人们带来无限的虚荣。旧历年快要过去了，不知道什么时候国产大片还会再次出现。

《耳朵大有福》——久违了，中国大片 作者：198668mark

耳朵大了不一定有福－－《耳朵大有福》

音画效应的反差而表达出来的社会文化和价值观的分裂。

说社会文化分裂似乎有点严重，但至少在片子中，我能看出来这种分裂。社会已经形成了的裂缝是：年轻一代和年老一代价值观的背离。片子常常采用一幅纪录片式的画面内容，而配歌曲则是中国许多小城镇中都能听到的俗里俗气的舞曲（比如说《不怕不怕》），一些港台歌星的打榜歌（张韶涵的《隐形的翅膀》、《今天你要嫁给我》），而早已成为大耳朵那代人情感存储的旋律的《长征组歌》则只能在大耳朵失意之后短暂的自我逃离时听得到。

当下这个时代标志特征是随意和颠覆，对责任的随意取舍，对传统的可以颠覆。像大耳朵在澡堂子里朗诵的那几句词，早已随着时间的流逝而永远尘封在他们那代人的回忆里了，带走的还有那个时代的铿锵和挺拔。

在市场经济发展无序的地方，花钱（并非消费）的观念却深入人心，消费的内在要求是买卖双方的责任对等，我花钱，你服务，服务和花的钱应当符合市场的平等。而在片中，当大耳朵问小姑娘电脑算命这一服务的消费流程是“先算命还是先设计”时，得到的回答却是“先交钱”。这时，本应的消费行为却完完全全堕落为花钱。

大耳朵这代人对于年轻的一代，其实是无能为力的，不仅仅从年龄上大耳朵要退出社会舞台了，而是先从观念上“落伍”。大耳朵嫌电脑算命一次要三块钱贵，便“诈”小姑娘说“那边算才两块”，但是他碰到了比他更“懂行”的后辈－－“那上那边算去吧”。本以为市场就要有“竞争”的，价格比对会对消费者更有利，可他不知道他面前的这个小年轻完全用屁股对着他说话，神情和态度更是非常“吊”，“你爱算不算”的卖方态度颠覆了老一代人的买卖观。这只是上面提到的裂缝的一个冰山之角而已。代之间的观念差异，还可以从大耳朵和一个女青年做猜谜游戏的问答中体现出来。“冬吃萝卜，夏吃什么，不用大夫开药方”和“孟什么女哭长城”的大耳朵憋死也无法让女青年从自己那些“雪糕和冰果”以及“孟庭苇”的思维中猜出那个“姜”字来，于是，这个小小的猜谜游戏便让两代人僵死了。

音画的反差体现出的是片子的真实度，在中国确实是这样的。起码我身边的这个城市就非常相似。在俗文化早就变成低俗文化的小城镇剧团中，根本容不下大耳朵的革命情愫，宁他唱到两眼是泪，却依旧不能同满街的拙劣舞曲共存，而最终被排挤下去的，无疑是红色理想。不能说剧团老板没有理想，只是他这理想更为现实，更加实用主义了。

我不知道像大耳朵这样非常传统的老汉还能在处处是“第三者”、“传销”、“卖霸”、“不肖之子”等等污水里保持自己的信念和信仰多久。令我感动的是，大耳朵坚持住了，片子最后一个镜头是一个长约1分40秒的长镜头，大耳朵独自骑着自行车，挂着碎了胆的保温桶，高唱“革命理想高于天”的豪歌继续迎接着生活的摔打。

结果呢？谁知道？确定的一点，不是大耳朵过日子，是日子过大耳朵。

耳朵大了不一定有福－－《耳朵大有福》 作者：kruiser

《耳朵大有福》：生活本无奈，小人物也有大志气

千万不要被如此搞笑的海报和满含福气的片名所“欺骗”，虽然之前的宣传无不说明这是一部让人尽情享乐的喜剧，那只是夹击在大片中无奈的选择和策略。电影有很多搞笑的小段子小台词，笑过之后却是无奈和心酸，不至于让人痛哭流涕，却会引发无限深思，我喜欢这样的“欺骗”。

范伟说电影是“精致粗粮”，的确，相比大片的高成本，大制作，它出身卑微，就其质量而言只能算作“粗糙”，但绝对精良，无论是意识还是诚意。在左战争右兄弟的强势轰炸下，能有一部真正属于咱们老百姓自己的电影，本身就是一种“福气”，这才是悲喜交加的生活。

生活没有那么多大起大落，激情四射、跌宕起伏，那是小说。生活本来就是平淡甚至粗糙的，柴米油盐酱醋茶，哪个涨价都能让人抓耳挠腮。那些光鲜、那些奔驰洋房，对于大多数人，只是“艺术”，只是杂志，或者一醉方休后沉入梦想的“哈喇子”，快乐一点也就是茶余饭后关于某老板和某千万携带者的谈资。

电影很平淡地展现着退休工人老王的两天生活，算不上一个完整的故事，却恰恰是对生活最真实的还原体现，那些，就发生在你我的身边。耳朵大，有福气，是我们经常听到的民间说法，无关迷信，却表达着对幸福生活的无限向往。范伟的角色很有福相，不仅是耳朵，还有那张颇有喜感的“猪腰子”脸，可他的生活真有那么多福气吗，想来是一种自我安慰的心理治疗吧。

退休在家，银根紧缩，妻子卧病在床，儿子不务正业，女儿婚姻不幸，无数的压力压得他无法透气，只能靠“新闻联播就啤酒”苦中作乐。他斤斤计较，算计毫厘，却大方掏出一百块犒劳为自己女儿出气的朋友，这是一种豪气，一种尊严，更是一种责任。台词说的对，还有什么比妻子儿女顺利更让人安心的呢。身为人父才知做父亲的疾苦，当看到老父亲每天连顿像样的伙食都没有时，那一刻他表现了前所未有的愤怒，很高大。也许，身边的家人对于他才是最珍贵的。

不把日子混好，就会被日子混掉自己，所以他不抛弃，不放弃，一直坚持着追求更稳定的生活。他寻求单位的帮助，企图用“工伤”为自己的开销多一点保障，虽然只是美好的一厢情愿；他勇于开拓头脑，“网络”、“商务”，不违法，都是新名词，结果搁一起成了“传销”；他细致观察，偶然的商品促销活动也能让他找到合作的商机；他不断探索，擦鞋、拉车、唱歌，每一个细微的机会他都不放过，因为他始终把握着内心最根本的信念。

命运像流沙，无论如何紧握，都无法改变最终滑落的结局，这正是电影很悲情的地方，老王努力想改变一切，却不得不面对无奈的生活。命运有时候就是这么不公平，老王算命只想算下半生是为了节省一块五，那些擦个鞋也能耍无赖的社会败类，却仍旧每天貌似光彩地出现在街道的东西南北，难道因此就要放弃吗？

老王不是大人物，更不是英雄，甚至比很多普通人还要脆弱，他无法战胜困难，却也不甘心被打垮。尝尽了生活的苦涩，被生活撞得头破血流，他依旧坚挺。对着灯，他内心宣誓，我要好好活，开心一天，不开心一天，不开心就赔了。所以他深更半夜把车修好，然后潇洒地给舞伴打了电话，“出来，跳舞！”就这么简单的释放，他又勇敢地面对着生活的挑战。什么是男人，拿着炸药包炸坦克的是男人，老王也是！

“整死我啊，我正不想活了，欢迎整死。” 这不是放弃，更多的是对无奈的控诉和愤怒。但是，既然整不死，那好，就收拾收拾，出去人模狗样地活吧。日子是一点一点过出来的，不是说出来更不是想出来的。生活本来就是问题叠着问题，然后想办法解决老问题等着新问题。别管生活苦不苦，每天早晨只要看看依旧升起的温暖的太阳，人还是要努力天天向上。夜深了，无论开心与否，终究要进入梦想享受温暖，生活还要继续，路还长着呢，就像长征一样。

这真的不是喜剧，虽然很多台词幽默异常，具备成为流行语言的潜力，可是笑过之后，会发现面部肌肉是僵硬的，一种叫做“苦涩”的滋味，不自然地爬上了左眼的眼角。幽默，可以让人笑到岔气笑到流泪，比如周星驰；也可以哭着微笑，笑中带泪是苦笑，苦是因为无奈，笑是因为对生命还有信心，比如《耳朵大有福》。

《耳朵大有福》：生活本无奈，小人物也有大志气 作者：九弦日

传统父亲意义的消解——我看《向日葵》

父与子，一个永恒的命题，自父权社会以来，父与子从来就不是一对三言两语能说清的关系。从希腊神话的克罗诺斯和宙斯，悲剧中俄狄普斯王父子，到卜劳恩轻松温馨的漫画，屠格涅夫严肃深邃的文学作品，表现这一命题的作品丰富多彩，而透过这一命题相关作品，我们可以窥探到其丰富的社会学，心理学，伦理学，哲学等诸多方面丰富的内涵。

从上述作品，可以得出这样一个结论，在不同的社会环境，文化习俗下，父与子这样一对关系，有着截然不同的表现方式。各种表现方式，都打上了该民族，该时代物有的烙印。而张杨导演的电影《向日葵》，正是表达了20世纪七八十以来年代的中国，在物质世界迅速发展，传统文化退居二线，这样的一个大环境下的新旧两代人之间的父子关系，其较为写实的风格，一定程度上可以视为对现代中国父子关系的一种普遍反映。

这是一种怎样的反映呢？容我从剧情开始说起：此片开始的时候正是文革的尾巴，张向阳第一次看到刚从干校回来的父亲张庚年，从此开始了父亲之间没完没了的争执。童年至青年，主要矛盾集中在：父亲由于在文革期间，手指被红卫兵打断而画家梦同时被打破，因此，把自己的希望寄托在张向阳身上，希望他成为一名画家。不满十岁的向阳从开始的不满，甚至想以自残手指的方式结束他父亲的训练，到他青年时期，想南下广州见世面却被父亲抓回去，以至后来慢慢接受并成为一名真正的画家。成年后，父子间的矛盾并没有随他成为画家而调和，伴随着父亲想要孙子而向阳夫妇地想过着丁克的生活。

成长过程中对父辈权威的反抗；父亲的愿望与张向阳的自主意愿之间的矛盾：父亲想成为一个传统意义上尽职的好父亲，而儿子却没有成为“孝子贤孙”的意思。张庚年面对着每一个父亲都要面对的事实：自己在不断的衰老，而儿子却一天天的长大强壮。从父子的父强子弱，到势均力敌，再到后来父弱子强，在这过程中的一次次冲突，张庚年与张向阳，都开始反思自己的作为。当张向阳决定要了孩子时，张庚年也省悟到，自己为孩子操劳这么多年，也应该为自己活一把，继而给家人留下录音出走了。最近，当向阳的孩子出生后夫妇回家，看到了家门口摆放着一盆向日葵。

片中表述的这种父子关系，应该说是具有普遍性的。相信不少人都有过相似的经历。而我想讨论的是，这种父子关系是否合理，以及片中最后父亲出走以及门口向日葵的象征意义。

片中这种父子关系，我们再熟悉不过。或多或少，这是一种父为子纲的变形。在传统社会中，社会关系远远重要于个人，个人只有在社会关系中，才能体现出其价值，意义。而在全球化的今天，受个人主义冲击的当下，诸多传统文化开始瓦解。启蒙运动以来，个人意识的觉醒，无疑是对诸多原先的社会权威的挑战，而父辈权威，正好首当其冲。上述变化的出现，迫使我们不得不面对这样的一个问题：人，究竟是作为一个自然人先于作为一个社会人存在，还是作为社会人先于作为自然人存在。父亲究竟有无权利凭借着父辈权威及父子关系使儿子按自己意愿行事？儿子究竟有无权利根据自身意愿作出反抗？而父亲将自己未达成愿望投射于儿子身上的作法，是为了儿子还是为了自己？

复杂的现实常常不能以黑白是非来界定，正如《社会契约论》中关于自由人的说法也仅仅是作为一种理论存在。片中如何进一步解读父亲这一含义，电影的结尾给了我们答案：父亲恋恋不舍的老住宅，终究还是逃不了拆迁的命运，它只能留在父亲画中，父亲记忆中，同时，也意味着，父亲的时代已经越走越远了。老住宅区旁边的高楼，有如儿子魁梧的身躯，越发衬托出父亲的衰老。种种变化，促使了父亲的思考，在一系列的思考中，他个人意识的觉醒，使得他对个人的意义，对父子关系，有更深的认识。他的出走，他的新生活，在我认为是意味着，传统意义上的父亲开始消解，但却又不是完全消失得无影无踪，在这物质的高楼大厦中，父亲更作为一脉温情，一种象征，存在于儿子的生活中。如向阳门口那一株向日葵，关心着儿子及他的家庭。而身为人父的儿子，从这盆向日葵中，似乎看到了父亲的影子，想到了父亲，向日葵，轮回般地见证了三代人两对父子。父子关系趋于合理、理性，而温情仍在，这应该是现代人所愿意看到的结局。

传统父亲意义的消解——我看《向日葵》 作者：溺水的鱼

一只羊顶翻了一群狼——《我叫刘跃进》

有个笑话讲：一群动物坐船过江，觉得无聊就讲笑话比赛，规定必须讲得全船的动物都笑才算成功，否则就扔到江里去。牛讲了一个笑话，几乎所有的动物都笑了，只有猪没笑，牛很不幸，被大家扔进了江里。轮到羊讲笑话了，所有的动物都没笑，羊也被扔进江里，突然猪笑了起来，大伙不解地问：羊的笑话有什么好笑的？猪说：牛的笑话还真是好笑！……这则笑话的本意是讽刺猪对幽默的迟钝反应，但从另一个侧面说明有些笑话可能并不直接令人发笑，却具有深远的回味令人低徊，而迟顿的猪们却无法领会，或者说不能立即回味，从而产生令人啼笑皆非的结果，黑色幽默往往就是从中而产生。

同样是描写小人物的黑色喜剧片，《我叫刘跃进》比《疯狂的石头》就多了一些让人回味的东西，它涉及的社会层面更广泛也更复杂。影片已超越了仅仅令观众发笑为创作的最终目标，试图让观众在欢笑之余更深刻地展现某些社会现象，哪怕只是冰山一角。影片为此付出了一定的代价，档期一改再改，却意外地挤进了贺岁档，现实的讽刺原来并不比影片本身更弱。当然，比起另一部同类风格的《光荣的愤怒》，影片峰回路转的命运还算可以令人接受。

小说本来创意是一只羊不小心闯入狼群，却意外令凶恶的狼走投无路而丧生，但影片给人的感觉却更象是“螳螂捕蝉，黄雀在后”，片中主要围绕着抢包、找包，偷包及捡包，一环套着另一环，阴差阳错地意外频发。影片的剧情比较紧凑，故事呈多线索展开，刘跃进找包的过程遭遇到社会底层的小人物们也都存在千丝万缕的联系，而与他们对应的严格、贾主任等人的社会上层阶级，他们也都是因为共同利益而产生的关系网络，一点点小意外令本来各自为营的阶层产生了互动，影片的意思他们都是一群弱肉强食的狼，从本质上来说并无区别。本片新颖之处就在于将产生巨大阶级差异的两个阶层嫁接在一起（至少在国产电影中这是很少见的），一只U盘引发一连串不可预知的事件，具有一种强烈的荒谬感，喜剧效果就随之产生。

影片将刘跃进定位为一只闯入狼群的羊，看过影片会发现哪怕他真的是一只无辜的羊，他也是一只懂得随机应变的羊，无论是出于生存本能还是狡黠本性。片中充满了象刘跃进这样遭遇一系列挫折的小人物们的自怨自怜，他们为了简单的生存需要而苦苦挣扎的境遇可能会令观众为之共鸣，毕竟大家活着都不容易。在中国社会中、下阶层占绝大多数，属于社会金字塔的基础部分，但真正的社会底层并不是电影的真正目标消费群体，其中的间距感可以令剧情游刃有余地在其间产生。与《疯狂的石头》一样，观众因底层人物的荒唐可笑的言语行为而发笑的同时在心理上的一种优越感悄然而生。至于政府高官的腐败，还有奸商名目繁多的贿赂，以及官商反目，狗咬狗一嘴毛，并不是影片最主要的反映对象，但还是做出令人民群众“大快人心”的剧情安排，影片在令观众捧腹之余对还起到些许的安慰剂作用。

在演员方面，李易祥的表演受到较高的评价，将民工装傻充愣的小聪明小狡黠表现得淋漓尽致，特别是那一脸无辜的表情。片中知名度最高的演员秦海璐演的发廊女出场不多，这样的类型人物对她来说似乎没有多大的难度。片中留下印象最深的是圈中人的友情演出，高军的秘书、尹力的曹哥、高群书的包工头，还有王斌、刘震云的客串，风头几乎要盖过几位专业演员的演出，这样规模的客串表演在其他电影可能是难得一见的。

总的来说，影片的确比较可乐，但片中的许多笑料并不能立竿见影在剧场产生一阵阵的笑声，其强烈的反刺是针对影片的整个故事与故事发生的环境与氛围，而非具体的某个场景或者人物。影片的叙事节奏也比较快，人物出现也稍显庞杂，观众在一开始可能一下会分不清前因后果，随着剧情的展开会渐渐进入故事情境之中。或许是因为经过多次删改的缘故，剪辑上略稍凌乱，有些段落会令观众感觉突兀。但瑕不掩瑜，并丝毫不能损害这一部比较个性的影片受到一部分观众的欢迎。

一只羊顶翻了一群狼——《我叫刘跃进》 作者: 湖边的鱼 (转载)

《我叫刘跃进》：生鲜猛料未成席

《我叫刘跃进》有两款不错的海报,一款是”狼和羊”,一款是”U盘炸弹”,后者有些似曾相识,很容易想到冯小刚的《手机》,也拿”炸弹”做暗喻,黑色幽默了一把,当然,两片都出自刘震云之手,也就没什么奇怪了,这年头,老百姓过日子,总有些提心吊胆,一个不留神,身边某个平常物件没准就成了”定时炸弹”,若是不小心再”引爆”了,轻则灰头土脸,重则焦头烂额,刘震云把脉民生的犀利不得不佩服.

电影节奏很快,开场对于人物的交代可谓干脆利落,民工刘跃进能用上吊的苦肉计向包工头讨薪,自然不是善茬;蟊贼”青面兽杨志”顺了刘跃进的包,转头却中了”仙人跳”;好戏开锣始于地产商严总丢失了一个U盘,里面存的东西足以让人掉脑袋,因此拼了老命也要找回来,于是,各色人等粉墨登场,主任秘书,鸭棚老板,打手,私家侦探,发廊女,个个鲜活生动,烟火气扑面而来,可惜的是,线索开始复杂,人物开始众多,一众角色陷入连环套,电影也开始走向失控.

打着”黑色幽默”的旗号,影片却没有太多让人会心一笑的段子,而是一路把故事往”戏剧化情节”中发展,你找我,我找他,他找你,纠缠在一起,剧情堆积木似的越垒越高,摇摇欲坠,一些交代不清的地方干脆含糊带过,尽显局促.和《苹果》相似,《我叫刘跃进》镜头中的北京依旧”脏,乱,差”,暗无天日,鸭棚黑帮更是让人胆寒,一拨人秃头横肉,造型夸张,爆粗口也就罢了,动辄一记 “窝心脚”踹过去,绑架抓人,捆绑吊打扒衣服,关铁笼子,看着心惊肉跳,直怀疑”满城尽是黑社会”;如果说刘跃进,蟊贼,土黑帮,都还是小虾米,严总和主任秘书,以及未露面的银行主任之间的”钱,权,色”交易则是真正的”大恶”,买凶,灭口,无所不能,一黑到底;直到电影结尾,”私家侦探”摇身一变,成了 “卧底神探”,法网恢恢,电影才终现”和谐社会”曙光;据说《我是刘跃进》一波三折最终通过审查,香港的杜琪峰一定很郁闷,都是”黑社会”, 命运大不同.

单从表演上来讲,影片还是相当成功的,李易祥继《盲井》,《鸡犬不宁》 之后再度出演河南籍底层小人物,朴实中透着狡黠,驾轻就熟;秦海璐牺牲够大,形象风尘,满口东北腔,戏里不是跟前夫撕打对骂,就是被捆吊禁锢,吃足苦头; 刘信义和陈瑾扮演地产商夫妇,勾心斗角,丑态百出,精彩传神.不过,最大的亮点无疑还是导演马俪文” 近水楼台”,找来多位业内同行参加演出,原以为是”菜鸟”级玩票,让人惊讶的是这些”非专业演员”的表现都极尽专业水准,没有一个露怯的;新影联的老总高军,戏份最多,演活了那个道貌岸然,老谋深算的腐败主任秘书,急火攻心地想杀人,最后却落个自杀的下场;《云水谣》导演尹力更是演技出众,黑帮团伙老大的狠辣,嚣张被他演得咸淡适中,入木三分;《东京审判》导演高群书,他的包工头角色虽然戏份有限,同样让人印象深刻.此外,张艺谋的”文学智囊”王斌也轧了一脚,念了句对白;刘震云亲自上阵,来了个打呵欠的特写;不得不说,马俪文这一招比较绝,纵使你拍过”主旋律”,这混水里一趟,个个都变”凡人老粗”,以后谁还敢说导演里只有张艺谋,冯小刚会演戏?

女导演马俪文没有了《世界上最疼爱我的人去了》式的文艺腔调,不再《我们俩》式的小品抒情,来了个一百八十度转身,试图把这个”现代都市版水浒传”讲出几分生猛来,但明显功力欠缺,刘震云准备的料够足,大厨马俪文的火候掌握差点事儿,难免让人有”牙碜”的感觉,虽不至于难以下咽,口感却是大打折扣.

《我叫刘跃进》：生鲜猛料未成席 作者：9条命 （转载）

《集结号》: 愿每一个永垂不朽都是别人的

在以往的国产战争片里，我们常看到伟人把烟头在鞋底上捻灭做若有所思状，之后便伏案挥毫写下一首开天辟地的诗词佳作。在宏大的音乐背景中，万炮启发，摧枯拉朽。人民解放军势不可挡的解放了全中国后。欢呼雀跃的群众们给战士们塞鸡蛋，加红枣，披红挂彩，让弟兄们吃了个肚圆。战争就这麽像小刀切黄油一样打完了。剩下的这拨儿人民解放军成了最可爱的人，当然，是在……的领导之下，每每看到此处，不仅感慨一句话：“丫这是把战争当儿戏了：”

　　 《集结号》成为了目前中国电影史上最好看的战争片之一，不仅取决于冯小刚，更取决于过去的国产战争片普遍阳痿不举。《集结号》的强大和坚挺，是因为它描写了人的战争，而不是‘谈笑间强虏灰飞烟灭’的行为艺术。

子弹擦着头皮过，裤裆底下跑手榴弹。战争场面的塑造是真金白银砸了钱的，剧本台词充满了朴素的引申意和粗糙的口腔快感。刘恒这个大师级作家在剧本上是用了心的。虽然悬念并不深，开头我们可能就比谷子地早猜出，这47个兄弟要掩护大部队转移的陷阵之士，接到命令的一刻就等于已然牺牲，这种仗不进则退，不战则降，根本没有能拯救你的集结号。对革命英雄主义感到肉麻的我们，也能在此片中找回了小时候看王成“向我开炮”时的那股子血性和感动。战士们死了，却不好意思妄下评论说人家是炮灰，因为每一个牺牲都是永垂不朽的。然而问题是，永垂不朽究竟是个什么东西？

　　谷子地一个人活了下来，成了一个身份可疑的人。甚至连上面都辨别不出他算那一拨的了，我们一再看到，上面的人问他被俘虏的时候，为什么穿着敌军的衣服，地方上的同志也要他交代清楚自己的问题。有没有投敌的嫌疑。更别说埋藏在煤窑里的那47个不说话的兄弟。他们永垂不朽，可除了谷子地，谁信啊？可见永垂不朽，如果你不信，或许不是个东西。

　　永垂不朽，是因为这47个人用他们的牺牲挽救了成千上万的生命。他们还在等集结号，没觉得自己非死不可，可当阎王爷真来的时候，他们没尿，而是冲上去薅了龟儿子他一把胡子再死。所以对自我来说，他们死的光辉，壮烈。然而在外面的世界和后来的年代里，英雄的头盔在群众不知道的情况下，成了矿工接尿的工具？或者知道了，又能怎样？当我们再提英雄主义的时候，却正身处在一个英雄主义只能用于被怀念的时代。所以电影让我们感动，生活在逼着我们热爱电影。

　　影片刚开头，谷子地在指导员被炸成两半，连里的战士一个接一个被撂倒后，正待拼命，国军却投降了，谷子地冲排长吼：“让他们拿起武器，我们不接受投降：” 这是全场矛戏剧矛盾最激烈的时刻，国军一脸无辜和茫然，在想是捡起枪还是举起手？我军这边也起了争端，在争论铁一样的纪律和死去的弟兄们那个更重要？正当两军僵持不下，高潮欲来之时……，镜头接下来就是团长吃红薯的镜头。还有对谷子地由于枪杀已经放下武器的战俘的处分决定。

　　以小人之心度君子之腹，我想谷子地最终枪杀放下武器的战俘的镜头或许给广电总局阉了，一个导演系学生也知道戏剧高潮时必须让观众射的道理，冯小刚会不懂？杀俘虏的行为对不对我无法判断，但要是这场戏真的是把所有国军俘虏都结果了，那我想知道战俘在明知要死之前，反抗了没有，他们有无谷子地一样的血性和刚烈。谷子地你宣布开枪是什么表情？那些开枪的手颤抖了没有？活着的有没有人放声大哭？死去的有没有人仰天长啸？复仇也有正义性吗？铁一样纪律可以解决死一样的伤痛吗？两个阵营相同的生命你们到底是为了什么？真的是一方永垂不朽，而另一方遗臭万年吗？几年前，开枪的和倒下的可能还是一个村儿里的呢，可能还一块偷过地瓜呢。因为这场戏一晃而过，所以我不知道。

　　 如果这场戏真的是像我构想的那样存在，那些在开动着的战争机器里被绞进去的那些人，我们对于他们生命的意义可能有更复杂的思考。然而像上面派来质疑谷子地身份的人的逻辑一样，谷子地被抓时穿着敌人的衣服，所以他说不清。这场戏有没有被剪我也说不清，或者不可说。

　　 不说也好，免的养成爱说的习惯。虽然每一个牺牲都永垂不朽，但我还是恳求这种事儿可别落我头上。

《集结号》: 愿每一个永垂不朽都是别人的 作者：慷慨悲歌之士 （转载）

《三峡好人》：贾樟柯的人民美学

瞿禅

我有点后悔这么晚才看这部电影，在娱乐性占先的社会里，特别是像我们这样的年轻人，对这类电影常常是“不屑一顾”的。

我看了，我被深深的震撼了。

“人民”这个词我不知道概念所指的范围有多大，但明显的是，这是一个有时代印记的词。其所指往往因为随时代而变化的伸缩性而难以确定，“且常常由于过分的理性化、类型化而流于符码化”，不同的时代不同的范围。就如“十七年”、“文革”电影主导的意识形态，所指涉的“人民”则主要是一个政治范畴和“敌人”相对的群体。改革开放，思想转变，意识形态已不再起主导作用，“人民”的群体在数量上增多了，在内涵上减少了，他几乎成了草根阶层的代名词。

简而言之，人民美学就是坚持人民本位的审美范式和文艺理念，概括起来就是朴素美、简单美、豪放美，而人民则是美的主体。但是他极易被人误解，在这个所谓的“大家富才是真的富”、“大步流星奔小康”的社会里，似乎人人一样，社会均等。但是，谁都无法否认今天贫困之间的惊人差距，忽视甚至危害人民的利益触目惊心。自民间到官方对“弱势群体”的关注，本身也印记了弱势群体问题的严重性，基于此，人民美学的重要性开始凸显，而贾樟柯正是以特有的影像语言展示了人民美学的生命力和“勃勃生机”。

《三峡好人》中的男性人物的出场大多都是光膀子的，，在我们这个所谓的文明的社会里是极不雅的，可这也是人民美学的标志性符号，它集朴素、简单与豪放于一身，而且我们向来坚持真实才是美得。《三峡好人》中的演员可以说没有几个职业演员，而主角韩三明则更是一个地地道道的挖煤工，本色表演自然就驾轻就熟。如，即使被人欺诈或粗暴的对待时，韩三明都温和迟钝。影片中有奔波、有焦虑但没有繁华、没有豪奢，为人们展示了一幕幕粗糙、贫瘠残酷的现实生活，让人心颤不已。不自觉的我们泛起了同情之心，原生态的人，原生态的电影，这可能就是贾樟柯电影。但是影片的中的“人民”一反巨型话语的豪迈气势，而是落实到感性个体的日常生活状态，他们只关心自己的生活，与自己以外的事毫不相干。“人民”或两人一坐聚而论闲，或三人一围笑谈琐事，或四人一桌打牌搓将，这就是他们真是的生活。影片真实的记录了他们的追求与迷茫、渺小与欢笑、梦想与绝望。处于对卑微草芥的普通人物的同情，出于对底层存在的诗意的寻觅，深受意大利现实主义电影和法国新浪潮电影影响的贾樟柯长期钟情于纪实美学，因此《三峡好人》不像一个剧情片而更像一个纪录片。诚如他所言：他的电影具有很强的记录性，习惯性使用长镜头甚至超长镜头，以及广角镜头，使用自然光进行拍摄。不需要表现人物的层次与立体感，不需要恐怖的气氛，只求一种真实而微的生活，越是微末越是琐事越是真实。

贾樟柯说：“我只是觉得现在是转型时期，变化非常大的。对这样一个时期，中国长期以来缺乏一种真实的民间影像。我想通过自己的工作来留下这个时代，这一刻的真实的影像和声音，作为一种文献，至少作为一种文献保留下来。”或许几十年后或者时间更长，我们或者我们的子孙再来看《三峡好人》感触或许更深。那是底层的声音、底层现象，21世纪初的普遍现象的展现，不成主流话语的民间艺术，零零散散、稀稀疏疏。而随着时间维度的扩张，空间维度的浓缩，身在其外的我们或者他们更能看见问题的本质和严重性，使得社会在重构、解构在重构之中能够更合理，人民美学更能大众化。因此从这里我们就能清晰的看到，贾樟柯所坚持的人民美学是一种源于草根的具体而微的底层精神，而如果非要给这个“草根”加一个范围的话那就是“弱势群体”。同时这种底层精神使他执着于被刻意忽略或隐蔽在角落里的男男女女，以其平视的姿势描绘着这里面的一切。就如他说：“世界这个命题本来就是假的，不存在世界，只存在角落。世界不过是一个角落，使我们把各种各样的生活状态集中在一起的一个假想空间。而我们不生活在这个空间里，我们只生活在角落的。”一个彻底的反精英化的、反潮流的贾樟柯，时代没有使他符码化，而使他更特殊化。在商业气息浓郁的社会里，他能走多久？我们期待着。

本文还要以贾樟柯导演的一句话结束：“我在威尼斯拿奖的时候真的很激动，因为我银幕上的那些人受到了尊敬，过去银幕上的他们是被遮盖掉的。”

《三峡好人》：贾樟柯的人民美学 作者：ln1111zg

《集结号》：在忍耐中勇敢地执着

从来没有对一部电影如此期待，不单是因为冯小刚的个人魅力，也不单是想一睹中国电影史上第一部真正意义战争大片的急切心情。以前在“冯氏喜剧”里，前仰后合，那是给乐的，现在看《集结号》，就是要稀里哗啦，哭的。走出影院，没有太多“惊喜”，因为铺天盖地的宣传早让我认识了那帮九连的兄弟，而绝对“诚意”的剧情，只有一样的感动。半夜拽上朋友去看凌晨首映，哥们说我疯了，在寒冷的冬夜去看“疯子”谷子地，也值了！

这是一部很熬人的电影，无论是前半部惨烈的战争场面，还是之后谷子地陷入心魔无法自拔为兄弟讨说法的心酸历程，煎熬着他也煎熬着观影的我。那些摇晃的镜头和强烈的色效，死拉硬拽地就把我拖进了战场，我中了几枪，被炸飞了几次，胳膊腿脚残缺不全，甚至下意识想摸摸肚皮看肠子是否早已流出体外，晕眩，真实的可怕。想多看几眼激烈的战争镜头，又想快点结束这该死的战斗，让本就敌强我弱的九连少一些牺牲。战争结束了，可属于谷子地的战斗还在继续，活着的人要为死去的兄弟寻找生命的价值。没人理解他甚至藐视他，他着急上火歇斯底里，也让我于心不忍。大段舒缓的文戏让人揪心，想让那些死亡最终获得肯定，也想快点看到结局让悬着的心早点获得解脱。

战争是残酷的，而之于于战争中的兄弟情更是悲壮的。因为伤心，因为敬佩，我们会感动，也许没有泪水，但至少电影里那股子八头牛都拉不回来的诚意也能让你忍不住鼻酸一把，因为那份执着，那份忍耐。忍耐是一种煎熬，需要理智作伴，也需要释放，又何尝不是一种勇气，而勇气又恰恰来源于执着。正是因为这种执着，“谷子地”们在忍耐中勇敢的战斗着，为了兄弟，为了那个没有吹响的“集结号”。

指导员看似有点莽撞，但正是这种不顾一切的执着激发了连队的野性，逼得装备强劲的敌军无奈投降。被炸成两半的他忍耐着生命最后一刻的疼痛，谷子地忍耐着失去战友的悲伤，忍耐着战争的无情摧残，忍耐着对仇人的愤怒。那一刻我忍住了泪水，但他忍不住，他杀俘虏，抢东西。他没忍住理性对感性的控制，却忍住了所谓“道德”对自己的心理批判，因为他执着地选择了去触摸内心最真实的人性。

九连缺人，团里不给，可谷子地执着要人，哪怕是拽上一个上了战场就“尿”的窝囊废。炸弹炸飞了很多弟兄，王金存吓得屁滚尿流，而谷子地却忍耐着他的脆弱他的怯战。正是这种对战友的执着信任，这个贪生怕死的人最终“没有给他丢人”跟他并肩战斗到了最后一刻。“下辈子还做兄弟”是对王金存最真诚的肯定，因为他勇敢地引爆了炸弹，为保留兄弟尸体作了最后的努力。

只要集结号没吹，战斗就将永不停息，哪怕只剩最后一人。全连战士都在坚持，忍耐着死亡，执着着命令。姜茂财一如那个坚持到底的“许三多”，单纯果敢。身中数枪，仍然咬牙冲向敌军坦克同归于尽。那一刻，不用太多的思考，他只想单纯地报仇，只想把坦克炸掉让剩下的弟兄少死两个。焦大鹏的谎称不是怯懦不是退缩，最勇猛的他只是执着于对这帮不怕死的兄弟们的热爱，他执着于想为九连的精神留下哪怕一点“火种”。

谷子地说，“死了就省心了”，那是自我安慰。只要集结号没吹，只要那些死去的亡灵还没得到安息，他就要继续忍耐着对兄弟们的怀念，坚持战斗，坚持寻找。他委屈，在战火中历经了生死考验，还没来得及心痛，却要接受无奈的现实。生不如死的折磨不是每个人都能承受，但他坚信“每个牺牲都是永垂不朽的”，正是忍受住了这种委屈的折磨，时隔多年他终于听到了那声让所有亡灵安息的“集结号”。战场上他是战无不胜的勇士，而在战场下那场没有硝烟的战争中，谷子地仍然英雄般地站在了最高顶。

有一种英雄叫执着，有一种执着叫忍耐，无所谓真理，吹响生命中的集结号，坚持着，勇敢地走下去！

《集结号》：在忍耐中勇敢地执着 作者：九弦日

雄性主义的平板：没有回声的《集结号》

在《集结号》上映的第十天，去海淀剧院看了这部今年年底宣传攻势最凌厉的片子。首先声明，我既非“冯黑”也非“冯蜜”，甚至颇为欣赏冯导此前的《手机》、《天下无贼》、《不见不散》等贺岁片。本来对于这部冯导自己很是自信的“转型之作”抱着较高的期许，加之我很喜欢的韩国导演姜帝奎也在电影学院的讲座上对此片赞不绝口；谁知看完之后，品咂几下，却是想说的不多。换句话说，它没有触动我的深层神经，它没有超出我对冯小刚所能制作出“严肃正剧”的想象。

在之前各大报章电视媒体的宣传中，《集结号》是部煽情的“男人电影”，尽管那几位并不擅长歌唱的男演员在宣传片里的歌喉并未给该片加分，但冯导在此前作品里的“侠胆义肠”情结仍旧蛊动着人们掏钱走进影院。片子的制作显然可以打个高分，这一点历来是冯氏贺岁片的加分点，无论是前段战场上的电光火石的弹道闪弋、触目惊心的血肉横飞，还是众多高机位俯拍的大场面，都堪比不惜砸钱的美国战争大片。演员的表演也堪称优异，张涵予作为冯氏电影的“御用配角”，这一次终于被扶正做了男一号贯穿全片；其他“傻根儿”们的敬业玩命更把战斗带入惨烈逼真的氛围。

2007年是男人被“还原”雄性的一年，集结号在年底吹响更印证了这一点，同时也成了“爷们儿片”的集大成。尽管冯导极力否认模仿他片，但几乎所有看过此片的人都会在脑海中盘旋以下若干个影视片名：《拯救大兵瑞恩》、《兄弟连》、《亮剑》、《士兵突击》……除非他没看过这些片子。忠实、义胆、血性、诚信——当这些男人的属性渐渐在歌舞升平的和平年代灰飞烟灭，当小男人脸蛋越来越光滑润嫩、性别观念越来越模糊、85后一代弥漫着“男子柔情主义”的时候，糙爷们儿一跃成为整个社会所弘扬新的偶像。于是，执着、笃诚、英勇、粗砺的李云龙、许三多们适时地如约而至，引领新的社会风潮。

在视觉营造的层面看，《集结号》在国产同类电影中是相对成功的。相比韩国同类电影《太极旗飘扬》，同一批制作视效的韩国同仁们在《集结号》上显然吸取了此前的经验教训，上了一个新台阶。如果你没有看过《拯救大兵瑞恩》、《现代启示录》等美国战争经典片的话，你甚至还会认为冯小刚开创了摇镜头拍战场的先河。但令人遗憾的事实是，《集结号》的前半段充其量只是在重复、再造另一个《拯救大兵瑞恩》。没办法，国产战争片拍到这个程度已实属不易，复欲何求？问题的关键仍然在于所谓的“人文内涵”（就是此前《英雄》、《无极》等大片们屡屡栽跟头的地方）。面对刚经历了《夜宴》尴尬的冯导信心满怀的新作，我想说，擅长讲故事的冯小刚这一次把故事讲述得太过完满，以至于没有留下任何开放的意义空间留给观众。封闭的意义空间，恰恰呈显出另一种不完满，至少在这一点上，前面刚上映的《色戒》足可以成为冯导的榜样。片中连长谷子地为他的四十七个部下的身份由“失踪者”转为“烈士”而辗转努力，最后得知集结号并未吹响，最终他们被追认为烈士。美国大片的开头、国产军旅电视剧的中段、主旋律片的结局——这部在《新闻联播》上介绍了长达一分钟的电影最终获得了它的“主流”身份。从片子本身的剧情进程而言，这一身份似乎也是被“追认”的。

与此前冯氏贺岁片的轻松睿智、京味调侃相比，这部片子既不足以轻松到“贺岁”，亦无能力承载更沉重的哲学省思。正因如此，看完片子品咂几下，感觉不过尔尔，上不去档次，只是好看而已。以至于我甚至有点刻薄的认为，所有从这部电影分析出所谓“人道主义人文关怀”、“叙事结构的创新”、“身份焦虑”云云，不是东施效颦的跟风，便是预赋新词强说愁的无味话语。不是所有电影都适合“人文关怀”的评语，不同类型的片子能“各尽其用”就已经不错了。

古典音乐中有如泣如诉的柔板、奔流激荡的狂板，也有波澜不惊的平板，《集结号》以狂板的方式最终沦为平淡无奇的平板。足够聪明但才气不足的冯导，这一次最终“挥一挥袖，不带走一片云彩”，让人总觉得差那么一点什么，能留下来激荡出回声。

雄性主义的平板：没有回声的《集结号》 作者：bati-1025

《集结号》——不朽。

历史就像幽灵，只有相信它们，它们才存在。我将时间无限的延展，把光延展成影，把一寸延展成一尺。让那些不朽变成须臾，彼此分享。让那些须臾化为不朽，累积永恒，最后成为我们深切依赖的这片土地。

可是，就在这里，你有听过连长呼唤士兵的清晨么？你有感受过汶山清晨里微茫的雾气么？你有想过这片土地上曾经洒下无数鲜血么？你有怀疑过这些暗黄的记忆都将成为遥远的背景么？以前，烈士，陵园，战争对于我都像是尘封多年的历史著作。而如今当我再次端详这段蜿蜒的历史，才真正看到他们的强劲，他们的坚韧，他们的不朽。但可惜的是，那些有名字的战士们，现在却只是因为没有对证而变成战争里的无名英雄。

他们的魂灵在荒芜的战场上低低滑落，穿行，然后从断垣残壁的缝隙里跃地而起，气冲霄汉。撒哈拉沙漠的确震撼，蒙古草原委实苍茫，但当你面对一望无际的无名烈士的墓碑时，你要明白，这些墓碑不是遗址，不是废墟，不是象征，他们曾真切的包裹过无数好男儿的壮志豪情，而现在却掩埋曾经鲜活年轻的生命。仿佛疏密挺拔青翠的修竹，有谁比你们更有气骨。而那青莲荷塘，谁说不是家人的眼泪成池。

但是，庆幸的是。不问翻覆，无关迟暮，这片江山总会有你们的影子，中国历史也与你们一起沉浮。

“三年来，在人民解放战争和人民革命中牺牲的人民英雄，永垂不朽！

三十年来，在人民解放战争和人民革命中牺牲的人民英雄，永垂不朽！

由此上溯到1840年，由那时起为了反对内外敌人，争取民族独立和人民自由幸福，在历次斗争中牺牲的人民英雄，永垂不朽！”

《集结号》——不朽。 作者：onlyrainie

《集结号》：中国电影终于有了一部有内容的片子

在黄金甲、夜宴等等之后，我对中国的电影很失望。导演们陷入了玩弄视觉效果的泥潭不能自拔，以至于每部片子的故事情节都只是经不起推敲的薄弱架构，在空洞的架构上尽可能多地玩弄视觉效果以吸引眼球。

这部电影算是进步了不少。故事是个有血有肉有内容的故事。战争场面的惨烈很直接地映射出主人公在战后执著追求的根本原因——如果不是战友们牺牲得如此惨烈，又何必执著地要求追认为烈士？在战争中有多少士兵是英勇地战死而仅仅是当作失踪就算了的？

有些人说，这部片子里内容涉及国共内战，不好。可是，那场战争，不是一直被叫做“解放战争”的吗？解放战争三大战役都已经被搬上银幕了呀，有什么不能拍的呢？集结号 仅仅是以此为背景来讲故事又有什么不可以呢？

有人觉得电影前后脱节。但是以我的欣赏角度，我觉得一点都不脱节。我估计那些嫌脱节的观众可能是被前半部分火爆的战争场面所吸引，到了后半段，战争已经结束了，主人公开始执著地向官僚们寻求公道，没有了视觉的冲击，就感觉索然无味了，因此得出了“脱节”的感受。但是，我认为，这部片子本来就不是一部战争片。它本来应该是一部人文气息浓厚的影片，但是为了吸引观众的眼球，为了迎合大多数人追求视觉效果的需要，它必须加入一些有视觉效果的战争场面。总之，想从头到尾都看到有震撼力的战争场面的观众多半是会失望的，因为整部戏的主题并不在此，主题恰恰在后半段，在没有硝烟没有炮火的场景下讲述出来的。当然，为了宣传的需要，媒体可能会夸大它的“战争题材”，但是，认真看过这个片子的人，都会明白，前面的战争戏，都不过是后面剧情的铺垫而已。

当然，这部戏美中不足之处，就是从画面上看解放军的战斗动作都非常的训练有素的样子。大概是制作班底是外请的吧？解放军当时的装备和训练，还不足以到如此训练有素的程度，这是大家都知道的。这一点，略为显得不真实了。

《集结号》：中国电影终于有了一部有内容的片子 作者：竹雨

《集结号》：战场上的人性光芒

连长谷子地说：兄弟们活着比什么都好，缴这么多破铜烂铁干什么！
　　
　　
　　今天我在厦门中华电影院看了电影《集结号》。不得不说，冯小刚拍了一部好电影。放映期间坐在我前排的一个身材魁梧的中年男士好几次不住的抹眼睛，看得出他是被深深的感动了。这年头能让爷们落泪的电影真不多，而《集结号》做到了。
　　
　　曾几何时，中国的战争片从60年代的《南征北战》到最近的《亮剑》无一不颂扬的是视死如归的战斗英雄活和运筹帷幄的战场统帅——奢战如命的巴顿将军像战神一样被人顶礼膜拜，不怕死的李云龙才是好战士的典范。而战场上的大多数却被忽视了：他们绝大多数都是老实巴交的农民，他们最大的理想就是打完仗能平安回家过着老婆孩子热炕头的生活，他们对并肩作战的战友的兄弟情谊超过他们对伟大领袖的忠诚，在战场上让他们杀红眼的是为兄弟报仇的渴望而不是对阶级敌人的仇恨。这是事实，他们99%是文盲，他们并不知道什么是共产主义信仰，当然更不会为之而战。他们是同一口锅里吃饭的兄弟，同一个散兵坑里并肩战斗的战友。他们一起面对炮火、一起面对死亡。

《集结号》正是将镜头对准了这样一个人。按革命战士的标准，连长谷子地算不上英雄：在他眼里手下士兵的生命高于完成任务，战利品他都让自己弟兄留着不愿上交“政治觉悟”很不够，士兵吓得尿裤子他不但不责怪还说：头顶上飞枪子，裤裆里跑手榴弹，要是神仙也得尿了……就是这样一个人，在48年冬华东腹地的汾河战役中（明眼人都知道指的是淮海战役），团长让他坚守一个阵地，必须等到后方集结号吹响才可以撤退。于是谷子弟带着他的46个兄弟上去了，坚守了十几个小时打退了敌人三次进攻之后，他的46个兄弟全部阵亡了，只有他一个人幸存。可是，在战斗至死至终都没有听到集结号声。等他伤愈之后，部队已经南下了。战争结束他重回故地，却发现他的46个弟兄被划为失踪人员而不是烈士。老谷生气了，发誓要找到老部队，可是部队番号已变，所有的讯息都石沉大海。老谷抚摸着汾河烈士陵园里一排排刻着“无名”的树桩，无奈的叹息：生下来爹妈都是起了名的，怎么都成了无名的孩子呢……
　　
　　我们从来看见的都是“一将成名万骨枯”中的“一将”，而他身后的“万骨”却被埋在厚厚的历史尘埃之中慢慢腐烂变质，最后被人遗忘。就拿这部电影的历史背景淮海战役来说，据资料解放军伤亡13万，这个伤亡数字甚至比三大战役中其它两大战役的伤亡总和还高。国军伤亡数字不详，相信还会高于这个数字。在短短的两个月里，二十多万年轻的生命就灰飞烟灭了，可想当时的战场是怎样的人间地狱啊，将淮海战役称为一台“绞肉机”毫不为过。可是在电影《大决战》里我们看到的大部分是粟裕、刘伯诚的运筹帷幄决胜千里，当看到林彪用冷酷的令人战栗的语气说：“我不要伤亡数字，我只要塔山。”我当时甚至还想：“真他妈的酷啊！”我们在大呼过瘾的同时谁又在乎战场上那一百万多万逐对厮杀的年轻士兵呢？杜聿明手下十几万人被包围在方圆十几里的绝地上万人被冻死，他们都不是什么阶级敌人，只是被拉壮丁来的可怜农民；为了打退增援黄维兵团的援军，解放军两个纵队打阻击，拼得只剩几千人……最后粟裕赢了，蒋介石几十万精锐灰飞烟灭，国民党大势已去。粟裕一战定江山，“了却君王天下事，赢得生前生后名”。无可否认，粟裕是优秀的军事统帅，以至于不停的有人为他没能当上元帅而愤愤不平，可是面对几十万逝去的生命，肩章上的那一颗将星真的有这么重要吗，你们那些为粟裕将军打抱不平的人不觉得无聊吗？
　　
　　谷子地是不是一个好战士？
　　
　　我的回答：是！
　　
　　战场上统帅要为战争的胜负负责，他的责任就是打赢，伤亡数字倒是其次；而每一个战士，他们的责任却是在完成任务的同时保住自己的性命！作为一个基层指挥员，谷子地做的很对，他坚守阵地完成任务的同时想方设法保住弟兄的生命，他没有将他手下弟兄当作炮灰来来为他铺就立功升官之路，他的人性光芒在硝烟迷茫的战场上熠熠生辉。
　　
　　曾经在火车上遇见过一个老兵，他参加过对越自卫反击战。谈话间最令他自豪的不是他杀过多少敌人、立过多少功，而是他有一次带一个侦查小分队深入敌后，在北越的原始丛林中穿行几十天最后安全的把手下一个不拉的带回来。有一次遇到一伙敌人，一个小战士冲出去想要立功被他死死的压在身下……

《集结号》：战场上的人性光芒 作者：summever （转载）

《集结号》：尽皆过火，尽皆癫狂

《集结号》再一次暴露了冯小刚蹩脚的场面调度能力。混乱的节奏、过于煽情的配乐、落入俗套的剧情，无不给人一种生硬牵强之感。习惯拍摄小人物喜剧的冯小刚，依旧没有摆脱自身囹圄。《夜宴》至今，冯小刚对悲剧的处理仍难得心应手，不管是诠释宫廷权争，还是演绎战乱纷呈，都无法带出一种从一而终的连贯气质，拼凑感明显。冯小刚用粗糙的特效、过火的煽情、杂乱的细节堆砌，构筑起一个在形式上较难统合的影像世界，在一定程度上堕入不伦不类的泥淖。

影片被鲜明地划分成三个截然不同的大段落——解放战争、抗美援朝以及和平时期。这三段呈现出迥异的特色，第一段是关于光荣与勇气的描述，第二段是身份与情谊的铺陈，第三段则是荣耀与自尊的重拾。从架构上看来，第一段是整个故事开篇，也是造成影片下面悲剧的因由，对剧情发展做关键性铺垫。但是冯小刚显然没有把握好这一段所应该描述的内容，让影片开头完全仅仅沦为特效卖弄，而忽略了更为深层的心理刻画，贴身的跟拍镜头、快速变换的蒙太奇剪接，以及血肉横飞的爆炸场面，令人目不暇接，但也很快让人产生审美疲劳。冯小刚主要用中景和特写来表现电影内容，这让影片本该具备的史诗气质荡然无存。狂轰滥炸的粗糙特效和血腥场面，在一定程度上消解了战争残酷气息，淡化了男主角谷子地与连队其他人之间的兄弟情谊。造成的直接后果就是，谷子地在后面为讨回应有荣誉而执着之时，看起来似乎更多的是为了个人的尊严，而非整个连队的荣耀，第一段因此与其他部分的衔接变得松散起来。

　　从第二段抗美援朝开始，实际上又是另外一个故事，谷子地丧失了原有的荣誉和尊严，被迫重新开始。这时，故事又回到了冯小刚所熟悉的小人物刻画范畴，影片逐渐变得平实感人起来。这一段更注重谷子地身份的确证和兄弟情谊的重新构建，在朝鲜战场上营救踩了地雷的赵二斗细节十分精彩，冯小刚再一次表现出其独有的喜剧才华，与美军周旋的场面令人忍俊不禁，可以说，这是《集结号》中不可多得的气氛调节场面。不过抗美援朝这一段转瞬即逝，故事进入第三段，也是影片最主要部分，表现形式依旧延续第二段手法。通过相对写实的镜头以及伤感的钢琴曲伴奏，带出一种落寞荒凉的悲情。不过冯小刚并未完全处理好这段戏的人物关系，使它成了谷子地的独角戏，其他人物基本被虚化或者弱化，不无遗憾。

　　从内容上看来，《集结号》某些细节的确调动了观众心情，让人感同身受，譬如谷子地因为身着敌军服装而被自己军队俘虏和误解之时，还有当他接到寻得自己连队的讯息之时，观众都能与之一起紧张，一起快乐。不过由于冯小刚滥用了此种煽情效果，使得影片美好的东西渐渐减少。就像一块香皂，每用一次，则减少一分，直至荡然无存。不管出何目的，影片结局给人留下的仅仅是一条光明的尾巴而已，冯小刚在文艺与商业之间不断摇摆，最终还是一头扎入商业的怀抱，让影片原有的反思气质急剧减弱。为了使得影片各段之间保持连贯，冯小刚主要采用闪回的战争场面，来逐渐揭开谷子地逃出生天的谜团，并且企图通过这些为数不多的战争场面来平衡后半部分与前面部分在节奏上的不协调。只可惜这种做法无非画蛇添足，起到的效果寥寥，影片前后反差依旧很大，而谷子地身份之谜，实际上毫无神秘可言。

　　不过从另一个角度看来，《集结号》的俗套依旧在大部分观众可接受范围之内，特别是影片后半部分的细节描述，很多内容都迎合观众感情诉求，包括谷子地对县里前来查询其身份的工作人员大发雷霆，在瞭望塔上接到寻获自己原来部队的消息，以及在煤矿上没日没夜挖掘战友时接到部队追认他们连队牺牲战友为烈士的通知，都让人感动。而这些煽情效果，正是冯小刚的强项。从这点看来，《集结号》还是可以看看的，只是不必抱太大希望，娱乐消闲而已，即使战争片，到了冯小刚手上，也不是什么沉重的话题。

《集结号》：尽皆过火，尽皆癫狂 作者：幽窗冷雨 （转载）

《集结号》：一场没有血肉的战役

刚经历了《投名状》的惨烈，这周《集结号》再次撒了一腔相同主题的热血，让人感觉很不适应。我开始以为《集结号》不是冯小刚有问题，问题是出在两部片子档期撞车，但最终我发现问题确实是冯小刚的。《集结号》是一部相当投机的电影，不单单是题材瞄准了主旋律，而是从内到外的投机意识，冯小刚说他一直关注老百姓爱看什么，可如今冯小刚的胃口绝不是单纯照顾国内老百姓的了，否则将是十年的贺岁片把观众全给蒙了。

一、只见骨架

《集结号》的不均衡首先来源于前半场战争戏的力度超出后半段文戏太多，前后明显脱节，头重脚轻。让人遗憾的是，出色的战争场面并不是吕乐这样的国内摄影师和特效制作班底能够企及的水准，功劳全是人家老外的。我们虽然可以大言不惭的说一句，这是冯导高明的“拿来主义”，但《集结号》毕竟铁一般的证明了国内的战争场面制作还差一大截。

我想强调的是，如此好看的战争戏，冯导为什么要鲜明的烙印下《拯救大兵》和《太极旗飘扬》痕迹？严格一点说，《集结号》最大的败笔，我觉得就在于有太重的拼凑这两部大片的痕迹。请注意，我说的不光战争戏，而是整部影片。

《集结号》的骨架我觉得已经未必是那本小说《官司》，当然，我愿意相信冯小刚整个故事都尊重《官司》。但整部电影的精神是牢牢套在两部风格雷同的外国战争大片上，而且非常别扭。《集结号》可以说还是一部“战火兄弟连”味道的故事，这故事讲了很多次，《集结号》2个小时并没有太多细节演绎战友情谊，它并不是《士兵突击》。冯小刚所谓感人的人性化设计全是主创人员自己嘴里说的，或者是片中谷子地一个人嘴里说的。我宁愿过分一点的想，那些来自五湖四海，互不相识，而且经常被打散的士兵们在枪林弹雨间可能根本没有多深的交情。或者只是在遭遇战友生与死的时候，那种人与人最单纯的同情和不舍。看那些国外的战争片很少像《集结号》这样渲染战友个个都是生死铁哥们，下辈子还是铁哥们。这种感觉是《太极旗》里头那种真正血肉相连的兄弟情谊。我觉得，如果像《拯救大兵》和《兄弟连》那种战友之间（可能）并不那么夸张的兄弟情，又或者只是很普通的关系，也许最终出来战争给人造成的冲击感觉会更真实，更有力量。

《集结号》另外一个致命环节在于对战争和生活脱节，战争和生活的强烈对比是一空白，根本看不到谷子地那么多兄弟们牺牲的意义何在？家人和赢得和平后的反差如何？《拯救大兵》开始是通过一大家人的怀念进入回忆，老外导演表明了那一伙人为一个人牺牲换来的价值。《太极旗》挖掘的可能更深刻，用一对手足兄弟到战场上的生离死别对应了南北韩的象征关系（这个寓意个人觉得空前的深刻）而且也有对待家人的情感，战争爆发对和平生活的摧残。但我们看《集结号》里面有什么呢？一开始就是战场，后半截在寻找部队寻找战友遗体的过程中拖沓结束，谷子地对战友的执着跟生活毫无瓜葛。就连王金存遗孀的出现都是不痛不痒……冯小刚所谓感天动地的故事竟然能这样和生活无关么？
《集结号》营造战火纷飞的大场面是很到位的，虽然我看着那些解放军的行动怎么看怎么像老外，但是能说确实有震撼力，阻击三次进攻的戏里也很有层次，人物也比较鲜明，但这仅仅是一半的骨架。

二、不见血肉

冯小刚一直在蜕变，从《一声叹息》到《天下无贼》，从《夜宴》到《集结号》。《集结号》还是停留在《夜宴》同样的问题上，故事有一个好的框架，但嫁接内容很不伦不类。《夜宴》如果不是依靠袁和平制造了一些精彩场面，那也是惨不忍睹。《夜宴》挪用《哈姆雷特》肯定是一个好故事，但是冯小刚并不会处理。《集结号》也是一个好故事，但是也没有处理好，普通士兵的人性化是一句空话。

说起来冯小刚一向狠抓细节，看看开头的字幕那逐渐被染红的布料，还有纪念碑。但最重要的人物刻画并不到位。就说片中最重的谷子地，一口一个兄弟，我相信粗人草莽是这样的，但是他的信念并没有足够细节支撑，他和战友的情感我觉得很空。《战火兄弟连》中的对应那个连长，从开头到结束，没见他对战友有那么过激浮夸的表现，但是我觉得那种人与人的关系很真实。

可能这样说很单薄，因为那是西方人，可以再比较《硫磺岛家书》，同样是一伙最后死光光的人进行阻击战。日本军官和普通士兵之间的情感刻画也很细腻，也同样有煽情的目的。但在刻画人物的细节上，人家没有像喊口号似的渲染“生死兄弟”，而且也是通过战争与家庭生活的对比来表达的。《集结号》一个非常突出的失败就是脱离家庭，中国人应该是一个家文化，家族观念很重的民族，但一部号称极其感人的战争片居然跟家庭毫无关系，可想而知在感染人心的定位上是多大的失策。

影片血肉都是泛泛而谈的兄弟论，实际上在那些隆隆炮声和呼啸子弹下已经被打了个粉碎。冯小刚一直想拍一些比较“正”的片子来展示自己的实力。可是他过于自信和盲目，也许武侠和战争都证明不是他所熟悉的领域。导演是要有进取精神，但是一定要做足功课再进去。《集结号》将近一亿元的投资，拍出了好看的花架子，我们可以闭着眼睛拍手叫好，大唱赞歌，说他为国产战争片争光了，但是那是自欺欺人，以这个故事完全可以有更好的面目，但冯小刚偏偏用老外的模式生搬硬套，冯小刚是真有自信还是在做作伪装呢？

《集结号》：一场没有血肉的战役 作者：和运超 （转载）

在文化视野中分析张艺谋电影 ——电影《满城尽带黄金甲》审美感受

很久以前，张艺谋执导的影片多次在国际上获奖，《菊豆》、《大红灯笼高高挂》、《秋菊打官司》等在国际影坛反响强烈，赢得重大声誉，他本人也被视为第五代电影人中最认同蒙太奇美学的一个。其中一个深层的成因是他的电影不仅有中国气息，而且有浓厚的亚洲文化氛围，从而也就从电影艺术里呈现出一种地道的东方韵味。
许久以后的今天，从文化的角度来审视《满城尽带黄金甲》，早已遗失了张艺谋曾经执著的中原文化氛围的深刻，也寻不到中国农民文化内涵及其放射。《一个和八个》、《黄土地》、《老井》的摄影师对中国传统，尤其是对农民文化的某种特殊偏爱，在后来的《红高粱》、《菊豆》、《秋菊打官司》的导演中得到更为深沉、浓郁的表达。而这些乡土风情和积淀了数千年的亚洲型农村文化气息、农民心态在今天的张艺谋影片中消失得没有痕迹。取而代之的是内在意蕴缺乏的《满城尽带黄金甲》，金玉其表，极尽奢华。那么，是不是说张艺谋现在的电影就没有一点可取之处呢？是不是一定要一味地“贬”中国电影才显得跟寻求聊资的网民们同仇敌忾呢？作为电影人，我想拿出一点点客观精神，细细分析张艺谋和他的《黄金甲》，看看存在什么问题，值得鼓掌的又在哪里。

一、 电影的时空。

看得出《黄金甲》导演的初衷是要做成史诗式的杰作。他把故事安排在一千年以前的唐朝。唐朝是中国封建社会最辉煌的时代，是一个鼎盛时期。又是宫廷戏，这当然为美术造型的豪华找到契机。故事发生在唐朝宫廷的深处，存在一个与表面完全不同的世界。问题是这到底是唐高祖、唐太宗、唐高宗还是唐玄宗时期发生的故事？历史上的“大王”“皇后”“祥王子”“杰王子”“成王子”到底是谁？剧本允许虚构历史故事和人物，但最致命的是故事和人物整个都是虚构的，让观众找不到一个时空的依据。历史可以是真实的，为了更有戏剧性而增加人物；也可以历史人物是真实的，为了更展现人物性格而编著故事。不能为了“发生在唐朝”而发生在了唐朝，大众找不到发生在唐朝的合理性，当然认为张导演是为了显摆极尽奢侈的美术造型让故事发生在了“唐朝”。唐高祖李渊时期刚得天下，社会根基不稳固；唐太宗李世民却确是二王子，但“玄武门之变”却也得了皇帝宝座，酝酿了“贞观之治”的鼎盛；唐高宗的能力让皇后武则天得了政权，改国号周；唐玄宗史称唐明皇，与贵妃杨玉环上演爱情经典差点丢失了江山。看来没有一个能与《黄金甲》对得上号的。电影本身是具有超越时空的特征，但导演有必要对时空的叙事做出具体化的安排。当人们被一部电影深深感染时，视听感官、声画效果首先产生的是带有故事叙述时空的文化氛围，没有具体化的时空就没有文化氛围的感知。

二、 没有“根”，也没有民族精神。

第一次看《黄金甲》会马上想到曹禺先生的《雷雨》，无论是剧情还是人物设置。很光彩的外表底下，内部都是腐朽的。在华丽的包装底下统治阶级内部的腐朽。一个家庭里面充满了秘密和人与人之间的复杂关系。正如我前面所说的，脱去“唐朝的外衣”，《黄金甲》马上可以变成现代或当代城市家庭情节剧。
1983-1984年，张艺谋和《黄土地》摄制组走遍陕北各地寻觅黄土地下隐伏的民族根基的时候，中国大地正在酝酿急风暴雨般的“寻根”潮。美国黑人作家哈利的《根》、梁小斌的《中国，我的钥匙丢了》、张承志的《黑骏马》等作品都是艺术家们最直接地从本土被压抑层面寻觅本民族的生存方式的原始根基。这就意味着离开现代化的城市，到遥远的古典或原始边缘去寻觅被遗忘、被压抑的民族精神。
而《黄金甲》没有“根”。它本来可以把“古典”这一点挖掘得很深，汉民族最骄傲的那个时候，唐朝为什么会辉煌？是什么精神让一个民族立于世界之颠？如果能够像《指环王》那样，要求服装师“要把主人公的袍子做出穿了一千年的感觉”，“古典”自然会在场景、道具、服装等等许多细节渗透出来。而张艺谋对美术造型的定位是不对的，他要的是“豪华”，而《黄金甲》确实豪华，却也空洞。

三、 张艺谋的“俄狄浦斯情结”。

弗罗伊德的“俄狄浦斯情结”就是弑父恋母。母亲是镜像阶段儿童的镜像自我，与母亲的认同没有性别区分的意识，与母亲的认同成为必然。进入语言阶段，象征体系的理性和伦理秩序规范构成意识，将与母认同的本能压入潜意识。菲勒斯中心主义的心理学基础决定象征秩序是父权的，进入语言阶段，意味着承认父权，所以男童与母亲的镜像认同没有性别区分的统一成为禁忌，形成潜意识的恋母情结。男性是菲勒斯的拥有者，等于权力和主体的象征。弑父也是对权力的反抗。
张艺谋的大多数影片都展现了这类情形：既然传统父亲是压抑当代自我的罪魁祸首，那就只能选择弑父这一条路。弑父就是反抗、冒犯父亲，同其彻底决裂。只有弑父，当代自我才能挣脱锁链，自由地成人。“弑”可以是实际的“杀”，但更多的是象征性“杀”——无论是杀父行动还是违抗父命行动，都可以看作“弑父”行动。而“父亲”可以是“生理上的父亲”，也可以是“象征性的父亲”。
张艺谋当任摄影的影片《黄土地》和任主演的影片《老井》里，弑父的冲动已经明显展现了，但这也许是导演或编剧的原因，只能说是巧合。《红高梁》里的“我爷爷”堪称当代中国电影中少见的令人昂奋的弑父英雄。先后杀死蒙面盗、麻疯李大头、秃三炮、日本鬼子完成了一次次弑父的使命。《菊豆》里的杨天青亦有从父也有弑父，而杨天白则从原始隐性弑父误杀杨金山，到明确弑父打死杨天青完成了弑父的过程。《大红灯笼高高挂》里的陈家大院是传统父亲规范的象征，而弑父英雄是基本缺席的。《秋菊打官司》里相当于传统父亲的是父母官村长王善堂，而弑父者本应是万庆来，却让妻子秋菊代理弑父了。《活着》里是残存的弑父冲动在赌博劫难中寂灭，变为无父的安贫心态。《英雄》里是一个群像的弑父群体，处于父权地位的是国家利益与当朝执权者，而结果是从父。
再来看看《满城尽带黄金甲》里张艺谋的“俄狄浦斯情结”。这是一个中国宫廷的故事，一个中国传统封建家庭的故事。通过一个封建家庭或家族去折射一个社会。封建制度在中国维持了二千多年。
在封建社会，父权有着绝对的权威。中国文化是从一个男权社会演变而来的。它代表了那个时代以男权为中心的极权对女性的压迫，对人性的压迫。张艺谋选择了周润发——一个在银幕上有气势的演员是正确的，他足以让观众感觉到权力的压抑。他身上代表了封建主义君主的、男权的、父权的全部。他是一个好父亲、好皇帝，但又不是一个好丈夫。因为他有软弱的一面，他一定会有双重人格。他是最伟大、最有力量的，但情感上也是最孤独、最失败的。这是皇帝的宿命。

巩利上演皇后的角色，一个悲惨的女人。她是男权社会的第一个受害者，在极权社会里痛苦挣扎。十几年的时间里每个时辰喝一次中药，是人都会疯狂。这种管制的方式是对人的一种压抑。
周杰伦上演王子“杰”，一位英勇无畏的战士。有血有泪，很有个性。导演想寄予角色另外一种气质，但绝对不是中国传统里最看重的“孝”字。他处在于历史意义上左右为难的困境，最终他选择背叛了父亲，只要对父母其中一方有背叛就谈不上“孝”了。对父亲的背叛本身就违反了中国传统伦理道德“孝”的本义。用弗罗伊德的理论来看，就是“俄狄浦斯情结”，就是恋母情结。他对母亲尊敬而忠诚。因为希望母亲摆脱压制活得更好，他付出了一切，不可为而为之。英雄勇往直前的精神、“死士”的精神、中国文化中推崇的男人的精神，它的力量却是来自于张艺谋导演影片中惯常存在的“俄狄浦斯情结”。人物最后靠动作解决了人物关系，“杰王子”为保护母后起兵反抗父王，与旧的政权决裂，完成了他“弑父”的壮举，也再一次完成了导演“俄狄浦斯情结”的延续。

四、 从影视审美学方面去考虑。

审美学是研究审美活动的特点和规律的学科。电影电视美学作为电影电视学的一个下属分支学科，同时也作为文艺美学的一个下属分支学科，就是研究人对电影电视的审美欣赏和审美创造的特点和规律，包括研究电影电视的审美特征，电影电视创造和欣赏的美学规律的学科。

1、 正确的审美价值标准
对影视艺术作品往往要从真假、是非、善恶、美丑等方面去进行价值判断。不同的价值参照系统，都是一定社会群体的文化观念赋予人的价值认识和取向的系统。因此，影视作品要满足和引导群众的审美要求，又不可避免要研究和探讨什么是合理的、正确的、进步的审美价值判断标准。而标准不是某一些人可以根据主观愿望去确定的，它是受时代、历史、人们认识的局限。《满城尽带黄金甲》通过人物的性格、心理、情感、命运、相互间错综复杂的关系。虽然导演一再强调不是影射现在，但也显示了一般社会现实中有普遍意义的，对人类生存状态动情的反思，对真善美的精神追求。只是导演在真实反映这种客观事实中，走向主观。没有顺应社会大众，运用适合当前阶段的方法手段，在审美感情上引导人们，否定旧事物的不合理与不可取之处，肯定新事物的合理与可取之处。引导观众对生活做出正确的审美判断，激起趋美厌丑的审美感情。影视艺术的根本任务就是要为人们提供一种值得追求的信仰，提供一种有意义的审美精神价值。

2、 电影艺术的审美特征
电影艺术与其他门类艺术有共同的审美特征。它们都是人类的审美对象，都是人类审美意识的物化形态和形象体现，都表现作者对感情、趣味、理想、观点等生活美丑属性的审美意识，都运用一定的物质媒介和审美表现手段、技巧、构筑为能够激起欣赏者美感的形象形式，能给欣赏者审美的感染和陶冶，有能满足欣赏者审美要求的审美价值。当然，电影与其他艺术不同的审美特征，主要在于它有独特的物质媒介、艺术符号、表现手段、结构方式，主要一点在于它是声画结合的活动画面组成的，非常复杂丰富。《满城尽带黄金甲》里有几个段落实在问题严重，一是开场宫女们早上起床，整个像部队早操。另外是皇帝鞭策“成王子”直到血肉模糊那一场，对一个孩子太残忍，太违反人道主义了。
3、 电影艺术美不仅在形式，也在内容
电影艺术美不仅体现在电影独特的审美特性上，还体现在它与其他艺术共有的某些审美特性上。电影艺术的审美特性不只表现于电影特有的手段、技巧和方法上，而且也表现于内容与形式的统一上；它不应只表现于电影区别于其他文艺形式特有的个性上，而且也应该表现于其个性和共性的统一上。《黄金甲》的美术造型远远的超过了他讲故事的能力。
4、 运用影视思维和影视语言感受和反映生活，表现审美感情
在感受和反映生活，表现审美感情时，要运用类似影视屏幕上放映的音像结合的活动画面的方式去思维。运用影视表达自己意思的语言，类似屏幕上放映的音像结合的活动画面，也就是视听语言去表达。《黄金甲》在张艺谋手上完成了这点要求，用视听语言拍摄电影是导演所具备的素质。

寥寥几笔，在文化视野中分析了张艺谋电影的审美。最后我想说，宽容张艺谋，也宽容中国电影。

在文化视野中分析张艺谋电影 ——电影《满城尽带黄金甲》审美感受 作者：伊能

《苹果》：露与不露都有罪

作为影像，《苹果》有着妙不可言的滋味和最直白的力量。

　　对于《苹果》而言，故事中表现出的无情甚至绝情都让人们品尝出了一丝苦涩的滋味。所以说，如果说是迷失，那么这种迷失其实无处不在，品过就是绝望。

　　用一个词汇去形容我们在《苹果》这部电影里看到的一切，简而言之就是“闹剧”，但是这是一部将“闹剧”演绎出“喜感”和“悲恸”的电影，所以说，但就主题而言，在当今充满了飞檐走壁的侠客情仇和无聊夸张的黑帮故事，或是大量的原生态伪民俗展示的大银幕上，《苹果》的勇气还是值得表扬。

于是，我们看到了一个有趣的故事，因为命运的巧合，来到北京求生的洗脚女刘苹果和蜘蛛人安坤这对小夫妻，遭遇到了老板林东和老板娘王梅，而由于欲望引发的一场争端，将这四个原本毫无瓜葛的人牵扯到了一起。

　　其实，与其说《苹果》中是两个社会状态之间的碰撞，还不如简言之是两个家庭之间的战争。影片大致可以按照强暴——谈判——夺子三个部分去看待。对于媒体而言，感兴趣的是第一段，对于电影而言，好看的是第二段，对于观众而言，印象深刻的是第三段。

　　当《色戒》之后，所有的电影都习惯高举情欲大旗之时，我们知道《苹果》的出现实则是很多人为之侧目甚至迷惑的。因为作为一部影片，特别是反映小人物遭遇的影片而言，《苹果》这部电影的优势在于其中充满了无数的现实影像，特别是令人侧目的影像，相比于《迷失东京》开篇在迷幻女声之下的都市盛景，这个“迷失北京”的故事令人感到了无所不在的衰败感。就像龙应台的观点，前门外纪事的叙述，北京是一个大工地，更是一个充满了不断飞速发展可能的机器，到处的建筑工地作为影片前半部分的人物行进背景出现，来衬托那种命运的不确定感。

　　城市很有趣，夜晚的城市是撒野的天堂，白天的它却并不光鲜无比完美无瑕。每个城市都不一样，电影里，每个城市都有着自己的不羁和落魄一面，却无人在影像外会同等视之，比如巴黎，它可以在旅游者的眼中成为一个光辉之都，也可以在那场暴乱当中成为一个梦魇之地。而在《料理鼠王》里，巴黎是梦想之地和美食天堂，但在《天使爱美丽》里，它却充满了奇奇怪怪的人和不被理解行为。所以说，影片中的一切都只是符号，这一切可以发生在世界任何角落的任何城市。

　　问题在于，是不是这部影片的现实性能够触及到人们心中的痛楚呢？梁家辉、范冰冰、佟大为，每个人物都具有不俗的演技和影迷市场，而且这个故事极其具有现实感，对于我们已经熟悉某些让人惊讶的内幕并将其漠视的时候，当《盲井》的力量到《盲山》的平庸贯穿了数年的光阴时刻，当《天狗》的农村戏份依旧，并成为现实的影像蓝本时，我们身边的城市中人的生活在哪里？在《独自等待》的轻松模式与新新爱情里？还是《上车，走吧！》的底层挣扎和久久回味中？很显然，都不是。

　　我们需要现实，并关注现实。

　　可是问题来了，因为很多人知道《苹果》是因为情欲，很多人观看这部影片是因为激情戏的出现，但是在开篇短短二十分钟内，却已经出现的几段情爱场面极为直白的影像，罗列到近乎频繁。我们说，“情欲”并不是不需要，但对于孩子来源的两场关键激情戏完全可以简单处理，或者像以往的电影手法一般借助错位拍摄或者干脆一带而过，而现在，不仅表现过程，甚至过分的改变了整部电影的节奏，并成为媒体热炒的劲爆新闻点的地步。那么，这种裸露就成为了一种罪过。毕竟在目前的审查制度之下，所有端坐影院的观众在看到“一览无物”的删减版时，便会产生被欺骗的感觉，而这种感觉，是一种最大的罪过。毕竟在现实面前，裸露无法被展现，这种根本无从实现的虚无，是一种罪过。

　　回过头，电影却因为裸露而成名，这实则是对影片的最大误读。影片过于频繁的情欲展示，也只能是一种负面的效果。

　　反观影片本身，是在孩子出生的一刻起开始变得较为现实的，故事也更为真实，因为第一部分安坤在强暴时刻的不期而至和与王梅的情感纠葛都令人感觉到刻意为之的虚假，明显有着为制造“冲突”去让巧合欲盖弥彰的感觉。再看看影片中段，却因为充满了太多的荒诞场景，有着黑色喜剧的效果，比如两人谈话时女子的消失和林东在安坤住处发现奔驰车标志的场面，再加上梁家辉扮演的林东在员工面前的卖力舞动。这些桥段都会换来观者会心一笑，换言之，这个时候电影的想象力是最丰富的，也让影片不会过于沉闷。对于一贯习惯沉闷叙事的国产小众影片，这是一种惊喜。

　　但是后半部分，影片的节奏忽然慢了下来，也不再荒诞，更贴近真实：

　　当两个家庭因为这个刻意出现的悲剧，荒诞的选择交汇时，现实和生活便会显出它并不温情的本来面目，之后所有的发展都在朝着失控也更合理的方面飞驰而去。

　　因为之前人们嘲弄了生活，选择了荒诞，生活的惩罚便一一实现：所以当每次安坤不合时宜的出现在林东家中，看到其对“自己”的儿子嘘寒问暖时；当王梅的怀疑终于爆发，为自己签订合同，铺平后路时；当林东乐呵呵的笑纳人们的赞赏，并不时的向偷窥的方向去趋近时；他们都走向了失控的深渊。

　　因为他们都有罪，这些选择无视生活和现实规律的，不按照游戏规则进行的疯狂者们，都被无情的打击和一一击破。

　　在这一切的罪恶的背后，只有苹果一个人独力对抗着一切，与安坤的真与假反复撕扯，与林东的进与退拿捏不定，与王梅上演着女人何苦为难女人的故事。

　　现在看来，导演李玉还是很有力的讲述了一个故事，因为你在这个故事里可以看到人们的命运轨迹和无奈的现实。偏离轨迹，缺失道德，夹缠不清，就像影片中段四个人签订后同之后开车行驶在北京街头的片段一样，望去，前后座位上错落有致的四个人正在上演着一出你方唱罢我登场的闹剧，很是值得玩味。而安坤在家中搭建的“金钱塔”的倒掉，小妹从一个初始与客人因为揩油翻脸，却最后成为出卖肉体走上不归路的女子，再到处处出现的建筑与空镜头的陪衬，还有之前第一次报复成功春风得意和购买电动车后安坤两次从屏幕右侧向左推进的行驶。以之去对比脱离既定轨道之后，安坤抢夺孩子，坐在地铁里，和被抓之前天桥上从走至右的行进的片段，这大量微妙的镜头和片断都会让人对这种现实的力量诧异不已，并为之侧目。

　　而在表演方面，如果用不动声色概括佟大为扮演的安坤的话，其不过不失的表现和金燕玲的狠都是表现尚可的配角。

　　相较之下，我们可以大喊“人人都爱梁家辉”了吧？！这个老戏骨在今年其出演的几部电影如《跟踪》和《战鼓》之类的黑帮和警匪题材中，表现都是轻车熟路的完美。但是这部《苹果》里，除了并不标注的普通话的鸡蛋里挑骨头，他演绎的很多场面都让人刮目相看，作为一个人物来说，林东不够狠，他缺少以往此类电影暴发户的不合情理和完整的粗暴，其更像是一个梦想者，这种优柔寡断被梁家辉塑造得极为成功，他在知道孩子丢失和真实身世的几个场景里的表现都无懈可击。

　　至于范冰冰扮演的刘苹果，我们可以看到她的努力与这个角色的无奈，毕竟剧情设置上较为讨好，因为这个人物实为整部电影唯一在心灵上无所亏欠的角色。

　　裸露的《苹果》是一种罪，因为无视现实而刻意为之的情欲会让人们怀疑这部影片诚意，我们不需要完全通过炒作来俘获眼球的影像，那种被刻意加入的片段会拖垮整部电影的节奏和在目前较为统一的社会道德准则下毁掉这部影片，我们不需要。

　　而不裸露的《苹果》更是一种罪，当人们都为了某种利益陷入疯狂和将亲情抛掷脑后把爱情踩在脚下把约定视作儿戏之时，这一切的结果不言自明，都会是失败。

　　所以说，在这个世界里，人人都有苹果可以吃，人人呢都有罪恶在心内，而人生和电影中的每个空镜头都会意味深刻，《绝代艳后》的空镜头结尾是床，上面颠覆了一个王朝，《苹果》的空镜头结尾是食物，如果你我是饮食男女，都会迷惑不清和处处深藏罪恶。

　　苹果，食之无罪。《苹果》，视之有罪。

《苹果》：露与不露都有罪 作者：慕容天涯 （转载）

《盲山》：我们的双眼不能盲

我总是不再希望中国电影里再出现这样的影像，却每每看了这样的电影后感觉自己仍然有良知，我感到了愤怒。我每每看完这样的电影之后希望电影中的那些种种丑恶不再出现，却明白自己这完全是一种奢望。人仍然存在，这个社会仍然存在，因此，这些丑恶也同样仍然存在。甚至，他会比人的生命更为长久。
　　
　　《盲井》让我感受到了地底的黑暗，《盲山》则让我闻到了地面上的麻木。我不知道李杨的下一部电影是否也会冠以“盲”字，但无疑，这次的“盲”比上次的 “盲”更痛彻人心扉。如果说《盲井》我们感受到的震撼，因为是“个人个别现象”，而让我们对那种震撼还有点距离的话，那么《盲山》的镜头里那一个个冰冷麻木的面孔则让我们感受到了一种包围的绝望。

拐卖妇女，这个在我们国内已经不是新闻的事件，几乎都逐渐淡出了人们的视野，但我相信，这种淡出并不是因为这种现象的减少，而是我们的冷漠。这种冷漠如同影片中的那些村名一样扼杀了无数女性的幸福。当随着中国的摄像机越来越远离农村的时候，李杨却将镜头深入到这个几乎被我们忘却的角落。
　　
　　同那些第六代导演所不同的，从《盲井》到《盲山》，在这两部电影中，他没有用任何生涩的镜头来刻意表现自己的深度，也没有将自己摆在了某主义代言人的位置。李杨几乎用一种平实却又残酷的镜头向我们讲述了一个每天都会发生在中国某个角落的不幸故事。而故事，也没有用过多的技巧，就是一种简单的直叙——这在那些注重主义以及技巧之类的第六代导演身上不容易看到的，这也是为什么我感觉对于普通观众来说，李杨的作品比那些第六代会“更好看”一些。对于这样一个故事，如何用最为简单的方法让大家明白这样一个悲惨的故事是最为重要的。如果可以，这样的故事更应该要用纪录片来表现。当然，李杨拍的不是纪录片，但是，李杨可以让电影像纪录片，事实上，他做到了。而他所“捕捉”到的，也是足够让我们震撼的，尽管那些镜头存在着艺术加工。
　　
　　当拐卖妇女已经成为一个村子习以为常的事；当被拐卖的妇女试图逃脱的时候，居然遭到全村男性的追捕；当邮递员将一封封求救信还给“丈夫”，当妇女在众目睽睽下被拉下车；当那些被拐卖了好几年的妇女终于开始逆来顺受后；当看到被围攻的警车时……麻木、残酷、冷漠、屈服、愤怒……这些便是我在看电影时所能想到的词语，李杨同样也是将这些词融入到了他那一个个看似普通的镜头中，影片没有过多的渲染，甚至没有一秒钟音乐的出现，这种死一般沉寂的氛围让影片显得压抑十足，而这种压抑也在白雪梅一次次地逃跑、一次次的抓回来后达到了爆发点，直到此时，当白雪梅终于坐上警车离开那个村子后，我也长真正松了一口气。
　　
　　看到网络上一些评论，说导演是以一种高高在上的态度来讲述这样一个悲剧，我当然不知道这个评论者的角度，如果说这样一部电影也是一种高高在上，是一种不同情，甚至是导演的机巧的话，那么我只能说，如此“机巧”的电影中国实在还太少太少。如果说结尾那和颇为主旋律的字幕也能成为批评者的借口的话，那么我反问，如果没有这个字幕，我们是否还能看到这部电影？要知道，他们是在中国拍电影。
　　
　　至少，拐卖妇女这样一个现实的问题，足以通过这些影像，被我们重新关注，这也是这部电影最大的价值所在。观众在看《盲山》的时候并不是为了所谓的人性的力量和尊严，在这样的山中，人性和尊严几乎已经淡然无存，也正是因为人性和尊严的缺乏，才使得影片中的那个村子看起来是那么的“狰狞”，就连白雪梅的悲剧，和他轻信他人，都也有一点关系，而白雪梅最终能够逃脱，也是和她仍然仅存的一点尊严有关，而这，也是我们在电影中看到的唯一的尊严。导演用一组极“恶”的影像，让观众产生了一种对“恶”的厌恶，并最终引发了观众对“善”的向往，这难道也是一种错？
　　
　　《盲山》当然不能和一些大师的作品比，但这并不代表李杨一定要如大师那般，用大师的角度和方式来讲述一个悲剧，只要观众被震撼并沉思了，那么，这部电影的最终目的也达到了。——我们的双眼不能盲。

《盲山》：我们的双眼不能盲 作者：陈赖汉 （转载）

《盲山》：盲电影

这本是一个很真实的故事，真实到单调乏味，可是导演为了丰富剧情塞入了很多生硬的细节，在那样真实的山村，像李青山那样“没有教养”的孩子，像黄德诚那样 “不知礼数”的青年，基本没有存在的可能，于是本该是反映现实的电影却沦为了一个女性抗争命运的俗套剧，真实的，该是像为了孩子下警车跑回去的那两个大姐，或者《三峡好人》里韩三明的老婆那样，反抗之后必然是无奈的屈服，或者，反抗还不如屈服。

据说电影原来的结尾是这样的：在激烈的拉扯中，绝望无助的白雪梅顺手抄起一把菜刀，朝正在殴打父亲的黄德贵砍了下去……，而我看到的结尾是：警察找到白雪梅后马上开车，却被村民们挥着棍棒叉耙拦住去路，两位警察和父女俩被搡进了村办公室，警察为了“事先没打招呼”向村长道歉，村长倒很强硬“你们这样乱来，出了危险谁负责？”，最后警察不得不留下父女俩灰溜溜的离开，第二天偷偷摸摸的救走白雪梅，玩命似的逃走，影片结束，最后出现字幕：“中国公安机关一直严厉打击拐卖妇女的犯罪活动，解救出无数被拐卖的妇女，并将犯罪分子绳之于法”，第一个结局很激烈很绝望，而第二个结局却是一个极大的讽刺，小山村被比喻成黑社会，村民受村长保护，村长派手下人收取养猪保护费，村长就是黑社会老大，人民警察怂到还要对村长卑躬屈膝，不知审片员看片时是不是睡了，或者是他黑帮片见得太少，有这样的情节都能公映！

拐卖、买妻之类事情在现实里并不罕见，我生长在农村，对这样的事有过亲见，所以以我见过的为据说一下电影与现实的区别：

1.被拐卖的妇女大多是生长在山区穷苦地方，家庭生活条件极差，所以外出打工时被骗，电影设定为女大学生找工作时被骗，虽然这样的事也有发生，但并不具备代表性。

2.男方家庭条件也很差，一般男的长相也不好，所以很难说上媳妇，父母有可能是拿出大半辈子的积蓄，几千甚至上万块钱给儿子买个媳妇，电影在这一点上比较符合现实。

3.买的媳妇在一两年之内基本是没有机会走出家门的，买东西的机会根本没有，等到她可以自由外出时，大概已经是生米煮成熟饭，孩子都快会跑了。

4.邻居家的孩子都会被家长告知不要接近她，而且孩子也不会主动接近她，因为一般是从很远的地方骗来，孩子们基本听不懂她的方言，电影里明显是从很近的地方骗来的，方言都一样，这么近，即使女的长得再漂亮，价钱再便宜，男的也不会买的，太危险。

5.虽然是非法婚姻，不会去领结婚证，可是民警也知道这些事，但是他们不会去主动营救被骗来的妇女，也不会帮助妇女逃走，他们总是睁一只眼闭一只眼。

6.领导视察总是会挑像样点的村子，想那样的山村领导根本不会踏入一步。

7.即使这样，女的还是有可能自己逃回家里，但还是会被男的找到，这时一般两家会达成和解，男方再给女方一笔钱，女的跟男的回去，这时两家已经基本确立了相对稳固的亲属关系，婚姻已属合法，男的每年也会陪女的回家探望一两次父母。

这就是最终结局，确实是对处于相对弱势的女方更加不公平，但从女的被卖到男的家里开始，两个人已经被穷苦命运绑在了一起，虽然一开始无关爱情，但这样的结局无疑是对命运妥协的最好结局。

被拐卖的女性是无辜的，是要反抗的，村民是愚昧的，邪恶的，这从女性的视角来看就这么简单，用脚指头都能想得清楚，可李杨用了一整部电影来表现，更深刻的问题，我想他不会想不到，大概是一相情愿的不去想。

从被害女性的角度看，问题很简单，更深层的原因就得去男性村民这里去找，也就是两条，电影里有表现，但显然不是重点：一，传宗接代，这是积淀了几千年的封建遗毒，用十本书也讲不清楚；二，养儿防老，这是最重要的原因，也是代表着农民生存状态的现实问题，做个调查能写一百本书，至于什么“买个老婆，多个劳动力”啊，只能算是副产品而已。李杨没有去想，可是贾樟柯用半部《三峡好人》就讲清楚了。

《盲山》：盲电影 作者：黑老八 （转载）

《十三棵泡桐》：成长，就是与青春说再见

青春，永远有说不完的话题；成长，在每个人心中都是一段刻骨的经历。所以这样的题材在全球都屡拍不断，又常拍常新。究其原因，大概是时代在变，人在变，所以每代人都有他们自己要回忆的青春和成长吧 。

的确如众多评论所说，看电影时我也想到了《关于莉莉周的一切》进而又想到了“麦田”和那群守望者。 但若论经典，这部电影则远未达到那样的高度，它只是让我看到了一些当代中学生的青春躁动，更多的是与现实产生冲突后的无奈。

经典，就意味着要打动人心。《泡桐》最大的难成经典之处就在于没有那种心痛。这种心痛，在很多经典影片中都给我留下了难以磨灭的印记。《美国往事》让我领略了友谊的末路，《天堂电影院》让我感受了追求的代价，《阳光灿烂的日子》是每个半大孩子都会做的梦，《关于莉莉周的一切》沸腾了我心中曾有 叛逆。他们的共同点是他们都在讲青春和成长，里面的小主角们都有自己的理想或梦想，这些理想可能与 现实，与家长，与真实生活中的自己，甚至有可能是与未来的自己产生冲突，然后他们挣扎，抗争或妥协 。在这些过程结束后，他们成长了或毁灭了，而观影的我，心痛了。

然而，《泡桐》与这几部的最大不同是，男女主角没有明确的理想甚至梦想。他们只是庸庸地“活着”。 当“活着”或者“活好一点”这一目的受到阻碍时，他们痛苦了，他们彷徨了。片中他们面对的问题有一 些时代意义却不真正具有代表意义。家暴，社会公正，公德沦丧，校园性问题（包括师生间），点到了， 却没有被合理运用在影片里，没有与人物的个性和命运紧密挂钩，所以没有更明晰更深入的探讨。

因为有了问题，所以就有躁动；因为躁动，所以反叛。过去的有一代人放弃了长辈指定的路，选择了自己的路，所以有了“麦田守望者”。我多希望看到当代中国的一群有理想的有自己特征的“麦田守望者”， 但我没有看到《莉莉周》中嘶裂式的诠释， 也没有看到《猜火车》中颓废式的诠释，却看到了《泡桐》 中略带功利主义的诠释。他们甚至没有真正的反叛，他们有的所谓的反叛只是服装发型中性一些，上课捣 乱一些，课后恋爱一些。因为这些反叛的肤浅，所以当他们受挫了时，他们痛了时，我心没有痛。

可能我要求过高了，总拿它与一些经典相比，当然有点勉为其难了。可是这本身也说明它达到了一定的高 度，至少让我想到要去比较。虽然比输了，但一定比很多其他的国产片还是要好很多的。从这一点上，感谢吕乐的努力。

《十三棵泡桐》：成长，就是与青春说再见 作者：影子 （转载）

《茉莉花开》歪评：超女诞生

因为《独自等待》让俺有了一点多关注国产片的冲动，于是，一口气看了三部风格差不多的文艺电影。巧的很，三部电影如出一辙的都是片外关注度大于电影本身，《长恨歌》因为郑秀文的抑郁而沸沸扬扬，《理发师》由于大艺术家陈逸飞意外辞世而令人伤心期待，《茉莉花开》上映之前就因为资金纠纷而变得命运多桀。俺还有点良知，不想拿别人的心情和去世说事，而《茉莉花开》实在“幽默”非常，特别主演是那么多人“喜欢”的不得了的“章子仪”，并且一饰三角，都是女超人级别的。

剧情很惨，是那种从生到死的惨（片中有人死亡有人出生），演员演的更惨，命运悲惨又残忍。小姑娘出生在三十年代的一个单亲家庭，从小就有股子贪慕虚荣的劲，跟她妈陈冲反正不怎么和睦。凭借青春亮丽，勾搭上了姜文，当了明星，红透半边天。结果被骗财骗色，人家提提裤子跑了，留了种，只好大着肚子回家了，继承了她母亲的“光荣传统”。台词这样，“我连死都不怕，还怕丢人，不就生个孩子吗？”怎么也想象不出，这是一位拥有几千年传统美德于一身的中国女性的一员！生了女儿，扔给外婆，玩去了，其他“母亲”的功能再也没发挥出来。找了个男人给做头，后来才知道原来是她妈的伴侣（这话别扭），那个爽呀，一边闭眼尽情享受，一边胸前凸起的两点还噗噗的渗水，这画面在国内导演里基本属于前无古人后无来者了。很奇怪，为啥上海女人都喜欢在做头的时候随性释放自己压抑的情欲呢，在被男人轻轻抚弄头发的时候，女人仿如“高潮”的境界表露无疑，似曾相识的情节在关之琳主演的《做头》里也出现过。做了头不尽兴，顺便做了个成人“礼仪”，男人压着女人正上下其手的时候，被陈冲闯进来抓了个现行。小姑娘脸皮贼厚，大有“母女共享”的正义凛然，于是把她妈直接逼河里去了。

没办法，外婆走了，只能尽职当母亲的责任，辛辛苦苦把孩子拉扯大。经过文化的深造，出落了一个水灵灵的美女（成人了由章子仪扮演，母亲换成陈冲扮演），恋爱了，结婚了，嫁给了陆毅。这是个贫苦的劳动者家庭，从小受得明星妈妈真传的小章哪住的惯，小资脾气一发，回娘家了，顺便捎回了个上门女婿。造物弄人，不知道是否外婆和母亲的罪孽太深，需要下一代赎罪。夫妻二人睡呀，睡呀，就是睡不出孩子，又捡不着，只好领养，名叫小花。可能是小章恐怖电影看多了，精神崩溃到开始幻想丈夫爬到小花床上要跟自己的未成年女儿亲上加亲，楞是能从洁白无瑕的床单上看出血花瓣，还大义灭亲的喊着，“你看你做的什么，我要告你”。生理上文艺不起来，咱也不能靠乱伦惊悚吧！结果，又逼死一个，陆毅卧轨了，自己也良心发现随着去了。小的孤苦伶仃，老的是那个当年逼死自己母亲的退役明星外婆，反正新生命出现，就得有死的，这回是一死俩。

悲惨还在继续，小花长成了小章，恋上了刘烨，不顾外婆的反对，私定终身了。小刘学习刻苦，懂得文化素质的重要性，决定出去上大学，攥着小花感人的那句“我等你”走了。这次终于没碰上负心汉，等了几年，竟然学成归来了。可了不得了，积攒了多年的分离之苦在一夜之间彻底倾泻，一番云雨，又造了个人，小花也怀孕了（为什么要说也呢）。为了最大化通过男人的差劲来反衬女性的伟大，这次刘烨也不跟小花玩了，闹离婚，反正是没一个好男人。给小花气的呀，爆发小宇宙，半夜打开液化气罐想同归于尽，最终还是悬崖勒马刹了闸，放了刘烨一条生路。生命还要继续，日子总得活，孩子总得生呀，虽然外婆去世了，虽然就剩下她娘俩了。那个闷呀，小的在肚子里又没法陪她说话，只好天天逛医院。白天，晚上，家里，医院，自己，肚子，这就是小花最后的人生。这回没生，也没死。这一家子都什么人呀，有了他们地球太危险了，我还是去火星吧！

电影的结局，估计是所有看过此片的女性朋友一致认可最震撼的吧。半夜要生，下着大雨，没有出租，来到街上，着急上火，疼痛难忍，独自一人，你说咋办？一个受尽生活和感情多重挫折的柔弱女子，凄惨的躺在大马路边上，没人帮忙也没有任何辅助的东西，只能靠天靠地靠自己在瓢泼大雨中咬牙切齿的把孩子给生下来了，感觉用“拉”更确切，是用手拉的拉。几代人的变态辛酸没有打垮她让她永远的脆弱下去，倒响当当的炼就了“超女”一个，搞定！照此思路下去，估计导演能把这个刚生出来的孩子打造成一个继承母业的宇宙和平维护者，接招，动感光波，咚~咚~咚！别说一些感情细腻的网友看了觉得自己两腿发软，就连我这个堂堂1米75的男儿都觉得浑身打哆嗦，因为这个镜头直接颠覆了我对男女正常功能的熟知，真害怕哪一天，轰隆，打个雷，我突然也生了一个。超女出现了，孩子出生了，电影结束了，我也快疯了！

说实话，俺真不想让这些看上去有些拙劣的文字招来全天下女性朋友的臭骂，俺非常全体投地的敬佩这世界上最伟大的母亲，俺也十分明白“女性能顶半边天”这个真理，可俺实在不明白电影到底想刻画啥样的女性，虚荣的？脆弱的？傻傻的？变态的？可爱的？坚强的？独立的？超级无敌的？看来，很多资深影评人说的对，这本就是宣扬纯女性主义的电影，根本不是像俺等只知抽烟喝酒的臭男人能看懂的，俺没事找事，应该老老实实去看三级片。

最后，有个很个人的意愿，不知道哪位导演抽空拍部“导弹炸开之超男诞生版”，让看不懂的女性朋友们也嫉妒一下。祝全天下的母亲健康快乐，祝所有的女同胞们幸福美满！

《茉莉花开》歪评：超女诞生 作者：九弦日

《红颜》：男人的精神侏儒与女人的出路

影片的最后，小云踏上了南下的火车……这是一个时代的悲剧，同时也是这个社会的悲剧。也许从80年代起，当“物质文化”在大地上开出绚丽的“恶之花”以后，这样的悲剧就一直在重复着上演。

很感谢李玉让我们看到了这个时代的病症和病情的真正缘由。永远不要告诉我说什么男女平等，当上帝从男人生上抽出那一根肋骨的时候就已经注定了男人社会主体地位的事实。无论从生理还是心理上来说，男人都更经受得起苦难和折磨。

影片中男人主体地位的缺失是造成了故事最后悲剧发生的根本原因。自始至终，影片中都没有出现一个健全的男人。致使他怀孕的男人在姐姐的庇护下远走他乡，这是男人对责任的逃避。她一直的等待最后等到的却是男人的骨灰。男人的死亡是导演很成功的安排，表达了导演对男人的绝望。永远都不要希望男人对女人付出一生的责任，男人有的只是插入与抽出时的快感和发泄。那个道貌岸然的个体户老板，是时代变革的产物，一个赤裸裸的长着雄性生殖器的禽兽。告诉那些厚颜无耻的男人，不要以为自己有几个米米就可以在大街上拿着勃起的棍棒胡乱抽人。

那个姓刘的男人虽然经常跟小云一起，但他却不能为小云提供必要的身体庇护和心灵的慰藉。当小云被她的老婆打倒在戏台上的时候，他在做什么呢？他在和小云新婚的宴席上，发现小云被个体户老板污辱之后，他又是怎么的态度？谁相信一个付出了真爱的男人能忍受自己的女人被其他男人进行人身污辱的事发生。扯淡吧！他在小云身上获取的同样只不过是肉欲的快感。抛开了感情，在物质的推动下产生的活塞运动与动物之间的交配又有何意。只有心灵靠近了的两个人，才可以将男女的交欢推往最高的精神境界。

只有小勇是真心爱着小云的，他在为自己所爱的人真心付出。到河里去为小云捉鱼，为小云的人品辩护、偷电烧鱼……这些都表现了小勇纯真的一面。这是一个还没有被社会污染的孩子，他在为成年男人承担着这一切的责任。这是去除了物质之后心灵最纯净的爱的表达方式。也只有这样的真爱才可以打动一个还有着理想与人格的女人。“你亲我一下吧”，这个本来该对成年男人的话语，却转变成了一个十多岁的小孩。接受对象的改变，这是成年男人的悲剧，也是一种讽刺。

80年代是一个社会大变革时期，改革开放的春风已经吹到了四川的偏远小镇。流行歌曲取代戏班、个体户的出现、关于沿海妓女生活的传说……人们关于物质和财富充满了各种的欲求和向往。和小云一起的几个姐妹关于婚姻和沿海生活的对话反映了人们浮躁的心态。当物质欲望在每个人心中潜滋暗长最后充斥整个思想开始支配个人行为的时候。女人的贞操就像阿里巴巴知晓的“芝麻开门”的暗语，成为她们通向物质和财富的工具。

李玉说她很久以来，一直在拍关于女人精神出路的东西。这部片子显然是一部很成功的作品，她找到了实质性的根源。只是很可惜，这样的根源还在随着物质的增长而强大。还是劝劝这些男人吧，别把自己当成一头赤裸裸的畜生行走在大地上，请承担一点自己的责任。

《红颜》：男人的精神侏儒与女人的出路 作者：落…

《双旗镇刀客》：无限接近的恐惧

永远要记住好妹身上的红棉袄。这部影片中唯一的亮色。在整个浩淼、荒凉的大地上照亮着人们对生的期望和渴求。有时候仅仅是一点心愿未了，便会让人迸发出无限的潜能。谁现在要是敢站出来说自己不怕死，那完全是几吧扯淡的话。死亡不是一种纯粹的想像和远处的观望，只有你真正濒临死亡的时候才有着对生命之火熄灭的恐惧。特别是外界强加给你的死亡，表现为一种突然的中断。

《双旗镇刀客》是一部关于生存体验的电影，表现了人对求生的本能反映。也许只有在脱离了秩序约束的空间里，人性才会表现得更自然和真实。主人公孩哥被导演放在一个孤立的环境里，何平想在秩序之外探究人性的问题。影片从两个山丘之间的空隙开始，通过镜头景深的无限延展来展现大漠的浩瀚，通过马的行走、水的枯竭，最后到达故事的发生地——双旗镇——一个被孤立在大漠中的小镇。这是一个独立的生存空间，没有秩序和王道。镇上的人们经常遭受到以“一刀仙”为首的土匪的威胁，传说中的英雄“沙里飞”是他们寄托的希望。

主人公孩哥来到双旗镇，为了保护自己的未婚妻杀死了土匪首领“一刀仙”的兄弟二爷，这让双旗镇陷入了恐惧之中。影片整个环境的营造就是导演为了更真实地表现人性所作的铺垫和渲染。至此，恐惧在接下来的情节中被导演一步一步地放大，影片进入了最它最精彩的部分。我们也跟着导演的安排，开始对人物的命运进行了紧张的思考，并为层层深入步步逼近的恐惧所害怕。人的机体想逃离危险的环境而又无能为力的情绪体验被导演入木三分的刻画了出来。孩哥欲走不能、求助“英雄”沙里飞失败，最后坐在双旗镇的旗杆下那种面似平静，其实内心恐慌不安的心理，被导演用太阳的光亮和旗杆的阴影清晰地表现了出来。

瘸子、铁匠、老人相继死在一刀仙的刀下，恐惧在这里被放大到了极致。我们没有死亡的经验，对于不了解的事情产生恐惧感是人类的天性，特别是面对人类最大的苦难——死亡。孩哥和一刀仙两强对峙，是孩哥对死亡最顽强的反抗。黄沙漫天飞，我们看不到打斗的招式，只听见黄沙包裹中传出的清晰的金属与金属碰撞的声音。飞沙之后，孩哥站太阳底下，头顶一道鲜红的血迹站在那里。人物内心的起伏跌宕，全部跃然于观众眼前。

整个影片采用写意的手法不但细腻、准确地刻画了人物的心理，同时也为整个影片营造了一种凄美的诗意。影片中的双旗镇据说是导演何平和编剧杨争光、摄影马德林，美术钱运选一行人沿着河西走廊行走一万多公里之后，在夕阳的余晖里，发现的一座完完整整的古城遗址，叫骆驼城。大漠的原生态景象一定会给观众带来一种原始力量的美，浩淼、荒凉的意境也一定会让观众对生命有更多的感悟。

请珍惜有限的生命，所有的困难都会挺过去的。面对恐惧应该多些冷静的思考和应对，任何时候都不要放弃了对生的追求。这是影片要告诉我们的道理。朋友们，当你把闹钟贴在耳朵跟前，你有没有听到时间流逝的声音呢？那声音有多强大只有你自己能感受得到。

《双旗镇刀客》：无限接近的恐惧 作者：落…

《太阳照常升起》：你一抬头，阳光就在脸上了。

感受《太阳照常升起》

曾经一度认为生活是多彩的，每个人都会在几十年中经历一种完全互不相同的人生。在“世界上绝没有完全相同的两片树叶”的蛊惑下，臆想着自己如何的与众不同，几乎相信世间万物只是为我而准备的一个舞台。在那些咀嚼“上帝死了”、“我是太阳”的黑夜里，我感觉自己是多么地接近太阳。

和每一个人一样，我经历过生活的一些波澜，在浪花的顶尖上不可一世地叫嚣事在人为；和每一个人一样，我经历过生活的一些波澜，在池塘的泥淖中奄奄一息地吟诵生本无生。即便如此，我依然无法将站在更高的地方认识自己，只是将生活中的这些欢愉和痛苦当成自己老于世故的资本或玩世不恭的借口，在那个时候，我还是觉得自己的生活是在一条独一无二的轨道上“走自己的路”。

我不敢断言对生活可以有多少种解说？我所清楚的是答案一定不是只有一种。

每个人都会遇到一些或轻或重、或早或迟的挫折，就象我们的身体会生病一样，不同的是有人在病后一撅不振，还有些人此后增强了自身的免疫力。问题的关键不在于此，而是在于人们会觉得自己生病的遭遇是特例，是和其他人不同的生活经历。这些经历，这些片断，这些生动具体的情节就是生活本身么？人们在得到、 拥有的时候将其归功于自己的卓而不群，在错过、失去的时候将其归罪于自己的时运不佳。总之自己总是无法和别人一样，这让一些人颇为懊恼，也让一些人努力巩固自己与别人的差别。

人是在过着自己的生活还是在过着类似的生活？微观的视角让我们看到千差万别的细节，同时也让我们忘记了从更高远的地方反思生活的机会与可能。

尽管在一些人看来是极不寻常的人生经历，看上去一些戏剧性的巧合在两代人之间上演着阴差阳错，尽管如此，但是将18年缩写成起点与终点两张画面，略去中间的所有镜头，我们看到什么？可能是“殊途同归”。人生与人生之间是雷同的。在另一部叫作《洗澡》的电影里，也可以看到同样的反思：人们每天披戴整齐之后在社会舞台上扮演自己的角色，他们之间是如此的迥然不同，但是在澡堂里，所有人没有了社会的身份符号，在这个高矮胖瘦各不相同的人群中，再也看不到贫富贵贱的差别，他们又是多么地雷同！不能透过社会符号的阻隔认识自己认识生活，人们自己将自己变得无知，仅仅因为人与人之间人为地加上了一些五颜六色的“幕”。

如果看到这种类似与雷同，就不要因为一些挫折对生活绝望，你所经历的别人也终将经历；不要因为与他人的差别而感慨：“既生瑜，何生亮”，你一定有些别人没有的东西。设想一下，如果瑜亮同时协夫人参加Party，那么会是谁吐血而死呢？不要过多地寄望于轮回与因果，那是运数，我们也许会碰巧遇到灵验的时候，但不能指望它疏而不漏，要知道，指望越多，失望越多。
还是把自己看得轻一点，把视界放得开一点。智慧是从认识自己开始的，不是从抱怨生活开始。如果你所看到的不同人的生活其实是平行的，注定的，那就离平和不远了。当我们决心追求快乐地时候，一定要抽空想一想什么才是快乐。

不管怎么说，我们应该相信，明天，后天，每一天，太阳照常升起。只要你抬起头，阳光就在你的脸上，和每个人一样。

《太阳照常升起》：你一抬头，阳光就在脸上了。 作者：mana

《十三棵泡桐》：谁才是手持刀子的真凶

《十三棵泡桐》根据何大草的小说《刀子与刀子》改编，影片最基本的叙事动力来源于主人公风子对于青春岁月的回忆。影片在一阵尖利的警报声和一连串摇晃不定的画面中引起了观众对故事的悬念。这种倒叙的悬念手法对于一个电影爱好者来说已经不再陌生，甚至是司空见惯。

女主人公风子喜欢刀子，缘于童年时看的第一本连环画阿拉伯故事集。勇士费拉斯为了证明自己的诚实和勇气，把一把刀子插在自己的脚背上。启蒙教育是孩子世界观形成的重要基础。从此，费拉斯的形象和刀子便成了风子青春成长中最重要的精神支柱。英雄崇拜，奠定了风子最初的人生观。她爱上了班上拳头最硬的陶陶，他是班上的老大，很多人都受他的保护。陶陶的身上边有着英雄费拉斯的影子。而刀子则成为风子的另一道精神支柱。每当风子受到伤害，心灵脆弱的时候，她的手中总拿着自己心爱的刀子。

影片中有几个写意镜头说明了这个问题：一个是风子被自己的父亲打了之后，她在给陶陶的电话中，在一端敲打着自己手中的刀子却不说一句话；另一处是包京生被学校开除，她被留校查看后，在回家的路上用手拿着刀子在铁栏杆上划过，以及她被老师叫到办公室以后，跑到废旧的工厂上用手拿着刀子不停起敲打铁栏杆的镜头。这都说明了刀子是风子的精神支柱。她希望通过刀子来获得对自身的保护。最后，包京生用风子的刀子挟持了阿利，同样说明了刀子在包京生心目中的作用，他期望利用刀子来使自己获得新生和救赎。

《十三棵泡桐》在对80后这一代青春的表述中，洗尽了矫揉造作的做派，还原了那青春期孩子们的成长原貌：早恋、性、学校暴力、家庭变故，以及语言面貌，为这一代人关于青春的回忆提供了一个很好的入口。

《十三棵泡桐》并不是一部仅仅关于青春成长的电影，影片不时地提出了对家庭教育的警醒和反思。风子、包京生的生活状态，都是脱离不了家庭的影响的。风子父母的离异、包京生的父母远在他乡、阿利父亲的纵容、陶陶父亲的贪污，他们都没有能对孩子尽到当家长的责任和义务。这些对孩子的学习和生活都带了极大的负面影响。

90年代被称为“告别革命”的时代，人们面对一个社会向市场经济的转型期，每天经历着社会巨大的变化、人心浮躁，谁也无法把握的不确定因素，让人们思想和行为变得盲目，一方面是面对新事物的新鲜感，另一方面人们对面未来表现出茫然性。

整个社会被市场经济的大潮冲击，时代的变革、人生观和价值观念的改变，离婚、贪污受贿等现象在社会中大肆出现。告别了政治变革，经济变革引起的社会变化对孩子的影响在80后这一代人身上开始明显地表现出来，孩子的价值观也产生着巨大的变化。包京生请大家吃烧烤、金贵被阿利骂用山里人，泡酒吧等现象在影片里的出现，都放映了时代在孩子身上打下的烙印。

一个社会的变化影响最深的仍然是成长中的孩子们，因为这正正是他们树立人生观和价值观的时候。导演用一群高中生的青春成长史将一个时代的社会变革呈现出来。主人公风子的事实就是时代的事实，影片以一个少年的回忆展现了当时人们的精神状态。晃动的镜头刚好合拍了那个时代骚动和不安的心理。而这样的一个时代，也注定带来了主人公以灰色为主调的回忆。这样一个调子是对过去和现实一种独特的表述。影片所表述的一切值得大人们深思。

《十三棵泡桐》：谁才是手持刀子的真凶 作者：落…

一个心理咨询师看《太阳照常升起》

有感于那么多人解读《太阳照常升起》，都不是我理解的。我和姜文一样都是60年代出生的人，我是怀着惊喜看完整部影片的，我觉得很震撼，这部影片太超前了，它的价值在10年甚至更多年以后，人们一定还会再次提起它，它的价值不会随着时间的流逝而黯然。我为什么会这么说呢？因为，它符合心理学和人性的很多东西。作为一个心理咨询师，我要把自己对《太阳照常升起》的理解写出来，特别是想把我对影片里带有意向色彩的镜头说出来，和大家做一个电影和心理学的探讨和分享。
　　
　　首先，时空上，大家要搞清楚本片的时空关系。《太阳照常升起》电影不是按我们所熟悉的时空顺序来进行的，这部影片是用倒叙的时空交错的手法讲故事的，整部影片两个小时，用了四个大时空段落来讲一个故事，影片一开始，第一段，简称1，小队长在唐老师夫妇来村里前和自家妈妈的生活故事，第二段，简称2，唐老师下放前和梁老师林大夫的学校生活片段，第三段，简称3，唐老师夫妻下放后在小队长家乡时和小队长接触的生活，第四段，简称4，写妈妈和唐嫂她们年轻时，曾经一起追寻各自爱的路上的经历和小队长出生时的情景。

电影是按1—》2—》3—-》4段落时空背景进行的，可在我们认知的现实中，影片所发生的事情的时间顺序，应该是按照4—》1—-2—-》3的时空发生的，其中1和2是在不同的空间，相同的时间并列发生的。我想，由于姜文刻意颠倒时间来讲故事，很多人对时空错位的叙事方式产生不适应，恐怕是很多人对影片故事产生不理解的原因之一吧。
　　
　　其次，《太阳照常升起》这部影片运用了大量的意象性镜头，对于心理学中的意象和符号学还不是太了解的广大观众，自然就无法感受也谈不上去尽情享受姜文在《太阳照常升起》这部影片中所尝试运用的电影语言了，运用意象进行对话，是近代心理学的一个热点话题，也是一个流派，所谓意象，从一开始就属于中国古代美学范畴。意，指心意；象，指物象。意象即对象的感性形象与自己的心意状态融合而成的蕴于胸中的具体形象。如画松竹梅，就代表了作者崇尚一种清廉高洁的品质，该词原为哲学概念。南朝梁刘勰在《文心雕龙》中首次将其用于艺术创造，指出“独照之匠，窥意象而运斤”，说明构思时须将外物形象与意趣、情感融合起来，以形成审美意象。
　　
　　姜文电影中的意象，构成一种意境的各个事物，如妈上树，石头砌成的房子，树，石头等这种事物，与其说带有姜文主观的情感，倒不如说，影片中这些意象组合起来，不是构成了姜文的意境；其实，是心理学的意象在姜文电影中的呈现。对心理学中的投射法和意象多少了解一些的人，都会欣赏姜文对人物在心理学层面上的超前觉悟和学习力，并感谢他为探求意象符号语言和电影的结合对于人物心理刻画所做的积极努力。
　　
　　下面，我就按影片进行的顺序，将我看到的意象性镜头语言符号和大家做一个分享吧。
　　1. 脚
　　影片一开始就是一双肥润的女人脚，它在洗脚盆中的水被阳光照射而折反出的绝美光影的衬托下被拍的很有灵性，从它踏上土地后，镜头长时间的跟踪拍摄这双脚，很多人对脚是有偏爱的，不是有恋足癖一说吗，姜文用这种方式，从影片一开时他就告诉大家，我的这部影片和性有关系，和性情、性交、性压抑，性解放、性疏导等等，都有关系。
　　
　　2．鞋
　　有了脚，一定会有鞋，农村小队长妈妈，那双肥润脚的主人，穷的却没有鞋穿。鞋在符号学里有时候是代表“性”的，这说明，小队长的妈妈在性上是有缺失的，是有需求的，是极端压抑的。当她捧着那双带有两只活灵活现的鱼眼睛的鞋时。姜文要告诉我们的也许只能有一种解释，妈的生命力也需要爱，需要她心灵深处情感的一种释放。因为，从我们挖掘出的夏商时期的陶器，我们的先人就把鱼作为一种性的图腾来崇拜，鱼代表多子多福。
　　
　　3.树
　　树是生命的象征，在艺术类心理咨询和治疗方法中，其中就有咨询师让来访者画树的情景，咨询师通过对来访者画的树的形象和构图笔法的分析，以此可以进一步了解求助者内心世界的潜意识甚至是无意识状态。
　　影片中，当妈把她的鞋放到树上丢失后，就意味着她的生命里从没有性的滋润到甚至也失去了性爱的生命活力的幻想。但妈并没有自认倒霉，而是爬到她自己赋予自己生命灵魂的树上，用近乎疯狂的呐喊，来宣泄自己压抑已久的生命的能量和对美好幸福的希望及幻想。树在影片中，就是我们每一个人的生命形象符号，因为在我们每一个人的心目中，我们每一个人都有一棵属于自己的树。
　　
　　4.石头
　　石头在心理学的绘画疗法中，一个人的画上如果有石头，就代表一个人曾经的创伤经历或现实遇到的困难，那是一个个的心结的投射。石头越多越大，代表的心中的阴影就越多越大。
　　影片中，妈在认为属于自己的生命之树的树的四周挖出了很多石头，很多人感到那是一个疯子的行为，其实，对于有心理学知识的人来说就不难理解妈妈为什么这么做，姜文也借妈妈的口说出了她为什么要挖石头，因为，树根下有很多石头。所以，树长歪了，寓意生命之树的树长歪了，一定是她的内心受了伤，有了很多的心结，所以，妈妈就挖出了很多象征她自己心结的大圆石头。这也是很多观众非常不了解的一种电影语言，很多人看不懂影片，不是姜文的影片难懂，而是因为，心理学刚刚在中国兴起，很多人对心理学的知识还没有多少了解。
　　
　　5.石头房子
　　影片中，小队长在静谧的森林里发现了一个石头堆砌的房间，在石头房里，他发现很多自己家里以前摔碎的东西，和铺着整洁被褥的床。这个房子显然是妈妈秘密建的。这又是一个典型的意象，
　　石头房子的内部，上下连通，错落有致，就像人体的心脏结构一样。
　　这个石头房子就是象征着妈的“心灵小屋”。
　　影片中，儿子好奇的打量着妈妈的心房秘密，因为，每个人心灵都是承载一生心结秘密的地方，他仿佛看见了妈妈，但每个人的心灵是不能随便进出的，更不能轻易被外人打扰。
　　小队长在石头房子里打起了喷嚏，随着他的一声声喷嚏声，油灯一个个塌了，他想拿起的每一个东西都是残破的。儿子只好逃跑似的离开了石头屋。这寓意。我们每一个人从前的心结都是不要轻易碰触的。
　　
　　除了以上这些，影片中带有典型意象的实物还有很多，比如，枪—代表了男性生殖器也可以说成是展示男性成熟能力的象征和他们快乐的源泉：三根女性长辫子，即代表了很多的女人也可以说明代表了东西方的差异和民族。这样的寓意在《太阳照常升起》里，是有很多的。
　　
　　影片中，还有些连贯的意向性镜头拍的也是非常出色的，比如说小队长身上经常背着的算盘，有一天，就被妈抛到了天空，算盘在蔚蓝色的天空缓慢翻腾，在落地的时候被摔得支离破碎，其中有一粒算盘珠子掉到了一碗稀稀的白米粥里。我认为，姜文在这里想表达的是，人们每天都在精打细算扒拉算盘珠子过日子，可你算来算去你算不过天，算盘在天上转一圈，落到地上，只有一粒是为我们服务的，归根到底我们都是在为自己那一碗饭而忙碌，姜文的深刻不仅在于此。又比如，当唐老师发现了妈的石屋后，他在门口扔了一个树杈，这个树杈是禁止的意思，告诉孩子们此处不能进，因为，人做事是要有良知的，人的内心世界，外人是不能轻易涉足更不能践踏的。在影片中，梁老师就用这个树杈告诉孩子们，树上的小鸟窝是不能掏的。这种人文情怀使得影片深刻而浪漫。

　　影片中妈妈的形象很有特色，很多人都认为妈是个疯子。其实，妈根本就没疯，她只是出现了一些人格障碍。首先，妈有自知力，他问自己的儿子：“我疯了吗？”儿子说：“有时候，但没疯。”妈坚定地说：“疯。”心理医生都知道，正常人和心理疾病人的最大区别是，正常人有自知力，病了就去看医生，很正常。心理病人是看谁都像病人，就自己没病，他们是拒绝就医，不承认自己有病的。其次，妈妈和儿子有一段互相摔碗的镜头，儿子大声的对妈妈说；“我不愿意上学，是我不愿意听同学说我有一个疯妈”。儿子对妈妈大声的咆哮，但妈妈一点都不生气，因为她知道，人在很压抑的时候，是需要有宣泄的，是要有个出点的。她用火柴烧孩子的手，告诉他疼是正常人的感知，也说明她的认知系统没有问题。就连妈最后的自杀，也是，妈再也不想给自己的儿子增添麻烦，为了不拖累孩子而自觉的行为。这一切都说明，。妈不疯，疯的，是那个年代的疯狂。
　　
　　看完这部影片后，很多人对梁老师的死都有自己的理解，对这个问题还有一个思路，梁老师、唐老师都是从海外归国的华侨，梁老师是单身，弹得一手好琴，还会唱动听的歌，很多女人都喜欢他，当他抱着吉他唱歌时，厨房里的五个女人一边揉面一边摆腿，是那样的春心荡漾，梁老师也知道，林大夫也很喜欢他，可是，当他摔断腿被别人误当成流氓遭到痛打住院时，他很诧异会有女人那么疯狂地对他表达爱意，其中还有林大夫，这让他不能理解。因为，他在被众人追赶时无意中发现了唐老师和林大夫的奸情，林老师应该爱唐老师啊，他为什么还说爱自己呢？他很困惑，不明白，为什么唐老师要自己承认摸了女人，当他说请唐老师和林大夫吃饭时真相揭开了，姜文在这个时候又用了一个的镜头，那黄色的门帘在唐老师兴致勃勃的出去时，被风轻轻掀动着，黄色，在古代是皇帝的专用色，皇宫深似海，皇帝的心是最难猜的，门帘掀动了，秘密也就快被揭晓了，果然唐老师的吹号声，就是他呼唤林大夫偷情时的信号，他也理解了，当他帮林大夫拧干衣服时，当听到唐老师铜号响起时，林大夫为什么说了一句话，“讨厌，才中午啊”，是什么意思，原来，林大夫一再表白自己也看电影了，还被人摸了，只不过是在变相证明自己，她那时没有在唐老师房间，她对梁老师爱的表白，实质上是在拯救自己。
　　梁老师不愿意看到自己生活在这样一个虚伪的世界里，他走了，面对着用形形色色方式骚扰他的人，他的离去，坦荡而从容。
　　
　　对于影片中苏联老大妈的出现，有些人也觉得莫名其妙，其实，五十年代苏联就像老大哥一样，支援帮助我们，由于意识形态的不同，中苏关系在上个世纪初破裂了，三个不同颜色的大辫子，即说明“阿辽沙”有很多知心女人，他不再想跟你这个黑辫子的小妹妹玩了，他不喜欢你了，他只给我们这个中国小妹妹留下了很多陈旧过时的光荣和梦想的精神食粮，一本苏联批判家写的书《怎么办？》，你自己看着办。小队长的妈，背走了代表自己所有梦想的阿辽沙的遗物。对自己选择的责任，妈重复说了很多遍“我知道”，就像她丢了鞋时，鸟儿不断说的“我知道，我知道”，他们知道的就是自己在需要依赖和被保护时的心灵梦想的破灭。知道了这个时代背景，就很容易了解苏联老太太出场的用意了。因为姜文就是在六十年代初这种时代背景下出生的人。小队长就是那个时代人无知压抑而又渴望美好人生的一代人的缩影。
　　以上就是我对姜文《太阳照常升起》电影的一个简单认识，今天我把它写出来，希望得到电影爱好者，心理学爱好者的批评指正。
　　同时也谢谢所有关心支持我们看电影聊心理（电影心理剧工作坊）的朋友们！
　　谢谢能把全文看完的，你们！

一个心理咨询师看《太阳照常升起》 作者：杨凯铭 （转载）

《疯狂的石头》：小民与城市化的战争

当《疯狂的石头》在全国引发观众爆笑的时候，很多人都被导演安排的戏剧性情节和几句方言所迷惑；当宁浩在网上被重庆人骂为只拍重庆发展最差的地方，为重庆丢了面子，其实重庆就早就发展很好了的时候，我想很少有人去想这个故事的实质。

老实说，导演安排的几个巧合和几句方言的噱头并不足以吸引我。我更愿意把这部片子看成是小民与城市发展之间的冲突与斗争。也许拍摄的时候导演本身并不是这样的初衷。但这部片子的主题表现的其实就是城市化引发的小民生活问题，只是观众们被戏剧性的情节所误导了而已。就像我的朋友张万新的小说《马口鱼》，小说家自己其实是写的一部都市题材的小说，但是读者都被小说主人公所讲述的农村故事所引开而误读了它。这部片子也一样。

一群以包世宏为首的工人，为了能让停厂了的工厂再度运作起来，他们把希望寄托于在工厂厕所里挖到的一颗翡翠，他们寄于用翡翠换来巨大的资金使工厂重新运作起来，以解决整个工厂工人的生计问题。但房地产商却千方百计想通过厂长谢千里收购整个工厂，以在其土地上开发楼盘谋取暴利。城市发展与小民生活的冲突在这个特定的环境里发生了碰撞。整个影片选择在重庆城市经济落后的地方拍摄，在影片讲述的整个斗争中，不免让我们感觉到这块土地的急迫感和压抑感，似乎这样的一块土地已成为孤岛，正慢慢挣扎着一点一点地被蚕食。

城市的开发史其实就是地产商的扩张史。城市的扩张必定引发或大或小的社会问题。重庆的发展也一样。地产商的造城运动在扩张了城市范围的同时，也使原本拥有着土地的人们出现了各种生计问题。这是一个世界性的话题。无论是从19世纪英国的圈地运动还是到现在的造城运动，我们都可以看出，城市的发展其实也是以一部分小民的生计为代价发展起来的。

城市的发展占用了小民原有的土地，使他们失去了自身的生活资源，而他们自身的知识程度并不足以让他们在城市中抢占有限的生活资源。在市场经济时代，他们没有生存的竞争力。这也是引发城市社会问题的重要原因。所以，影片中出现了以道哥为首的盗窃团伙，他们的出现便是城市化引发的社会问题的具体体现。他们通过欺诈、盗窃等方式来谋求生存的权利。但他们比起从香港过来的国际大盗麦克显然是显得渺小的。他们不懂也没有任何的科技手段，在这个连盗窃都要运用科技知识的年代，像道哥们这样的人群，只落得了在下水道里爬行的下场，而麦克虽然同样遇到各种窘况，但处境显然比他们好。影片运用了大量的并列镜头，一是凸显故事的戏剧性，二是对比人物生存状态的差异性。

影片在编剧上过度强调情节的戏剧性，损害了人物的真实性，同时也损害了剧情的紧密性。从谢小萌和麦克的身上便可明显看见人物生活上有生硬的雕琢痕迹。而比起美国导演罗伯特·奎恩拍摄的黑色惊悚片《死尸》中矛盾的逻辑冲突和环环相扣的情节，《疯狂的石头》也就只能算是一部二流水准的电影了，毕竟几句方言的噱头并不足以体现影片的全部。

《疯狂的石头》：小民与城市化的战争 作者：落…

《太阳照常升起》：你被耍了

意淫很伟大，无中生有也会变成高尚

电影上映后，不外乎被评为年度最佳或最烂，即便不温不火，也会有很多人津津乐道着票房究竟会和“黄金甲”之类差距多远，而“最具话题电影”，如此评价，实在不知褒贬为哪般，《太阳照常升起》就落得了这样的田地。

憋了五年，姜文的新电影终于来了。大家看了，也懵了，想不起如何称赞，更不知怎么臭骂，却都数落着脑细胞到电影里扒拉更深层的含义去了。《阳光》一看就懂并难以忘记更容易让人怀念，《鬼子》是把一直都懂的从相反的方向重又理解了一遍，这次，《太阳》用绚丽的色彩和优美的音乐，让我们high了个彻底，却直接看不懂了。不是看不到，不是听不到，而是该怎么想，该想什么，抛开电影本身，意义成了最重要的。

电影成了测试题，因为观念不同，智商高低，有了很多不同的解释，有了很多个性化和社会化的理解和意义，有些甚至已经超出了姜文自己的理解领域。好像，这部电影的出生，就一个目的，让你猜，猜拍的啥，猜为啥这么拍，而观众也出奇的配合，“我知道，我知道”，我不是傻子，我看懂了。于是，关于那个特殊的年代、关于社会的信仰、关于人性的善恶、关于压抑的欲望、关于性、关于爱情、关于梦想，通通的解读都有了，似乎都能猜透导演的心思，似乎都在跟这部被姜文称作“很来劲”的电影较着劲。

真挺来劲的，也挺没劲的。有人说姜文本来就是拍给自己的，也只有那个年代的人才能理解，那70和80后的这些，顶多看看房祖名的屁股有多白，陈冲究竟骚成啥样，姜文拿枪有多MAN。至于那个年代的“陈冲”们为啥那么“湿漉漉”，就算咱爸咱妈那一辈有权审度，也肯定不会说出那时候的“手抄金瓶梅” 藏在哪吧，“打死我也不说呀”。至于，那些30年前被压抑已久的欲望和人性，指望让新世纪拿性爱当三餐的年轻人们消化掉，打死我也不信。

超现实？幻想主义？故事到底说的什么？每个人心里都有个问号，连姜文也纳闷，多简单呀，连他女儿都能看懂。或许我们都被耍了，或许真的像姜文说的那样，“这个电影其实很直接，只有单纯的人才能做出最直接的反应”，看来那个敢于说出皇帝其实没穿衣服的小孩应该能看懂。其实，哪有那么多为什么，疯妈疯了失踪了，小房破处了偷人老婆死了，黄秋生摸了屁股上吊了，姜文开枪打鸟打人了，最直接不过是姜文开枪打死了自己的儿子，画面、音乐、男人、女人、生孩子，看似复杂其实简单的故事，如此而已。意淫很伟大，无中生有也会变成高尚。

如果那些看似虚幻的画面让你摸不着头，也许你会说姜文有娇柔做作、装模作样的嫌疑，可听了“这只是我的一个梦”他这句颇有流氓性质的解释，对一个梦，你还需要深究吗。姜文说喝点酒看片子更合适，我看倒是想睡觉昏昏沉沉看正好，反正都是梦境，清醒了看不懂，说不定梦里全明白了。而如果你对他的电影以“观众看不懂”为理由进行批评的时候，或许正中身为野兽派代言的流氓大使姜文的下怀，“看不懂的电影，你应该多看两遍”，看不懂再看呗，至少票房不限制看电影的次数。

其实就是一部电影，剧情正是你看到的和你听到的，至于已经上升了无数高度的反思和智慧性的感想本来就是仁者见仁智者见智的事。当然，电影必须是电影，特别是姜文这么一个狂妄自大而又超有感伤情怀的导演，他必须用点看似魔幻的艺术手法，让你明白又糊涂。如果你从另外的层次发现了什么，也许是姜文设计好了故意而为之，也许只是他碰巧弄了一个产生了多种解释的剧情而已，如果他没有始料未及的感觉，那只能说一个伟大的导演真的诞生了。

无论导演是否真的那么聪明，如果把电影比喻成艺术和智商之间较劲的一场战争，那么在《太阳》带给我们的视觉和幻觉的双料冲击中，终归被耍的还是我们！

《太阳照常升起》：你被耍了 作者：九弦日

《向日葵》：血缘牢不可破，责任不可推卸

血缘是一条看不见、摸不着、割不断的无形的纽带，父亲的责任是一团在内心深处燃烧着的炽热的火焰。

《向日葵》是一个关于血缘与责任的故事。故事发展的脉络很清晰，情节也很简单。从一个孩子的成长到最后自己作为父亲的过程讲述了导演对父亲的责任的认识。

父亲是一个画家，由于文化大革命坐过六年牢，在审讯过程中大拇指被毁坏从而失去了画画的能力。对于一个孩子来说，没有父亲的六年是不完整的六年。对于一个父亲来说，没有对孩子尽到责任的六年是罪恶的六年。为了弥补对孩子应尽的责任，同时也为了完成自己中断了的梦想。回来之后的父亲开始尽心尽力地让儿子向阳学习绘画。但孩子贪玩的天性与做父亲的尽责任在这里产生了冲突。这是一种再正常不过的现象了。每一个人的童年都应该与父亲产生过这样的矛盾。

任何剥夺孩子天性的事情都会招来孩子的抵触和反抗。父亲的要求越严格，反抗的力度就会越大，积怨的增加甚至会做出过激的行为。孩子的能力不足以让他们从正面回击自己的父亲，他们便只有通过对自身的毁灭来破解外在的压力。所以向阳企图用缝纫机的针尖扎伤自己的手指，以及用手握住点燃的鞭炮来摧毁自己绘画的右手完成对外界的反抗。

少年的离家出走，青春期的恋爱，父子间的争吵与动粗，成年后观念的不同，意见的不合……这些都是每个人成长过程中会经历的事情。也只有这些真正的来自生活的场景才能让人产生共鸣。导演对这些事件的描述，增加了故事的真实性。这部片子应该让那些年轻的家长看看，它会让家长对教育孩子的方式有一个全新的认识。让他们保持足够的清醒和冷静。

但父子毕竟是父子，任何的争吵争斗之后，他们之间的结局还是和好。因为血缘是牢不可破的。为此，导演特意安排了一场在冰地上的追逐戏，父亲掉进河里，儿子流下了眼泪，同时还是伸出了自己的右手，以及在儿子向阳的画展中用张晓刚的《血缘大家庭》系列油画（我想我是没有看错的，影片中向阳的画展用的就是张晓刚的这组油画）来表达向阳对家庭的认识，完成了对这个主题的表现。

父亲对儿子的抚养过程，让成年后的儿子的对父亲这个角色有了自己的认识。所以在考虑什么时候生孩子的时候得有一个心理准备。因为孩子一旦降生，你就得尽好做父亲的责任。人们也常说，尽不到做父亲的责任，就不要让孩子到这个世界上来。影片中父亲的同事老刘就是个最好的反面例子。因为没有管教自己的儿子，儿子出走之后，老刘的老年生活常常觉得寂寞，最后也只好一个人形单影只地悄悄死在了自己家里。这就是一个关于责任的悲剧。

影片最后，导演安排了向阳的妻子生产的过程，镜头完整地展现了人的出生过程。人的降生的伴随着别人的痛苦来到世界上的。女人的痛苦、婴儿身上的鲜血，向阳的眼泪，金属夹子和尖刀，这些都说明了女人的痛苦和生的来之不易。是为警醒父母对每一个孩子负责的敬告。同时也是一种道德的启示。

《向日葵》：血缘牢不可破，责任不可推卸 作者：落…

爱与轮回——《太阳照常升起》

“你只能说你没看懂不能说你没看见”
“你也不是什么都懂”

在去赴”太阳” 宴之前，电影里的对白早就暗讽了现在出现的“太阳解码”的怪圈。过多的解密对于大部分人来说“很有劲”，大家费尽脑汁，反复观看，形成互动讨论，就为了把影片那些个隐秘的细节一一找到答案，对号入座。或许这就是国人观影的一种嗜好，一定要搞清出个所以然来。而编剧早就说过了，这是一部非逻辑故事的电影，而国人恰恰不适应这样的非逻辑，于是群体解码运动就随着太阳一同升起了，当然还有恶搞。不过，这部大片的解码现象超过了恶搞得热潮，这部电影不同于《无极》、不同于《黄金甲》，这是一部好电影，虽然你会说看不懂，但是你看得很舒服，色彩、镜头、人物，都让你觉得舒服，而且乐意在电影结束后孜孜不倦的解读——太阳不宁把，太阳很真诚。

姜文自己也说过，导演就是请客吃饭，来了什么客人，客人来了一进门穿什么鞋，客人喜欢什么口味，菜色怎么搭配，餐具怎么摆放，怎么让客人感到宾至如归。在《锵锵三人行》的采访中，姜文也是这么做的，他每拍一个镜头就会观察周围人的反应。在拍摄的过程中小范围的观察，之后在大荧幕背后观察所有观影人的反应。这部电影是导演的一个梦，亦如电影的开头，疯妈从梦中醒来了，然而导演的梦却开始了。电影终究是拍给观众看的，所以姜文把这个梦做得很有趣，奇幻得有趣，他轻松得带你走进了这个梦境，在他的梦里，你也和李东方一样在清澈的湖上自由畅游，朦胧得看不清引路人，却一直不放弃追问寻找阿辽莎和天鹅绒。

“阿辽莎，别害怕，火车在上面停下了，他一笑天就亮了。”
“阿辽莎，别害怕，火车在上面停下了，天一亮他就笑了。”

每个梦都是特别的，独一无二，没有重复。上树的羊，树上的疯妈，树底的鹅软石，死去的李叔，投石子的老太，屁股摸了手的姑娘，翻飞的黄色门帘，还有校长室神秘微笑的小陈，还有那个打猎时留下的记号，以及那面镜子和口罩。电影里的人物不断呢喃着“陌生”，的确是陌生。在梦里，真实经历被自己封上了各式的隐语，真实的欲望打上了自己都看不懂的标记。而他人的故事却在梦里真实如同自己的故事般上演着。
很多解码影评都在大胆的证实着人物之间谁是谁的关系，而导演也说了，他其实就讲了两个人：一个男人，和一个女人。我们也都知道，这个世界，除了男人就是女人了。这个可以放在任何时空都能讲述的故事，或许就和《一一》一样，把所有的话都讲完了，《一一》是一个生命的轮回，生活永恒的基调。杨德昌用一个家庭，讲完了所有的家庭和各个阶段的人生，虽然那个调子如同one and two一般的单调，但是那个浓缩了导演的影子的小弟弟，在开始敏感得触碰这个世界后，依然会继续长大。虽然人生的体验依然会周而复始的重复，但是生命的力量却不会停止。《太阳照常升起》用一个魔幻的梦，和四段“带劲”的故事讲述的同样也是一样的人生，魔幻的讲述中调子变得绚烂和张扬，最后的狂欢中被火点燃的帐篷预示了新生命的开始，火一样的生命如同太阳一般，火车上有人在打兵乓、有人在做饭，一辆预示生命的火车中李东方出生了。新生命开始了，进了亘古不变的轮回中，即便如此，人们依然狂欢着，这里的太阳或许不是一种希望，轮回的道理导演们都讲完了，人生就是这么回事，管你用什么样的调子。可是人们依然狂喜，新的生命依然在开满鲜花的轨道上，我们依然热爱着这个伤感的孤独的星球。

在不停转的各个时代，在不息的各个生命，在不止的痛苦与压抑、茫然与心痛，在生命的每一列火车上，虽然这一切早已在轮回的司命薄中记录备案，虽然我们怎么穷折腾，太阳每24个小时总会升起；姜文的梦是真诚、可爱的——虽然那个苏联老大妈说是天真害死了阿辽莎，他像那个出生在铺满鲜花的轨道上婴儿一样天真的告诉我们，太阳照常升起，生命照常轮回，而我们追求的爱、性、梦永远不变。

爱与轮回——《太阳照常升起》 作者：夜的蘑菇

《恋爱地图》About Love

关于爱，什么样的文字能够将其真实的诉说呢？

夜里静静的看完了《恋爱地图》，很想讲述一些事情，关于爱，关于梦想，关于青春。敲下键盘之前，我努力构思着一些华丽的文字来表达对爱对梦想对青春的憧憬，却不觉间忘记了，无论爱、梦想还是青春，本就不是华丽的，因为爱、梦想与青春便是我们的生活，生活，是不可华丽的。
画面中无论陈柏霖的单肩斜背包、城赛单车还是范晓宣的红花黑底丝绸衫、帆布鞋子，无论李小璐的纯白或碎花衬衫、及膝素色裙还是冢本高史的红色单车，还有加濑亮的机车，它们都在向我们展示着青春的气息，而其背后，我却看到了梦想。电影开始陈柏霖简单而直接的独白自信、勇敢、单纯而又执着，青春的光芒无情的感动着日益苍老的我们——“想成为棒球手就应该选择纽约，想成为足球手就应该选择马德里，想做好电影就应该选择好莱坞，想玩摇滚乐就应该选择伦敦，想成为漫画家就应该选择东京，梦想在那就该往那儿去。”是啊，梦想在哪就该往那儿去，可我们的梦想呢？
总是想看到爱情开始的样子，是人流中哭泣的脸，触动心弦的那副画，抑或是异国少年的神秘青涩亲切干净。不论怎样，都是青春时才有的开端。

东京。为了漫画家的理想义无反顾的到东京求学的台北少年，却在一日日的求学中渐渐失落着自己的梦想，对故乡的思念前途的未知一点点的蔓延着，车行街头，泪流满面的女子擦肩而过，我见忧怜。墙上大大的落寞的油画打动着少年的心。。。爱人去了西班牙的她，却在爱人回国1230小时之后仍然没有他的讯息，她想念，擦着他留下的香水，穿着宽大的衣服寂寞的走在街头，“我喜欢擦着男人香水的自己，但我讨厌擦着香水等他的自己”“在西班牙遇到了命中注定的女人。他说了这句话就挂掉了电话。三年的时间，心心相印的他，只用了四秒就把我们的关系打上了终止符。”悲伤的她泪流满面，落寞的油画寄托着自己的点点心思。。一天一张的漫画终于让他和她相遇，在飘扬着纸片的街头，两人相对而立，“你好。”“初次见面。”
喜欢东京故事的画面，涉古的十字路口，街角的茶座，鲜艳的建筑，导演在画面上下了很大的功夫，而他和她的爱情也终究让这一切更加美丽了。。。
忘记说故事的名字了，你好。
台北。失恋的夜里无法入睡，钉书架来挥散心中的思念与忧伤，浩大的工程之后却无法抬起，于是找来了不熟的异国的他，借用他的身体完成了关于书架的所有事情，暧昧之后的沉默，写在书架上的粉笔字，“男朋友 分手 睡不着 钉书架 抬不起来 对不起 我只是借用你的身体想念他”“理解”，两个同样孤独着的男女，在那一刻成为一体。陪她去找她的他，一遍遍的练习着“林士宇，阿思来了，可不可以去见她”，这个来自异国的男孩子，他深深的理解着她的痛苦。坐在海边，固执着重复与固执着理解的他们，让我感到阵阵心痛。。机车后座上抬起左手挥别昨天的她，默默的帮着她的他，紧紧相偎的两人在雨中默默前行。“下雨了，我最讨厌在雨里骑机车，又湿又冷的。突然，机车骑进了隧道，没有风，没有雨，黄色的灯光，让我感觉好温暖。虽然，我知道隧道不是尽头，我将会再回到风雨里，但是，我多么感谢这一段的短暂的温暖。谢谢你，隧道。谢谢你，taija。”
台北故事的名字，谢谢。
上海。睡眼朦胧中她看到了将要入住的日本房客，一个少女的心思也许就在那时便悄无声息的被打开了吧。。半梦半醒间的相遇，他的出现恍若梦境。。
偷偷的喜欢着他。和他一样漆成红色的脚踏车，和他喜欢的人一样的卷发，还有和他的衬衫晒在一起的衣服，风中飘扬的两人的衣角仿佛她飘扬的心思。电话里女友问他的地址，调皮的她对他的取笑，被他握住的手。弄堂里失恋的他一圈一圈的骑着，一遍一遍的撞着红色的墙壁，只能静静走开的她。他教她玩棒球，在他怀中时羞红的脸与幸福快乐的偷笑。她捡了他剪碎的女朋友的明信片，一点点的读着，拼拼凑凑断断续续的读着，他要走了，她也终于知道了明信片内容的全部，而他却要走了。她坐在他身边，他摸着她的直发，“还是直发好看”。外面大雨滂沱，雨中奔跑的她伤心欲绝，因为他要走了，因为他不爱她，因为他不知道她爱他。雨中的天台，她收下他的白色衬衫紧紧的抱在怀中，看不到她的表情，可我有着说不出的难过。终于，他要离开了。她去送他，两人不舍的说着一句句再见，他打开了车门，她终于努力地说出了最后一句te quiero，她忍着眼泪告诉他这是西班牙文，再见的意思，他高兴的喊着te quiero离开了，留下她在原地怅然若失。一年后，他回到了中国，碰到了一群即将毕业的西班牙留学生，“te quiero！”，友好的祝福却换来了他们的笑声，不解的他也终于知道，te quiero，是“我爱你”。心疼的他回到了弄堂，却只见一片废墟，唯有他们一起玩棒球时的那面墙还在。原来最残忍的，竟是那一句句的te quiero，那一声声的“我爱你”。。。
画面来到了一年前，站在原地的她，重复着te quiero，泪流满面。。。
上海故事是我最喜欢的，也许是因为同样经过的偷偷喜欢一个人的苦乐，也许有更多的也许。
上海故事的名字，再见。

电影就这样结束了，东京的画，台北的雨，上海的信。爱，梦想，青春，所有的一切是那样的真实，所有的一切又是那样的残忍。爱在继续，梦想在继续，青春在继续，所有的一切都在继续，但置身其中的我们究竟得到了什么呢？为了我们的爱为了我们的梦想与青春，我们都在努力的奔跑着，但真正到达目标的有几个？当我们的爱、梦想与青春给了我们太多的伤痛之后我们还要不要继续为之继续呢？即使他们根本就没有给过我们太多的幸福与快乐？
也许我太过感伤了，毕竟还有东京街头的相遇。

《恋爱地图》About Love 作者：且听冯吟

怪诞与真实杂糅的《太阳照常升起》

《太阳照常升起》，在我看来，正常顺序是二十年前，孔唯和周韵在共同起点出发寻找爱情，而孔收获姜文，周爱上个不该爱的人，万念俱灰时生下了遗腹子房祖名，自己由于极端痴情而精神状况不稳定，近二十年后则给儿子带来一堆困扰。同时，姜文与黄秋生在学校教书，黄秋生遭人诬陷，然姜文情人陈冲爱上黄，尽力协助脱罪，结果黄秋生上吊，难分自杀还是被杀，姜文难逃嫌疑则被下放到了房祖名的村落，却遇见房祖名母亲自杀，常年独守空房的姜妻子，与小自己20多岁的房干柴烈火，姜举枪瞄准了房……

刚开始这个电影可能会看不明白，很多细节不不明白意思，然而这种看不明白完全不会影响观影乐趣，把思考留在立场后吧，电影塑造的氛围会完全牵引观众的情绪。我的初看感觉故事大概就是这样,但我这是寡淡无味的平铺直叙，姜文却将怪诞与真实杂糅，使电影显得传奇眩目，畅快淋漓。相信走出影院时还一头雾水的人不在少数，这个就是姜文电影的魅力，我看见的仍旧是一群悲剧式英雄们的残酷浪漫故事。

一：“疯”、美足、痴情的绝望
电影第一章，不断奔跑中赤裸的美足、红色的泥地、白光光的卵石、叠连的青山、白云蓝天，碧水苍树以及一晃而过的黄须红鱼绣花鞋，梦魇般喃喃自语的周韵，这些元素构建了个活生生的童话世界，周几乎用自己一生等待着最爱的人，执着单纯的活在自己意想的世界里，真所谓“别人笑我太疯癫，我笑他人看不穿”！时代的抛弃，我们和她一样已经不用再分辨那男人真心还是假意，甚至名字都已经成为符号，只知道小房的父亲就是“最可爱的人”，就是那诡异的被挖走脸的照片男人（这个男人的形象从干部嘴里得知也实在是不怎么样）。
周韵在常人世界里很明显是个疯子，然而在儿子眼里依旧是慈母，她几乎用一种极端的方式在重新解构这个世界，抱羊上树，和猫聊天，踏草皮渡水，四处搜集白卵石……看似疯癫的状态让人忍峻不止，她将自己对这个社会崩溃了的信念，在白卵石屋子重新组建，疯妈这个自以为是的重建，只不过纯属心理安慰，她已经被时代烙下深深印记，从破裂镜子上儿子与李铁梅“合影”可以看出，她内心深处的这个时代特有价值观爱情观比泡沫易碎，一个小如喷嚏的风浪她也已经无力反击。
疯妈的离奇故事和她急如风快似电的作风，很明显是那个风风火火时代的特征影响，她最后平静的选择离世，也绝不仅仅是承受不住无尽痴情等待，更让她心寒的应该是承受不住这个荒谬的现实生活压力，对生命失去信念后的她竟然平静的和正常人没有区别了（自杀前叫儿子去接客时正常的有点离谱），到底是周韵疯了？还是这个社会疯了？孰是孰非谁又能分的清楚呢？蹲在河畔不甚难过的儿子，还有麻木的看客和来客们，都没有给出这个答案，惟有红鱼绣花鞋飘向远方，一去不返空悠千载。

二：恋、屁股、骚情到扭曲
忧郁黄秋生一出场就帅到爆，优美的《美丽的梭罗河》简直就是情人杀手锏，食堂的一战五、医疗室的单挑，黄都不落下风，这样的调情高手，却被一场莫须有的性丑闻折腾的丧失尊严。从开始的风流倜傥，到后边被冤枉后的无辜，一直到结束生命前，这段故事是整个电影中最谐趣桥段，甚至大有《阳光灿烂的日子》质感，而主要的三个主角竞技飙戏，也让人大饱眼福。
永远都湿漉漉的陈冲，屁股特写真叫“春光诱我”，喋声喋气、挺胸跺脚、扭屁股，无一不散发着“骚情”、 “挑逗”这些字眼，故事的矛盾也由手摸了人家屁股这个流氓罪开始荒唐，露天电影集体意淫，黄未下手就被42个手电筒照的跟抓兔子似的，逃命途中撞破姜文与陈冲偷情，陈的妩媚狐功陷害（跳草丛和跳水沟），姜的假意分析（设套提前写检讨），变态的案件重组调查，到后来层出不穷爱慕表白，使得黄一步一步尊严尽失，他已经无力在这个虚伪的世界分辨真假。笔者认为黄的自杀或者他杀（其实我怀疑是被杀），与黄撞破姜文与陈冲偷情有莫大关系。
此段落夸张搞笑，但是容易被人们忽略其讽刺效果，一对一同支援祖国建设的华侨，20多年的老友交情，难道还能不知道对方的品行如何么？要不然后边出现的崔健大哥也不会贬姜文所谓“作风问题”了。可惜黄秋生就牺牲在这个莫须有的年代，这个人不为己天诛地灭的年代，一个骚情但是必须压抑的年代，一个尊严扭曲的年代。

三：枪、肌肤、背叛与隐忍
姜文带着妻子孔维下乡改造，遇见房祖明的疯妈自杀（其实叫解脱才对），一身本事不能报国，在这荒谬的时代只能打猎挣工分，无聊之极，终日与群童共伍，最终导致独守空房的妻子背叛，与小队长房祖明巫山云雨。占着茅坑不拉屎！结果被别人用了。这段隐含轮回报应，如叛逆偶像崔健分析那般，不提姜文以前那些事了，单从“恋”段落黄秋生笑容满面的吊死之前那些事，可见得姜是多么厉害的一个采花高手，如今遭遇报应也是预料之中（《肉蒲团》所说“吾淫人妻，人淫吾妻” 啊！），真诚地爱一个人，以后又会不会真诚地爱上了其他人？而到底是谁背叛谁，又是谁的错呢？
姜文在此段落性格比较隐忍，百发百中的神枪手，不猎情侣鸟，不猎哺乳鸟，一身才华却要在穷山僻壤玩物丧志，孰非自己心愿。尤其是指挥小孩时偶然流露的大将之风，可这短暂的痛快还是为了挣个工分。知青下乡岁月这段历史，又是谁的错呢？
天鹅绒般的肌肤，引出天鹅绒制的锦旗，太黑色了，据说这段乃是改编小说，干了人家的老婆还敢跑人家面前拿着锦旗说“你老婆的肚子根本不象天鹅绒啊”！这不真的活该找死么。另一方面也可看出这个荒诞的社会环境，一个小队长到底是无知者无畏呢？还是真的善良诚实到如此白痴的地步。
再能隐忍的男人都会放出这憋屈的一枪！

四：梦、肚子、诞生的轮回
最魔幻的篇章在“梦”的故事里，这段故事实际上是电影的开头，接近20年前，疯妈年轻时候的恋情就已经是个残酷，大着肚子怀着房祖名的她与孔维共同的出发点却得到勃然相反的结果。其实她哭诉相似的那一刻，已经知道自己爱的将是符号了，那是“最可爱的人”。而后逐渐增多鲜花的火车铁轨上，花团锦簇的诞生的孩儿与新生的太阳，似乎让周韵心理得到安慰，孰知这是生命又一个轮回。
尽头约会的漂亮孔维，年轻气盛的姜文，活泼调皮的黄秋生，群山戈壁的一望无垠，各族人民共聚以及婚礼狂欢，都让人倍觉豪迈，而谁都没注意到星星之火，可以燎原！呼啸而起的燃火帐篷，肆意摇摆，似乎要去阻挡前进的列车，假如列车代表社会前进，或许这个燃烧就是意味接下来火热动荡20年吧。惟有疯妈在火焰下情形的看到了阴暗！但是她无力展示真相给世人，甚至自己的孩子都差点遗弃，在新的生命诞生和新的太阳升起时候，她一个人在呼喊……

笔者必须承认这部电影实在费解，但是又很吸引。太多的电影元素来不及关注就被错过，整个电影过程中，无论听觉视觉，都经过一次非凡享受（顺便赞一下这个电影的音乐和美术），我相信《太阳照常升起》是大家一次难忘的观影体验。

怪诞与真实杂糅的《太阳照常升起》 作者：木雕禅师 （转载）

《太阳照常升起》：让传奇恣意奔放

《太阳照常升起》有多火爆，首映的场子爆满，以致我要坐在影院的第一排仰视这部电影；《太阳照常升起》有多让人期待，坐在我旁边的帅哥，主角说上句，他能接得上下句的台词，多少人把《天鹅绒》的小说烂熟于心。

　　每个人身边都有这样那样的传奇人物，每个人也因为这样那样的事成为别人眼中的传奇人物。六个平凡情境里的人，在关联并不紧密的不平凡经历中创造自己的传奇，每个人的故事在美轮美奂的艳丽画面中书写，虽然都没有美好的结局，或者说没有结局，却可以拧成一股冲劲，让传奇在姜文的这部电影里自由奔放，这样的自由有一种恣意和霸道，不需要理由，你只需要让自己在这部电影里任意地无意识，就可以体会《太阳》里奇幻传奇的快乐。

　自由的另一种状态是疯，疯了就没有了理性的边界。在《太阳》的第一个故事里，树上的疯子让疯了的和不疯的人都没有了区别，人们重复着自己的话 “你也不是什么都懂”、“妈，又怎么了”、“你妈不是这样的”、“我知道，我知道”，学习与疯了的人相处，就是让自己跟她一起疯，疯也是一种快乐。　

　　爱又是一种疯的状态，人说一生总要为爱疯狂一次，在女人身上尤其如此。《太阳》的第二个故事里，陈冲过分矫情地性感演绎却恰到好处，她对秋生大哥的表白和与姜文之间的暧昧，让爱成狂成魔，而解除走火入魔就只能终结生命。

　　疯与恋在第三个故事里交织，前两个故事中的无厘头也渐渐消退，第一个故事里总是狂奔着的房租名到处追着疯了的母亲上树刨坑，第二个故事里黄秋生的一句“丢你老母嗨！”却成了花痴女的感动心声，第三个故事虽然也不乏引发笑声的对白，还有打扮奇特的“李铁梅”和作图示意完全不切题的崔健，情绪却从情欲中转向沉重。让人遗憾的是，虽然不主打情色，却应该多少还是被减去了一些镜头的，激情从何而来，又在何处嘎然而止，我只能在少许茫然中转向故事发展的另一面。

　　如果非要给《太阳》里的传奇有一个前因后果，最后一个故事，把时间倒回二十年前，疯了的人为什么疯，爱的人为什么爱，狂的人何时狂起，太阳为什么照常升起，我想你都能找到答案，只是，不要要求那会是个确切的答案。婚礼的狂欢上，燃烧飞舞起的帐篷布掠过途径的火车，与影片开头会说话的神奇飞鸟让黄须鱼鞋神秘消失相呼应，传奇从来都是游离在真实之外，奔腾而出，在铁道上开满鲜花，故事从这里才开始。

　　不要要求自己看懂这部电影，就去壮丽的画面里游弋，去寻找树林里的号声，循枪声看惊起的飞鸟，看太阳照常升起，阅读恣意但不矫情的传奇。

　　PS：剧中1976年没有见过天鹅绒的房租名，穿了一双匡威帆布鞋，不知道是不是也算传奇之一。

《太阳照常升起》：让传奇恣意奔放 作者：dolphin （转载）

《十三棵泡桐》：像刀子一样真实

尽管看到的是剪辑后的版本，但影片却有着令人不寒而栗的真实。摄影师出身的吕乐此次没有在画面上有刻意的营造，反而为了追求真实感而选择了高清摄影机。也不知道为什么，似乎内地很多导演心目中的青春非得和残酷联系在一起，将主人公置身于刻意营造出“真实”的环境中，以期望博得观众的同情。为了效果更加强烈有力，剧本自然会试图从社会中寻找根源，于是所有能够想像得到的将主人公一步步推向进退两难死角的元素，例如：师生恋、同性恋、学校暴力、家庭暴力堆积似的放在了一起。让观众在看此类电影的时候实在是如鲠在喉，难以产生快感。

主角风子每次遇到挫折的时候，画面中总是会出现一个骑骆驼的中东人，代表着主她期望走入的桃花源，刘索拉的音乐很好地将她当时内心的痛哭和无助烘托得淋漓尽致，这种类似手段运用最知名是塔可夫斯基《伊万的童年》中，伊万想象着在有着白马和苹果的海滩上尽情奔跑。
　　
　　除此之外，总是通过广播只闻其声好似《1984》中“老大哥”式蒋校长，每次他出现的时候总是有不好的事情发生，从而推动剧情一步步发展，同时电影画面也有所暗示，在操场上宣布京生被开除的时候，全操场只有他没有穿着校服，在俯视镜头中显得尤其刺眼，暗示他此时已经完全被抛弃了。在后来京生央求风子去找校长求情时，风子走进校长所在的大楼，画面中是一条四四方方螺旋上升的阶梯，仿佛永远走不到尽头，而那条通往校长房间黑暗的通道，一切压抑的气氛扑面而来，风子还没见到校长本人，只因楼道尽头传来的一声咳嗽，她就被吓得落荒而逃。成功地将蒋校长的神秘、可怕、威严、冷酷以希区柯克《蝴蝶梦》的形式呈现出来。
　　
　　《十三棵泡桐》主题上和日本导演盐田明彦的《害虫》一样，通过一个少女的视角审视当代的种种社会问题和人的内心，试图用这种“到底谁逼死了嫩苗”的故事深化主题，对于一部实在难以产生观影快感的电影，好在结局显得并非那么绝望，几乎每个人都找到了自己的归宿，结尾处风子坐在开往中东的大巴车上，呼应了之前出现的三处中东人的梦。当然，除了完全不讨好的京生，其实他才是最可怜的人。不过在我们身处的那个年代，对于大部分学生来说，从上高中开始就被反复灌输着一定要考上大学，考上大学就解脱了，所有学校都刻意把大学塑造成一个理想乡，逼得数以万计的学生去挤那条独木桥，待得终于考上之后的四年，一切又回归至原点，于是，“考上研究生，一切就都好了”，这样的新骗局就又开始它的轮回，研究生之后是什么？博士？还是博士后？现实总会在人欣喜若狂的时候来一刀子，待得手觉察到喷洒着的鲜血是热的，以及大脑感受到了痛感，才知道一切都不是梦。
　　
　　到底谁是最可怜的人？

《十三棵泡桐》：像刀子一样真实 作者：欢喜天 （转载）

《阳光灿烂的日子》给我的反思

第一次看《阳光灿烂的日子》，就为之着迷。

马小军在房顶爬来爬去焦急等待米兰的孤独身影，灰色的欧式楼房和周围高大茂密的树丛被薄纱一般过滤过的淡黄色阳光剪成了一幅美丽的国画。空气里飘荡着懵懂的爱恋，柔和的阳光斜泻在少年光洁的肌肤上，汗珠特有的质感，映衬着西下的夕阳，散发出令人忧伤的气息。此时一曲悠扬的乐曲由远而近荡漾在我的周围，婉转、悠扬、强烈的穿透力，忽远忽近的飘入我的心底深处，净化着我的灵魂，似乎融化了，我也感受到了阳光的灼热，甚至闻到了袅袅烟雾的味道……。

我沉浸其中，久久不能出来。

他们那对异性朦胧的好感，纯洁的如透明的玻璃珠，当然也有那么一点点杂质。马小军迎着阳光端详着一根细细的头发，爬在米兰的床上感受素未萌面的女主人的气息的样子，都让人不禁想起自己少年时代的纯真。虽然也有少年固有的淘气，甚至还有一点“坏”。

那首曲子当时我不知道是什么名字，有些像莫扎特的《小夜曲》，又有些像《阿根廷，别为我哭泣》。后来查资料，才知道是马斯卡尼的歌剧《乡村骑士》里的间奏曲。这首来自国外歌剧的古典音乐与中国文革时期的爱情竟配合的如此协调。

电影叙事简洁轻快，摄影讲究，画面唯美，难以想像这是姜文第一部执导的电影。他是怎样把一群青涩稚嫩毫无表演经验的少年调教的如此自然？

王朔在《〈阳光灿烂的日子〉追忆》文中写道：“副导演们每天都去各中学、各部队大院找演员，普遍反映找不到印象中的男孩子女孩子。包括已经进组的孩子都觉得也不知哪儿有点不对。我印象中那时候我们都很漂亮、纯洁、健康。一个朋友还保存着一些那时候的照片，黑白的，135相机拍的，很小的那种。看了照片才发现印象错误，那时我们都不漂亮，又黑又瘦，眼神暗淡、偏执，如果算不上愚昧的话。我以为我们纯洁，其实何曾纯洁？所以找不着印象中的我们。现在城市中的孩子已没有那种眼神，不复存在那种劲头。那是农村少年的形象。尽管如此，我还是认定印象中的女孩子是真实的。其他人也这么认为。似乎现在的街头还能时而看到那样的清纯少女的身影一闪即过，所谓惊鸿一瞥。可是找来的一群，细细一看。又都不是。似乎那少女只在朦胧间是清晰的，努力去看，化脓化水化为俗物。可见此物难寻、珍稀，也许只是我们心灵的一个投影。”

制片人文隽在《〈阳光灿烂的日子〉十年祭》中说：“我立刻想起10年前的那个夏天，电影还未开机，姜文把这帮新演员全集中到良乡一所部队的院子里集训。不许他们看电视，读报纸，租用收音机，亦只能听革命歌曲。宿舍里贴着的都是文革期间的海报和标语。目的要使这些小孩，完全感染到七十年代那股氛围，要他们全被薰陶，到演戏时，才能发挥出那股气质和味道。”

这两段文字为我们解读影片提供了参考。也就不难理解演员青涩却自然的表演。
之后，我又看了许多遍，每次都为这部具有写实风格却又唯美的电影而感动。
但是，当我们静下心来重新审视电影，不禁为那个荒谬的年代而反思。我想这也是导演拍摄影片的真正意义所在。

“《阳光灿烂的日子》价值在于它的真实、感人。在剧中，男主角马小军的成长过程和那一时期许多人的经历都很相似，虽然未有生离死别的伤痛，只是个人简单成长的青春梦，却以它的真实而震撼人心。影片逼真的描画出青春和暴力的幼稚和无知。这种幼稚和无知恰好就是那个时代的特征。其实幼稚和无知何止那些正在成长的青少年，整个国家和社会都处于一种无知和暴力的时代。”没有渲染，然而这部电影所透露和传达出对那个时代的批评和反思的气味无时不飘荡在观众的周围。这群孩子的未来会是什么？造成这种状况的罪魁祸首又是谁？

我在看到冯小刚饰演的胡老师和学生排列马路两旁，跳着欢快的舞蹈，挥舞着五颜六色的花环欢迎外宾时，总会涌起难以平息的心痛和悲哀。在大众失去话语权的时代，人们对领袖的忠诚却被领袖愚弄成傻子而无可奈何，甚至毫不自知。

这是怎样的年代?

“流氓的领袖最终被更年轻的流氓所杀，混混的领袖最终被炮弹震成了傻子。威风八面的老将军和年轻貌美的小老婆坐在集体的最前列与大众“集体偷看”黄色电影却又冠以道貌岸然的名目。……，开着军车打架斗殴的流氓们集体喝酒放荡的地方竟是挂着领袖像的共产主义饭店（老莫）。少年们在迎接‘贵宾’，可他们的形象和舞蹈却宛如拙劣的小丑。军队大院的大门竟然由一个傻子和一个战士一起守卫。——《阳光灿烂的日子》残忍的把世界万物的原生态赤裸裸的展现给观众看：没有什么原本神圣，崇高，伟大的集体行为是真正如其所是的。”

所谓的“高贵者”讲着崇高，做的却是最卑鄙龌龊的事情。正直遭到打击，虚伪成为光荣，善良的人受到折磨，流氓恶棍得到表扬，黑白颠倒司空见惯，出卖朋友和出卖自己不再内疚。一切丑陋的东西在那个扭曲的年代已变得冠冕堂皇，习以为常。

绝对的权力，这个泯灭人性的恶魔处处散发着它的恶臭。即使孩子，刘忆苦因为年纪较长便成了他们的 “领袖”。他可以随便命令别的孩子去门口等人，买冰棍甚至是“到一边蹲着”，然而在内心里面，马小军不只一次殴打甚至杀死刘忆苦。他虽然不象那个心狠手辣的流氓头子“小混蛋”最终被几个十六七岁想取代他地位的孩子刺死，但他却成了傻子（这些和文革时的政治事件多么相像）。而电影结尾处马晓军向伙伴求助却又一次次被踢下游泳池，翻滚的水花、模糊而又清晰的大脚，如浮萍般飘在水中，这段非常意识流的镜头很好的表现出了个人在所谓的强者面前的渺小和绝望。他在水中的无助同时也象征了他的被孤立。

值得注意和深思的是傻子这个角色的意义。从某种程度上说，傻子其实就是自己的抽象，或者说我们每个人都是傻子。无论高昂的歌曲，还是电影中孩子们无意识戏笑《列宁在一九一八》，以及回味无穷的姜文的画外音。影片含蓄地向我们一次又一次的说明着这一点。
……。
恐怕没有人会认为那个特定的年代真是一段阳光灿烂的时光。衣不蔽体食不裹腹的背景下，忆苦和思甜的名字本身就是对那个荒谬时代的嘲讽。
每个人拥有思考和说话的权利比说什么更重要。

参考文献：
　1、傻子的呓语——评《阳光灿烂的日子》——陆镜，电影夜航船
　
　 2007.8.21

后记：
对文革的反思至今未有彻底和大胆的作品。张艺谋的《活着》、陈凯歌的《霸王别姬》和姜文的《阳光灿烂的日子》透出了一点点思考的光亮，同时也是现代中国电影中最优秀的三部作品。但值得我们深思的是它们在国内民间得到强烈的反响和共鸣，票房也高，却得不到政府的支持。常常是电影得奖，却遭到官方的批评甚至惩罚。政府似乎只允许拍咸不咸淡不淡的题材。

我想，这不仅仅是政府缺乏检讨的勇气，而是认为对文革的反思可能会引发意想不到的社会问题，甚至质疑现行的政治体制，从而给执政者带来极大的压力。

但是，如果对传统文化和政治文化进行反思，文革是最好的切入点。只有彻底的弄清楚文革发生的根本原因，才不会重蹈覆辙。

《阳光灿烂的日子》给我的反思 作者：hus

《吴清源》－－田壮壮诗化的个人迷醉

电影的名字叫《吴清源》，不叫〈棋坛争霸〉、〈黑白人生〉，其实在一定程度上已经表明，这不是一部靠情节和冲突取胜的电影。但即使你已经有这样的心理准备，你还是会被它沉闷的情节搞得昏昏欲睡。

　　和陈凯歌、张艺谋等同为第五代导演相比，田壮壮一直保留着对艺术电影的个性追求，我看过他早期的〈猎场札撒〉〈盗马贼〉〈摇滚青年〉，都是很有风格的电影，1991年《蓝风筝》和2001年的《小城之春》我都没有看，但对他的景仰之情依旧，所以当得知他要出新片，还是很期待的。

至于吴清源，对他在日本取得的成绩我还是知道的。但对他的人生经历和思想轨迹却不了解。所以当我看这个电影看到一半的时候，不得不停下来查阅一些资料。看吴清源的生平，了解他参加的红万字会和玺宇教等。这对我理解这部电影，理解吴清源这个人有很大帮助。

　　田壮壮对吴清源这个人物的基本定位是为尊者讳的。比如吴清源申请加入日本国籍这件事情，电影表现了他的痛苦和犹豫，但实际上，吴清源是非常希望加入日本籍的，当时的民国政府不同意，搞了４年，最后是日本大使馆出面才搞定。抗日胜利后，民国政府取消了他的日本国籍，但1979年，吴清源再次加入日本籍。而且在抗日期间，他还参与了日本的劳军活动。当然我们不能简单地拿“汉奸”“卖国贼”来评论吴清源的一生，但回避，甚至篡改这样的历史，既是对历史的不尊重，也是对观众的不尊重。

　　而且，我觉得，田壮壮如果能正视吴清源这样的行为，反倒能把这个人物的性格立体化，作为艺术家，田壮壮应该把人物的评价留给观众，尽量少的去主观选择人物的性格和历史。

　　回避人物历史问题的同时，田壮壮强化了吴清源的思想轨迹。从一开始加入红万字会，到后来假如玺宇教，田壮壮试图那这个来丰富人物的性格。关于红万字会（红卐字会），电影里提到了一点，说这是一个“解救他人，同时即解救自己，不谈政治，希望实现世界和平，让人类得到解放”的组织。电影试图以这个来突出主人公不想介入世事，一心追求围棋真谛的特点，但电影在情节上只是交代了一下这个情节，后面就没有去延续它，反倒又冒出一个玺宇教来。电影对玺宇教的交代是没头没闹的，为什么加入都没有交代，我看了半天，不知道这到底是什么教，到了最后吴清源要退出了，才知道叫玺宇教。查了一下资料，知道玺宇教基本上可以算一个邪教。吴清源是因为处理红卐字会在日本的一些事情的时候，结识了玺宇教的教主，而且吴清源的日本夫人也是玺宇教的成员。可能说吴清源和玺宇教的关系是受到他日本老婆的影响。

　　如果你和我一样也了解了这些背景材料以后，你再来看这部电影，你才能理清电影的脉络。田壮壮在电影里没有去讲述吴清源在围棋上的传奇经历，对一些历史也是用客观字幕和主观字幕来交代。电影只是把一些含混不清，畏畏缩缩的片段串在一起。或许是阿城（编剧）和田壮壮都太过于了解围棋，或许他们是想用中国传统写意的方式，认为蜻蜓点水式的浮光掠影足以勾勒出吴清源在战火乱世中探索棋艺，最终化绚烂于平淡的过程。

　　但实际上整部影片给人的感觉是，没有情绪的层进，没有性格的渐次变化，从一开始沉默寡言出场，一直到沉默寡言结束。人物的几张感情戏也因为缺乏交代，观众无法受其感染。

　　这本是一个很有争议的人物，本是一个很有传奇色彩的人生。但在田壮壮诗化的个人迷醉中，变成一个为尊者讳的呻吟。

　　用中国棋院原院长王汝南的话说：“把他（吴清源）作为一个棋人，你才可能发现他的内心世界、发现他的人性、他的迷茫，也能够发现他在那样一个动荡环境中仍然能够保持一个完整的自我的难得。要他完全脱离开中日民族矛盾的羁绊是不现实的；但一定要生把他紧密套牢在这种政治的、民族的羁绊上也不现实。把他看作汉奸，或者把他看作民族英雄，都走了极端。”

　　推荐度：３星不妨一看。摄像十分到位，一个个片段的把握很能显示田壮壮电影语言的功力，音乐也好听，可惜田壮壮缺乏对人物和电影的整体把握。

《吴清源》－－田壮壮诗化的个人迷醉 作者: 皓日当空 (转载)

非典型性蒙古包——观《图雅的婚事》

这是一个发生在苍茫牧区的故事，同时又是一个在哪里都可以发生的故事，把叙事的地点安放在草原牧区，倒也让影片平添了几分动人的味道。

影片故事以一个女人的命运为主线，以一个悬念（哭泣的女人）为开篇，以五个高潮点——救人，相亲，丈夫自杀，打井，寻找孩子推动情节的发展，其间穿插一些有关草原的风情画面，情节编排非常完美，可以看出导演剪辑为讨好观众花费的功夫。叙事的完整让我们有充分的理由信任第六代导演的原创能力，但是除此，我看不出别的什么。

如果不是出于对柏林电影节的敬畏，我本没想过要把这部说着汉语的内蒙古电影看完。我十分质疑导演将叙事情境安排在内蒙古的动机，因为影片讲述的是一个可以在任何地方发生的故事，而且人物的性格特点也没有非常明显的牧民特色。对此，导演有这样的阐述：“当我听说这个地方因粗暴的工业开发导致草场严重沙漠化，当地政府强令当地的蒙古牧民搬离牧区时，就决定在那一切消失之前，拍摄一部电影来记录这一切。而图雅这个独特的婚姻故事，也是出自当地一个真实的事件。”

贾樟柯也曾经说过，自己拍摄《三峡好人》的动机是在一切消失之前，拍摄一部电影来记录这一切，他的《三峡好人》通过两个小人物的命运，深入骨髓地记录下了那个城市消失的过程。而在《图雅的婚事》中我只看到了一种人生的常态，牧区人民搬迁与否根本不会影响到这种常态的发生，王全安说自己的影片是在记录一种即将消失的情境，但他记录下了什么，我不得而知。

图雅的婚事是真是假并不重要，至少王导的故事讲的非常完满，具有足够煽情的力量。只是这样的再现情景并不深刻，因为可以作为背景参考的社会现实没有任何明显的交代，小人物的悲欢离合只是小人物自己的悲欢离合，剥离了社会背景让我们的肾上腺无法分泌出与影片共鸣的激素。

不可否认这是一部好看的电影，饰演图雅的余男，将一个女人本能的纯粹表现地非常到位，为带动观众的情绪贡献了不少的力量。只是，当影片开头出现身着牧民服饰的图雅说着蹩脚汉语的场面时，我便开始失落，直到怀恋起蒙古女导演的《小黄狗的窝》。

非典型性蒙古包——观《图雅的婚事》 作者：芷青

找了十年的电影 ——《我是你爸爸》

找了很久，这部电影最早看的时候是在我上学的时候了，那时候看的版本还是录像带的，就像当年聚在宿舍里看《阳光灿烂的日子》一样，这部电影也是我们当时热门的话题。

相比较而言，当年的王朔更有朝气、也更显示出他那份才气，不必靠着遍地别的艺人来成全自己的名气。当年的王朔有很多著名的作品被接连搬上银幕，演绎他那些作品的也是目前国内最知名的演员。

《爸爸》的原著名是《我是你爸爸》，听到这个名字就会觉得作者不无张扬的风格，有些人会鄙视这个名字，觉得没文化，另一些人会喜欢，觉得很原生态。最起码我们可以知道，没有人会对于这个名字无动于衷，因为它太惹眼了。以至于，传闻当年广电总局审查这部电影时的第一个修改意见就是更改片名，我们现在看到的片名就是《父亲》。毕竟，电影的传媒强度远比书籍要来得更直接、更有力，书名可以叫“我是你爸爸”，电影名字就得稍微收敛一些改为“爸爸”。

影片讲述的还是父子情，这部片子较谭家明的《父子》更具备一定的深度。冯小刚在这部电影里是主演，他的出色表现，让身居大院中的一个普通父亲活生生的走进我的视野。最近，写父子关系的电影挺多的，以前也有不少。1986年台湾电影《父子关系》也曾经是一个小热门。1993年俄罗斯电影讲述的也是这种故事。最近朋友跟我推荐的一部美国电影好像也是说这个的，还没来得及看。

这类电影之所以受欢迎是因为，我们过去往往崇尚母爱，注重母亲的关怀，而忽视了父爱的同样伟大，在这些电影里，无一例外你会发现，父亲在对待儿子的时候往往是缺乏耐心的，但又是急于望子成龙的，当父亲必须独自承担起爸爸和妈妈两种角色的混合体的时候，他的身体里似乎也在发生着变化，父性的刚强和倔强与母性的温柔和体贴必须在自己的体内发生一定比例的混合，而后，在面对儿子时又必须是承担起即教育孩子又不伤害孩子的双重任务，当这些电影里的爸爸就得红脸和白脸一起唱。

这部《爸爸》的父亲觉得更为特殊一些，他是一个小单位的工会主席，不敢招惹任何人，但又拥有着一幅慈善的心肠。当自己的儿子调皮捣蛋以后，他一方面要斥责儿子，另一方面在儿子熟睡以后，还要帮助儿子写检查渡过难关。当自己的儿子被人欺负了，他也会抄起板砖去报复，然而到了人家的门口顿地嚎啕“儿子，咱们算了，行吗？”这种种细节描写使得冯小刚主演的这个父亲有血有肉，更加真实。当看完整部电影，退一步出来，也许你还会发现，在这个角色上葛优的痕迹。当年的葛优名气并不像现在这么大，他在与张国立和梁天主演了《顽主》以后，更多人认识了他，但那时他的表演风格并不像现在这么固定。冯小刚在《父亲》里的各种语言和动作风格更像是葛优日后表演的范本，台词的设计与顿挫的节奏感和幽默感也与后来葛优的表演如出一辙。我不禁会猜想，后来，冯小刚在与葛优首次合作的时候是不是参照了这部电影的表演雏形？而这种最初的演绎版本，虽然不能算是经典，但也足以让十年前的我眼前一亮。

还有一个比较值得推敲的角色，就是徐帆出演的父亲的女朋友。那是儿子理解了父亲的尴尬境地以后，与别人合谋为父亲推荐的女朋友。这个角色的出场次数屈指可数，但是徐帆惟妙惟肖的将一个离异女人向往过上安定生活、好好过日子的想法充分表露。

找了十年的电影 ——《我是你爸爸》 作者：tvvip

《宝葫芦的秘密》：穿新鞋走老路的尴尬

我并不是这部片子的目标观众—既不是小孩家里也没有小孩，所以同场的小孩子”咯咯咯”乐不可支的时候我却如坐针毡，数次想找东西砸编剧（如果此人在我面前的话）–至于演员，因为基本上都是未成年人，打小孩是太恶劣的行为，我就忍了。

　　对，电影的情节是根据著名的童书改编的，但原著小说故事背景不像《纳尼亚年代纪》是指定了真实历史时期外加奇幻架空，成书于半个世纪前的《宝葫芦的秘密》的时空背景是一个相对意义上的”当代”，理论上这给了拍摄者便利，因为至少减轻了拍历史题材时道具、服饰方面预算的压力，而且更容易拉近与该时该地的”当代”观众的距离，增加亲近感。

可惜事与愿违，本片中”与时俱进”的只有先涛的CG技术，在人物性格塑造与细节的合理性以及对白编排上，所有真人演员出现的段落简直是全军覆没，惨不忍睹，造作且白烂得一塌糊涂。

　　也许半个世纪前的小学生就是那样纯朴，看到个会说话的宝葫芦想到的就是要点吃吃喝喝。可是既然主人公现在是给安排了一个”当代”的生活背景，那么编剧能不能给点敬业精神至少去了解一下现在各种资讯包围并且物质条件丰裕的小学生见面互相打招呼是什么样？开玩笑是什么样？他们自己不能解决而期望有个百宝葫芦帮忙解决真正堪称难题的又会是些什么？

　　如果没空，哪怕去看看《哆拉A梦》也好，看看人家藤子不二雄是怎么在捕捉孩子们内心那些微小又真实的欲望的。

　　一个手捧着新款PSP玩得不亦乐乎的小学生会和同学为自己在河里能不能钓上金鱼这种弱智到极点的问题一本正经讨论半天，童话也没有这么编的！我打赌把这段放给任何一个受正常小学教育的城市小学生去看，他们一定会怀疑男主角王葆和他那帮同学都是原始人。

　　所有关于孩子的行为与语言的内容，台词都公式化且生硬得可以，每一个表情都在努力地想告诉观众”我在表演惊讶哦”"我在表演伤心哦”，完全集上个世纪国产片里儿童表演俗套之大成，小演员背书一样操着生硬的普通话往外嘣台词，话都说不利落还能指望情感表达？

　　生活在当代的真实感，不是吃着麦当劳穿着日式水手装款的校服这种形式上搞搞新意思就能具有的。《宝葫芦的秘密》里的主人公们，虽然有着赞助商提供的时鲜包装妆点，可惜一开口一举手一投足，从思想到行为方式，统统还停留在上个世纪五十年代。

　　《宝葫芦的秘密》的优点也是有的，那就是先涛借这部作品显示出他们在CG制作方面上了一个新的台阶，从过去为港产动作片辅助制作卡通风格的场景渲染到实实在在塑造有表情有动作的CG人物，本次交出的成绩单令人惊喜。

　　CG生成的宝葫芦的动作设计与表情都极为可爱，而明显是纯为活跃气氛加入的那只CG青蛙角色无疑比王葆及其同学可爱百倍，这两个角色，包括玩具兵团进驻王葆家的那一段，场景设计和表现方式都流畅且充满童趣，尤其片尾仿皮克斯风格的NG场景，和真人表演段落的拖沓陈腐形成鲜明对比，让人忍不住感叹，如果这部电影把那些成事不足败事有余的真人演员都拿掉，拿做葫芦和青蛙的这种童心来重新理一遍剧本，然后直接做成一部全CG的动画电影，也许就不会是今天这种穿着新鞋走老路别别扭扭的局面了。

《宝葫芦的秘密》：穿新鞋走老路的尴尬 作者: 法兰 (转载)

《那山 那人 那狗》讲述心中的坚守

看完影片《那》，心中久久不能平静，总有很多话想说却不知道如何说出口，闷在心头，这种感觉很难受。《那》不是让人一看上去就会觉得很震撼的影片，可是那种冲击却很强烈，一点一点一丝一丝进入你的细胞，渗入你的神经，让你无法逃避，不得不承认，你已经被影片深深的感染了。
影片讲述了这样一个故事。在湖南的山村里，一个等待的母亲，在小桥上等待，在小桥上送别；父亲，一个邮差，十天半月才回一次家，最多的时间在邮路上渡过陪伴他的还有老二（一条跟随父亲多年狗）；我，第一次走邮路，对邮路陌生，就像以前对父亲一样。
父亲是国家干部每天忙碌着，翻山越岭，越过了春夏秋冬，翻过了酸甜苦辣，为乡亲们传递信签，儿子接班后第一次走这条邮路，父亲陪儿子走，最后一次走这条邮路。父亲感慨良多，他一生最美好的时光都洒在了这条邮路上，而今他老了，带着病痛之躯陪儿子走完最后一条邮路，路上触景生情，他心中有多少感慨啊，又有多少酸楚的泪？父子一起走这一次邮路，是一段刻骨铭心的历程，一路上父亲很多话想和儿子说却无法开口；儿子默默的走着，一路上秘书的诉苦，五婆的等待，侗族女孩的婚礼邀请，山娃在风雨中等待父亲的带来，乡亲们第一次也是最后一次出来送父亲，这一切终于使儿子明白父亲明白了父亲的坚持，被父亲的奉献精神所感染，终于在群山环抱的寒潭中儿子背起了父亲，那一刻人间最真挚的温情在我们心间流动。
儿子长大了。山里人有一个规矩，孩子能背起父亲的时候就说明他成人了，从他背起父亲的那一刻，两颗心就在一起了，他将继续走父亲的路。那时候父亲哭了，他第一次叫了那个字：“爸”
其实邮路就是父亲的一生，邮路承载着父亲的梦，父亲的爱，他在这里经历着爱情，亲情，他也在这里奉献者自己无私的爱，对大山的爱，对大山里人的爱。在这里两代人走到了一起。
整部影片映入眼帘的是美丽的田园风光没有一点瑕疵，郁郁葱葱的大树，轻如云烟的薄雾，缤纷的夕阳，清澈的溪水，朴实的农家风情，如诗如画恬静怡人。镜头缓慢的移动平时的像是拍纪录片，故事娓娓道来，心慢慢被影片占据。最后，影片仰视镜头拍摄，父亲每次回家；母亲每次站在桥头等待；父亲抱起母亲的画面被定格；我背起邮包；还有那个侗族姑娘，这些镜头都运用了黄色调，很好的衬托出了人物的高贵品质，人物的精神被定格。
很多人说这是一部亲情片，我却不这么认为，我人物影片通过这个故事，向我们展示了一个普通百姓心中的坚守。老邮差吧青春献给了他的邮路，他爱的大山和这山里的人，大三已经离不开他，大山里的人离不开他，他，已经成了大山。他老了无法在走他的邮路了，支局长陪他走了一趟，哭啦，说他错了，他没有想到这条邮路这么苦，说要为他请功。他没有邀功却请求上级让他的儿子继续走这条邮路，原因只是因为“别人走我不放心”。儿子接过了邮包，接过了父亲未完的事业。
把青春献给大山，把满腔的爱献给大山。
静静的看完《那》静静的回味，没有波澜壮阔，有的只是真挚细腻的人间真情流露，慢慢侵蚀着自己已经千锤百炼的心脏，兴许那是让铁石流泪的力量。
这部戏如果换一个导演拍，可能完全是另一种风格，完全可以拍成人性的悲苦大戏，可《那》的导演霍建起，没有带任何感情色彩在里面，整部电影就像散文一样叙述着，淡淡的悲情在心头蔓延，他只是想讲好老邮差的事情，却让我们看到了人性的深刻。
还记得儿子背父亲涉水的那一幕，父亲在儿子的执意下爬上儿子的肩膀，泪水凝结在父亲的眼眶，多年来儿子终于理解了父亲，父亲哭了，这是喜悦的泪水，他等了多少年。这时候我终于克制不住任泪水无声的在眼角滑落。

《那山 那人 那狗》讲述心中的坚守 作者：思远 （转载）

《三峡好人》的魔幻与感召

韩某从山西不远万里来到三峡工程所在地四川奉节，寻他十几年前从人贩子手中买来的女人。女人带着他的女儿从山西回到四川，只留给他一个地址。韩一路费尽周折，眼前的情景大大出乎意料。三峡两岸居民已经搬迁，有家业的另置他所，无家业的带着一张嘴一双手去他乡谋生活。韩加入当地拆迁队伍一边等待她的哥哥带来她的消息。在此期间，他亲历声势浩大的拆迁工程，终于妻子答应与他同回山西。在人海中的年轻女人赵某，抱着与韩同样的目的，寻两年未归的丈夫，却空手而归。

影片第一个镜头在三夏轮渡上展开，缓慢的镜头围绕着轮渡上闲聊的人，景深是翠绿山峦与悠悠江水。伴随画外悠扬的歌乐，向观众从容展开了一祯长长画卷。男主人公老实木讷，很少表情变化。“小马哥”是他结识的第一个朋友，两人互赠电话号码，韩的手机零音为“好人一生平安”，而小马的零音为“上海滩”。在此，影片似乎已经提示给我们，作为一个煤矿工人，韩的人生目的仅简单到执着与一个平安，一个团圆家庭，似乎不去想象物质上的优越。小马明显是更年轻的一代，生活观念上的差异让他对生活更盲目，在变迁的社会大潮中随波逐流，身不由己。小马在残毁房屋坍塌中意外的失去生命，生也盲目，死同样盲目。只是相比较大多数盲目的生存者来说，不过他的死更为迅疾。此时在一贯平淡的镜头色彩中出现的大红色，覆盖于小马身上，猝然而至的死亡给底层小人物抹上了一笔浓烈色彩。这场大变迁中似乎毫不足惜的死亡刺痛了我们的心灵。小马是千千万万平凡死亡中的一个，又有多少卑微的生命就这么默默消失了呢？

韩在轮渡上是怀着期盼的，并把这种期盼贯彻至影片结束。这种期盼看来过分执拗于一个再平凡不过的生活理想：找回团圆家庭。影片前半段用一个无名少年的歌声表达了韩的内心世界。他的语言简洁到无任何修饰成分，除了一个双手坚持地长久地举起山西老酒送与妻子哥哥的镜头，更无强烈外部动作。原本在残酷现实下语言是最无力的表达。借助细节与歌声完成的人物塑造把生活最底层人物的理想与信念，生存与挣扎，通过简单的点睛化处理成功呈现。画面下角出现的“酒”，暗示了影片企图向我们传达的一些东西：传统价值观与最朴实无华的生活观念像酒一样，时间愈久愈醇香。也暗合了韩的人生理想：对传统的执着，对生活最基本内容的想往。

在影片进行50分钟时，我们的另个女主人公出现了。她的找寻却走向相反结局。丈夫另有她人，她在隐约的感觉与猜想中终于证实了这个事实，在寻找的同时也做出另一个选择：为赢得自尊，她平静放弃了已经如危楼一样岌岌可危的爱情。立于窗外的危楼像升腾飞天的火箭，带走了她已经陈旧的感情。就在她做出放弃的决定的同时，轮渡上的无名少年同样唱出了她的内心。她收拾丈夫弃下的东西时发现的茶叶，与画面右下角出现的“茶”，与“酒”一样，是否暗示了两种选择，两种人生。执着于传统的似酒，浓郁难忘。而选择了现代与物质的似茶，越冲越寡淡？

寻亲而互不相干的两人，看到同一驾飞碟，听到同一个少年歌声。我们内心的魔幻在共同的处境与相同的时刻下被感召，只是有时，我们并不知道。

贾导多用固定长镜头与运动长镜头，在写实的风格中加入新的电影元素，看似随意的几笔魔幻，至少国内导演还没人如此实验。如油画的画面造型时而温暖时而暧昧，残破的房屋并不恐怖与寒冷，含蓄的表达中总透露着淡淡的希望，而在大时代变迁的征途中那些在我们视线之外的牺牲是不能被遗忘的。

《三峡好人》的魔幻与感召 作者：rare

回看《一個都不能少》

初中時，在亞洲電視看了張藝謀的《一個都不能少》，對於我們來說，中國大陸普遍的失學現象是難以有切身理解的，我們的同情也只能是短暫的寄籍，透過無數次的學校集體捐款、參與義工活動、饑饉運動，對中國大陸有需要的人民伸出援手，僅此而已，談不上有深刻的心靈震顫。在物質豐厚的社會，我們過著便利的城市生活，舒適的居住環境讓大部分人看不見更大部分的社會現實，而我就壓根忽略了這部電影中的艱澀、樸拙的生活與面對著的許多沒有實則經驗的生活問題。《一個都不能少》是中國北方農村的一個切面，這樣一個切面不偏不倚落在中國最現實的教育問題上，而這個現狀是非常可怕且嚴重的。初看這樣的電影並沒有甚麼東西把我吸引過來，平時看的大制作多了，故對這樣電影接觸不多，但這絕不是我謝絕現實電影的口實，反而因為我對文化的深愛，在看完賈平凹、蘇同、余華的一大堆文字後，對中國大陸貧困農村有更進一步的好奇與探勘的欲望。

電影的背景是中國河北一農村，一個老頭兒（高老師）教一班窮苦的農村學生，因要回放假回鄉一個月，村長找來只有十三歲的魏敏芝擔任代課老師，並答應給她工錢五十塊。電影的故事結構極為簡單，只有一條發展線，起點是其中一個學生因為她跑得快被拔尖去參加運動會了，魏敏芝硬是不給人，因為她答應了高老師「一個都不能少」，她被拔去了，這件事令她的心就是放不下來；而另一個學生長張慧科到城裏打工去了，又失了一個學生，魏敏芝一連不見了兩個學生，不知如何向高老師交代好，於是就決定到城裏找張慧科。故事因此由農村場景轉移到城裏去，展開了魏敏芝尋人的故事。故事十分簡單，但所探討的問題卻極為沉重。首先，電影帶出了一班純真的農村兒童，他們沒見過世面，在農村裏受教，這裏有一點很有趣，他們學的東西就是「抄課文」，這還是高老師臨走時再三叮囑魏敏芝的，抄完了再抄，我會問：「這樣除了練字外，還能學到些甚麼更實質的東西？」，因此可想而知，高老師的學歷不高，他所教的就只是把課文一五一十地抄在黑板上，讓學生一五一十地抄錄，這就算一節課了。這讓我難以想像，我們平時修的科目加上課外的有十多科之多，而且老師都經過極為嚴格的考核才能拿到文憑開課，師資優良，因此對於影片中的高老師的封建式教育覺得極之迂腐，但這或許就是電影所要反映的一個問題：農村教師的學歷不足。而讓只有十三歲的魏敏芝來當代課老師，這個問題也就更顯而易見了。況且，以一個十三歲的孩子來帶一班學生是不合理的，出了問題難以應付，而本身就會引出更多的問題來，影片中，魏敏芝要到城裏去找張慧科，沒錢乘公車出城去，因此領著一班學生去搬磚塊賺取車費，這就是一個問題。
　　
　　另外，影片所勾勒出來的城市面目也令人看了不安，尤其是中國大陸那種習慣成自然的上下級身份，即使是對一個鄉村來的小孩子也是如此，影片中魏敏芝到電視台要見台長，那個接待處的女職員對她說話的口氣和態度就表明了就種社會階級性，城裏人瞧不起鄉下人，這活龍活現就是大陸社會上下級的例子。以前到內地我就有這樣的一種經驗，我們向一個蹲在路邊的「公安」問路，他蹲著抽他的煙，完全把我們當透明的看；更不能容忍的一點是去廁所要收錢，而那個看門口的人口氣又大，沒錢滾開的嘴臉讓我哭笑不得，也不就一元，不是我付不起，而是你不覺得這種現象十分可笑嗎？

　　柏楊在《醜陋的中國人》說：「我們是這樣大的一個國家，有資源，有人口，八億或者十億，能夠同心協力的話，我們在亞洲的情況，哪里會不及日本？由於長期的專制封建社會制度的斫喪，中國人在這個醬缸裏醬得太久，我們的思想和判斷，以及視野，都受醬缸的污染，跳不出醬缸的範圍。年代久遠下來，使我們多數人喪失了分辨是非的能力，缺乏道德的勇氣，一切事情只憑情緒和直覺反應，而再不能思考。一切行為價值，都以醬缸裏的道德標準和政治標準為標准。因此，沒有是非曲直，沒有對錯黑白。在這樣的環境裏，對事物的認識，很少去進一步地瞭解分析。」這種「醬缸」文化即是所有中國人共有的弊病，從這部電影裏你就能領教不少，或者說，在日常生活中你就能領教上不少不少不少了。
　　
　　如想了解中國社會如今的怪誕，可去圖書館找專著來研讀，可到研究所聽講師的漫長的講座，或者更便利的方法是去看看余華的小說《兄弟》，那種中國社會由六十年代的文化大革命開始的光怪陸離，在這本小說中一露無遺。我不想在此談中國社會問題，這種問題太沉重、太大了，大到我不能承受的程度，就交給大學的社會系去深討吧。我們說到電影，電影是以一種紀錄的形式呈現社會上的各形各色的問題，像我們身上的第三隻眼睛，從不同的角度出發看我們身處的這個世界，《一個都不能少》十分簡單，它要反映的是如今中國農村的教育問題，當中可看見更多更多的中國問題，這就是電影所能做到的，也是觀眾所能發現的。影片的結局是個好的結束，魏敏芝的尋人引起了公眾的注意，得到了許多捐獻，張藝謀似乎不想抹煞中國人性的存在還沒在時代的轉變中傾向於麻木，但這不是所有中國貧窮農村所能得到的幸運，還有無數的中國農村兒童在失學與工作之間浮沉。

回看《一個都不能少》 作者：wesleywewe

希望在身边——《图雅的婚事》

在看《图雅的婚事》时，觉得这是一部悲伤而又无奈的片子，大家都在无奈的生活，可是看过后觉得这可是一部让人开心的电影，希望在身边，我们随时都能抓住它。

我很向往能对婚姻有着明确目的、明确要求的状态。我们现在有太多的不确定，太多不切实际的幻想，至少我是这样的，不知道我要的是什么，精神与物质并存，似乎不太可能。

现代人对这个问题似乎都很犹豫，不像原始社会，只要你能给我充足的食物，我既会跟着你，至死不渝。

这是蒙古族为主体的故事，所以处处都显着原始的野性，真的很喜欢，简单、直接、热情、快乐，连忧伤都带着明朗，这时看过很久后才有的感觉，但看得时候，一点都不觉得轻松，可是看过后很久，就有一种很明朗感觉。他们都很坚强，能够坦然面对一切苦难，任何困难都压不倒他们，虽然死亡似乎能解决一切，但是死亡一样不可靠，他让深爱自己的人伤心，而不是开心，至少这么看来只要好好的活着，才是对周围的一种最大的安慰与爱护。

我一直对其中一个人物特别感兴趣–巴特尔，那个残废的前夫。从别人的口中，知道他之前也是个英雄人物，与图雅也是美女配英雄，很美满的婚姻。可是灾难总是眷顾幸福的家庭。昔日的英雄只能靠自己美丽妻子养活，这是多么的不忍，曾经也许发过誓，要好好用一辈子爱护她，让她做个幸福的女人，至少不会为生计发愁。可是还是一句老话：现实是残酷的。没有十全十美的爱情故事。从电影中我完全看不出任何的英雄痕迹在他的身上，只是个少言寡语的男人，脸上往往流出木讷的目光。世上最残酷的事不过是英雄气短，美女迟暮。不过我唯一庆幸的是他很体谅图雅，在他能做的范围里他都会对图雅做，离婚，甚至是自杀，只为图雅能够更好的生活，更幸福。这样的男人才叫男人，才叫爷们，才叫汉子！虽然他深爱着图雅和孩子们，可是要他唯一能做的只有放手离开。带着不舍，带着留恋，带着深深无法付出的爱，离开…….

还有一个问题一直萦绕在我的心头，图雅究竟爱的是谁？巴特尔还是森格？巴特尔和她并没有任何的感情问题，他们是相爱的，有着别人羡慕的家庭，可爱的孩子们，不幸的降临似乎并没有摧残他们的感情，也许会让他们爱得更深。由于生存的问题才是使他们分开的主要原因。森格，他是个可爱的男人，能给人带来快乐，这是他能解决生存问题之外能给图雅带来的，和孩子们的和谐相处，对巴特尔如同兄长般地对待，我们还能对他要求什么呢。

虽然导演在开头和结尾都给人一种不好的暗示，但是我相信好人有好报，善良的人能够彼此互相谅解、融洽，能够开开心心的过以后的日子。

希望在身边——《图雅的婚事》 作者：小杜 （转载）

《图雅的婚事》：生活比爱情重要

一个很实在的女人，一段很实在的生活。那飘洒着西北奶茶般香味的爱情，让我闻到了生活的味道。
对于西北风情，可以说是陌生的。那里的男人和女人究竟怎样生活着，我也只能从银幕上获知一二，无法对他们说“感同身受”，也无法说这里面有我们每个人的影子。每天骑着骆驼走几十里地运水，用大口锅熬香浓的奶茶，还要生上四五个娃娃，这些，也许只有在同样经纬度地区生活过的人们才能深切体会，但是，《图雅的婚事》却在这西北大荒漠上诉说着一个地球上不同经纬度的人们都能被感动的故事。
一个漂亮的女人图雅，丈夫残疾自己也不能干重活了，生活迫使他们只能离婚。图雅再寻找一门亲事，她的要求只有一个，对方愿意连同自己的丈夫一并养活，“我去哪里，巴特尔就在哪里。”
于是，她遭遇了一些男人，同时也重新认识了自己的邻居森格。

爱情在大西北，很实际。风花雪月花前月下，统统都没有，连情话都没有。
在那里，生活比爱情重要，贫瘠的土地上容不下才子佳人般的爱情幻想。生活在倾轧，日子在继续，没有谁有空来幻想一下爱情。
可是，这看似没有爱情的生活，却早已将爱情渗透。他们的爱情在生活里，在抗寒防冻的白酒里在悠扬高亢的歌声里，在赔上家当买的大卡车里，在对方家后院打的那口井里。
巴特尔在疗养院企图自杀后，已经远走的图雅返程将他接回家。在卡车上，她把头轻轻依偎在巴特尔肩上，看着空旷的土地一言不发。卡车在前行，图雅的爱情也在前行。那一刻，我会觉得他们的爱情同城市里的人们并没什么不同，一样的美丽动人，让人柔情寸断。
还有森格，为了留住图雅，选择在她家门口为她打一口井。西北缺水，井能不能打成不知道，说不定也像图雅的丈夫一样，为了打井受伤成了残疾。森格对图雅说，巴特尔我来养活，如果我打井不小心残了，我该的，不要你养活。
这恐怕就是西北最独特的爱情宣言了。

还没有体会过生活与爱情的互相渗透的日子，也单纯的以为爱情不会被生活所磨灭，觉得只有用心，爱情便不会被生活折磨得千疮百孔。没有人可以说，我们不爱了，是因为生活。
不能。爱情不在了便是不在了，与生活没什么关系，别错怪了它。
爱情是一种让人安心的情感，它让你觉得有所依托，而生活则让我们紧紧依靠。

《图雅的婚事》：生活比爱情重要 作者： 夸克电影 （转载）

是《黄金甲》的失败还是中国文化的失败

尽管《满城尽带黄金甲》依靠众多人气明星的保驾创造了国内票房的一大奇观，但人不可能总是被忽悠，在这个信息高度发达的时代，张艺谋的江郎才尽变得路人皆知。

种种迹象都表明，张艺谋本希望依靠《黄金甲》在奥斯卡上出尽风头。然而事与愿违，恰恰是国外的影评家给了张大导演最不客气的置疑与批评，甚至连奥斯卡的提名都没捞到。中国人的崇洋心理由来已久，张艺谋等许多导演就是在获国外大奖之后才一下子在国内名声鹊起。然而这次的情况就变得比较滑稽：当国外影评家的评论一传到国内，有人迅速整理出了一篇名为《黄金甲外国恶评如潮》的文章并且在互联网上广为流传。我身边很多人就是在看了这篇文章之后打消了去电影院看正版的念头。不知道张大导演为此损失几何。

然而平心而论，《黄金甲》并没有传说中的那么烂，当然这功不在张艺谋，而在曹禺老先生。正如“无极而太极”中“无极”二字之精妙，《雷雨》剧本不可谓不经典。当年看完《无极》之后，本人哀叹，一个在中国思想史上精妙程度top10之内的名词就这么活生生的被毁了。在看了《馒头》之后，我又有点哭笑不得，拜陈大导演所赐，从此国人一提起“无极”，大家都会下意识的反映为无聊×2，周敦颐若是泉下有知，不知会做何感想。近年来似乎各位大导演都开始流行谈文化，作高雅，但这些人本身根本没有可与周敦颐、曹禺等先辈比肩的文化底蕴做为基础，他们一直在做的只是泛泛而谈、附庸风雅。长此以往，试问还有多少中国文化经典可供这些大导演们糟蹋？

我们自己不去认真了解我们的传统文化，而又寄希望于外国观众对中国文化感兴趣，这实在是有点异想天开。看完《黄金甲》之后，回顾一下国外影评以及那篇《黄金甲外国恶评如潮》，心中很自然的生出一句话：天做孽，犹可恕；自作孽，不可活。《黄金甲》在形式上更像是一部西方中世纪宫廷戏，金碧辉煌的宫殿，深不可测的走廊，以及具有强烈视觉冲击的挤奶装。这与我们所常见的清宫戏大相径庭。然而在内容上，虽然《黄金甲》叙述的情节对于我们来说是再熟悉不过了，但在西方人看来，包裹在熟悉外表之下的中国式人际关系以及处事方法是他们恐怕这辈子都无法理解的。因此以下这样的评论也是在情有可原：“《黄金甲》是张艺谋一部最怪异、最让人困惑的影片，充斥着歇斯底里繁华掩饰的宫廷阴谋和电脑特效打斗场面，已经没有了在《大红灯笼高高挂》里诗一般描述富家女子抑郁生活的才气，过度的表演痕迹着落在王室成员间的勾心斗角上，让观众感到窒息。”相对于错综复杂的宫廷生活，普通人的简单生活更有能力在国外观众心中产生共鸣。《黄金甲》一片中牵涉到太多较为复杂的人伦道德，而东西方对于此类人伦道德的评判态度是有差异甚至是迥异的。张艺谋在《黄金甲》里做的事情就是在一个西方外壳的包裹下讲述一个纯中国化的故事。不东不西，于是乎，不是东西，里外不是人。中国的观众早已厌倦了清宫戏里常见的勾心斗角，而《黄金甲》预设的观众，在对中国宫廷内部复杂人际关系无法理解的情况下，自然会对剧情产生严重的困惑。

中国文化已经日渐成为各大导演的敛钱工具，然而在这个西方文化依旧占绝对主导地位的世界中，要想在世界范围内让中国文化真正能吸引住大众的眼球，又岂是朝夕之功！

西方普通大众目前对中国的兴趣依然停留在较为感性的层面，之前李安的《卧虎藏龙》以及张艺谋一些国外卖座的影片无不是以中国优美的自然风光作为背景，外加数句起点睛作用的禅语，让西方观众隐隐感受到中国那种独特的文化力。奈何西方观众对于中国的自然风光日渐审美疲劳，各大导演只得另辟蹊径，希望在文化上有所突破。然而他们自身这几年来在文化方面又有何建树？无论是《无极》还是《黄金甲》等影片，都是近年来中国电影界主流导演面对日渐枯竭的创作灵感以及观众对中国元素更深层次欣赏需求情况下的几次临渴掘井之作。更令人担心的是，张艺谋作为2008年北京奥运会开闭幕式的总导演，多次声称将向世界展示中国的文化魅力。虽然张大导演的确可能在下一点功夫，《黄金甲》最后的字幕中的职员表里，本人发现还有文化策划这一职位。然而看看《黄金甲》的效果，再联想起2008年奥运会开幕式好像也聘请了几位学者作为文化顾问，细想之后不禁感到后背着凉，要是各位大导演们继续不懂装懂的糟蹋中国文化，继续他们不是东西的“创作”路线，很难想象2008年奥运会的开幕仪式以及世界人民对中国文化越来越大的曲解。

是《黄金甲》的失败还是中国文化的失败 作者：读书有益健康

《十三棵泡桐》，与青春有关的日子

上课睡觉、传纸条、给老师捣乱、放学不想回家却在马路上闲逛，和男同学勾勾搭搭，痛恨考试……如果你的青春岁月里没有这些，那么我得说现在的你一定有人格缺陷。每个人关于青春的记忆都与学校有着密不可分的联系，甚至还有人背着从学校带出来的一道道伤疤，吕乐的《十三棵泡桐》正是讲述这样一个故事。电影以一种非常朴素和单纯的语言，向观众展开了一个花季少女的某段青春记忆。影片开头的叙事风格与王全安的《图雅的婚事》差不多，都是先抛出一个持有悬疑的矛盾冲突作为铺垫，之后再来详述剧情的发展，可惜，这种格局的电影如果出现太多，那么对我这样比较挑剔的观众来说，就没什么新鲜感了。

圈里人都爱叫吕乐为“吕叔叔”，因为他是出了名的老好人。记得上次杂志采访吕乐的时候，我们坐在北京女人街的一间咖啡馆里，那天下午的阳光特别暖，坐在我对面的他刚好直面太阳。依旧是那件穿了许多年的橙黄色羽绒服，开着一辆最普通的北京吉普，圈里的人都传说吕乐拍了这么多年电影依旧不属于富裕阶层，我想从上述的两处细节，那些传言应该没有落到虚处。吕乐一坐下就开始跟我们侃体制问题，你跟他说话的时候，他会像个孩子一样特别认真的竖起耳朵听你讲话，然后会迟疑四、五秒才对你的问题做出反应。整个采访过程，我们聊得特别High，你能时不时地听到我和两个编辑的爆笑声，临了，吕乐一定要替我们买单……关于他，我听到更多的是：这是中国内地技术最棒的摄影师之一，也是圈里最善良、易打交道的人之一，而同时，他也是在个人感情方面遭受挫折最多的电影导演之一。

对《十三棵泡桐》的期待值一直很高，但是比较遗憾，我应该在观影之前先看看何大草的小说原著《刀子与刀子》。看到有人写的评论说，在原著里，阿拉伯勇士麦麦德的形象在何风的心目中代表着完美，并一直捍卫和引导着她的成长，这个抽象的人物在文字中表现得相当自然。然而在电影里，在充满写实风格的青春故事里，一个乘着骆驼的阿拉伯人突然闯入，会带来生硬和荒诞的感觉。在文字里麦麦德是英勇的战士，是美好的化身，但当它在影像里得到具化时，一切都变了味道。同样给人这种感觉的还有爸爸为何风买裙子的戏，那种荒诞似乎也破坏了影片的整体。

我一直觉得中国当代的文艺作品缺少一种高雅的幽默，所谓高雅的幽默，在我看来就是像马尔克斯在《百年孤独》里发挥到极至的魔幻现实主义。余华一直崇拜马老，他的小说里也不时冒出李光头跑到厕所看女人屁股，结果写着写着就走了样儿，成了他自己自娱自乐的一堆垃圾。我猜想，《十三棵泡桐》如果能够处理好小女孩何风对阿拉伯勇士的幻想，一定可以衍生出另一部中国版的《潘神的迷宫》，之所以觉得生硬，或许和电检制度，和影片的投资成本都有关系吧，这不能全怪导演。

《十三棵泡桐》会让你又一次站在同情者的角度，去观望现在正经受着青春历练的孩子们，影片通过种种现实的描绘，勾起了我们这些过来人的共鸣：老师和同学、学校和社会……一切如旧，对孩子的压迫更是没有丝毫地改变。那些老师仍是一副道貌岸然的欠抽相，动辄就用人生转折来形容高考的重要性，而学校也依旧是挥舞着屠刀，凭借“开除”、“留校查看”等等处罚肆意掠杀着他们心底对社会的信赖和安全感。一个喜欢的男孩子的眼神，老师的一句评价，同桌好友的一次小报告……都有可能对你构成伤害，那个叫黄真真的女生说的很对，她说青春就像方糖——甜蜜，易碎，有棱角。

我不知道在这里拿《阳光灿烂的日子》与《十三棵泡桐》做对比是否会显得不太厚道。但是坦白说，我个人还是比较喜欢姜文的电影语言，直白而且铿锵有力，《阳灿》所体现的青春是光明的，在他和王朔这代人的记忆里，青春充满各种可能，哪怕是身处一个最黑暗的年代，现实是能够通过希望与幻想来融化掉的。

如果青春都是这样，那该多好。。。。。。

《十三棵泡桐》，与青春有关的日子 作者： 墨墨尚且有闻 （转载）

《我们俩》的真情

有人在博客里说：“（《我们俩》）比黄金甲强多了，黄金甲累眼，这个片让人心灵震撼”。

种种原因，一直还没看《黄》，也只是在偶然的今天晚上，看到了这个情节简单却紧凑、故事平淡却感人的《我们俩》。在新片层出不穷的今天，这部上映于2005年的电影算是老片了，而我认为不论经过怎样的时间，《我们俩》的冬春夏秋，才是在这个社会里实实在在的不可被轮回、永不褪色的真情。

一个是当过兵、骑过马、抽过大烟、无儿无女、抱养一个女儿却不怎么贴切的老妪（金雅琴饰演），一个是乐观向上、率性直为、开朗大方而又感情细腻敏感的当代女大学生（宫哲饰演），在一个老胡同深处的四合院里，演绎了这一段感人的冬春夏秋。从皑皑飞雪到倾盆之雨再到满山黄叶，两个女人的感情也从不可掩饰的冰冷到不可捉摸的细腻再到不可割舍的牵挂，同时也给了观众一个不是结局的结局。老人原来的生活是孤独而平静的，就像片首她与老街坊围着的那个水壶，如果没有人来加柴或续水，那点寂寞的温暖将平静的消失殆尽。而小马七拐八拐最终把自己拐到了这个小院，同时也是把自己拐到了必将令她怀念一生的故事之中。老太太的“不近人情”与不可掩饰的孤单、小马背后可以令人想象的求学艰辛、小院里单调压抑的色彩，种种矛盾相互交汇，一起推动影片情节的发展，也同时将观众的情感推向了必然的深思。

在关于“80后”的非议正热的时候，在时间上推算80后的爷爷奶奶们正在衰老在生命的最后时光。无论是城市还是乡村，总有不少垂暮老人留守家园，膝下虽子孙满堂眼前却无一人，城里的青年壮年们在属于他们的年代里忙的正酣，农村的年轻劳力也大批涌向城市，独留下老人在寂寞度日。眼前的世界繁华向荣，而我们的老人应该就是这一切的打拼者，有的为民族解放戎马一生，有的为养儿育女终日辛劳，而当我们的生活好起来，他们却似乎被我们遗忘了。不是一直有年迈“单身”死在房里多日而无人知晓的“新闻”吗？庭院深深深几许，鳏寡孤苦谁人诉？

好在我们的社会已经发现了这个痛处，春晚小品《假话真情》也是值得思考的。

而关于剧中的小马，我想也可以作为反击“80后”非议的有力例证。剧中虽没有直接表达小马的求学和家庭情况，但通过她为房租讨价还价、整日里的匆忙、挂灯笼时的自语等细节我们可以想象这是一个自立自强的女孩，但即使是生活艰辛，她依然乐观而极具个性，依然按照自己的方式过自己的生活。虽是电影，但这样的青年在现实生活中是很有代表性的。因为本人也属80后，在我的身边同样活跃着一批虽自我但爱心丰富的大学生，说我们叛逆的人是不了解我们对社会和未来的迷茫和忧郁，说我们缺乏爱心的人是不习惯我们表达爱心的方式，说我们矫情的人是不认同我们在回报中付出的观念，我们的自我也只是希望通过自己的方式表达自己的想法，你们读不懂，说明你们用的辞典已经过时了。
许多值得深思的情节，许多细腻的情感，《我们俩》的冬春夏秋，应该演绎出整个社会的真情。

《我们俩》的真情 作者：xx新

《图雅的婚事》：七情百味尽其中

在我国影坛第六代导演中，王全安既不是最高产的，也不是最有名的，不过他之前的作品譬如《月蚀》、《惊蛰》等在圈内的口碑都还不错，亦也拿过国内外大大小小一些奖项，如果说有什么遗憾，则便是他以往的作品中过于注重个人观点的表达，有些略偏小众，或许正是因为如此，其在一定程度上没有引起大众的广泛关注。而他自己似乎也意识到了这点，于是在他那部一举斩获第57届柏林电影节“金熊”奖的新作《图雅的婚事》中，他在保持自身作品一贯的艺术性的同时，亦强化了电影的故事性，因此这部《图雅的婚事》并非某些人想象中那般晦涩难懂，沉闷无聊——事实上恰恰相反，它可算得上是雅俗共赏。

　一个女人
离婚再嫁本是影视剧中的滥俗题材，但她再为人妇的唯一条件竟是要新丈夫和自己一起供养身有残疾的前夫，这样的故事则多少有了些新意，不过如果处理得不好，便还是很容易把善良的女人公图雅拍成主旋律影片中那种常见的“高大全”式的模式化人物，还好此片避免了这一情况的发生。

　　其实，在影片开始不久便出现的那个“美女救狗熊”的桥段便已能让人隐约觉得图雅与邻居森格此二人将来一定有戏，而后者之后接二连三地出事图雅每次都尽己所能地全力相助，其情感亦明显早已不是普通朋友那么简单，于是这更令人毫不费力地猜到结局，如果说有始料未及之处的，首先是没想到影片能将生活如此真实地还原，让我们可以触摸到生活的“里子”。

　　是的，它没有故做深沉，没有刻意煽情，当然更没有粉饰太平或扭曲夸张，它只是以一种贴近生活的平视视角和近乎记录片似的客观方式平静地讲述了内蒙古草原上一个平凡的蒙古族女人不平凡的婚变经历。其中所涉及到的相关人物的衣食住行、生活习惯等自不用多说，更为难得的是它很细致地刻画了人性的矛盾与复杂(譬如暗恋图雅17年的老同学在得知其前夫巴特尔割脉自杀的消息时所表现出的心计与挣扎)，以及命运的坎坷与艰辛(譬如图雅怒斥自杀未遂的巴特尔后全家人不禁一起抱头痛哭一段)。

　　即便是影片的最后，虽是有情人终成眷属，但却不意味着这是一个大团圆的结局。一场婚礼，先笑后泪，似喜还悲。屋里屋外大小男性的争执与打斗分明预示着图雅的再婚并非就一定是幸福的开始，生活的苦难远没有结束。故而这样一个故事虽看似有些平淡，实则人生的七情百味尽在其中，因此也就份外打动人心。

　　其次让人备感到意外的，是没想到演员们的表演竟是这般的生动自然！图雅的饰演者余男(blog)本身是个性感时尚的都市丽人，但在这部电影里，她洗尽铅华，出演一个壮硕干练的蒙古族农村妇女。虽然蓬头垢面钗荆裙布终难掩天生丽质，不过在表演上，如果不是事先对其有所了解的话，你根本看不出她是一个“专业演员”。这样说，并非是说她演的不好，而是夸赞她演的实在太好！在她身上，颇有几分巩俐当年在《秋菊打官司》中的影子，即已找寻不到表演的痕迹，完全跟角色合二为一，一举一动，一言一行，眉稍眼角……全是“图雅”！如此演技，着实令人惊艳！

　　有道是“红花还需绿叶衬”，与余男搭戏的一众非专业演员亦个个表现不俗。或许正是因为演的是他们自己，所以特别容易找到感觉，另外由导演稍加指点后，他们各自在银幕上形象也就变得份外饱满，真实可信，令人过目难忘。

　　同样令人难忘的，还有片中那不时响起的哀婉低回的马头琴声和悠远苍凉的蒙古长调——它们为影片奠定了一个厚重的基调：也许生命并不是一曲欢快的乐章，人世无常，难免沧桑，但无论无何，我们都要坚强！

《图雅的婚事》：七情百味尽其中 作者：赤叶青枫 来源：新浪娱乐 （转载）

展现普通人的生存状态——浅析影片《三峡好人》

三峡水利工程是世界上迄今为止规模最大的水利工程，它的建设，给我国的发展提供了强有力的支持。三峡库区的百万移民们为此做出了巨大牺牲。“水库移民”的称谓来自官方的说法，从地理学意义上讲，这百万移民都叫“环境难民”。但是我们从各种媒体上了解到的三峡移民无疑被脸谱化了，他们被无一例外的描述成了具有牺牲精神的英雄。这种描绘抑或是宣传很难打动人。而影片《三峡好人》则是以现实为立足点，以半纪实的手法，呈现了两个在三峡工程大背景下的普通人的生存状态，较为成功地反映了三峡移民们的真实生活。

影片一开始就是贾樟柯具有浓郁生活气息的长镜头，不过，与他前几部作品背景音响的不加修饰的极端生活化（如《小武》开头的粗俗的民歌）相比，在镜头摇过满船的移民时导演一改往日的纪实化处理，不仅将光线调整得极为柔美，还将环境音响逐渐融入到舒缓的民歌中去，这样的处理，既表现了故事发生地的民俗风情，又将浪漫的元素掺入到电影的叙事中去，为影片整体氛围的营造奠定了基础。使观众从影片的一开始就不自觉地融入到剧中人物的境遇中，从而获得了极佳的观影体验。

在处理时代背景与人物的关系时，导演更加显得匠心独具。如导演多次将人物置于一个制高点，然后用近景拍摄人物，远处的群山及城市的废墟采用虚化处理，使得整个人物似乎是被压在巨大的背景下面默默地生活。影片中还大量运用了空灵的背景音乐，这些音乐大都是当地的民俗音乐，它们很充分地展现了当地历史悠久的文化，极言其古老。在这其中又穿插了不停唱着流行歌曲的小孩，当韩三明用一种漠然中带着惊诧的目光看着小孩从自己的身边走过时，一个十分明显的课题就摆在了我们的面前：当古老遇到现代，新旧交替，碰撞融合。影片的整体构架似乎也意于此。影片讲述的是两个人寻找亲人的故事，一个家庭团圆，一个分道扬镳。它们分别代表了新旧两种价值观。韩三明是一个处于社会底层的普通工人，他代表的是古老的传统价值观，而沈红是城市中的普通市民，他代表的是现代的幸福至上的价值观。导演在让这两个人顺理成章地完成自己的意愿的同时就体现了导演对新旧两种价值观的态度，扩大到社会环境中来说，就是对在改革发展大潮中新旧价值观的融合的态度。这充分地突出了影片的时代特色，这也是引起观众强烈共鸣的感情触发点。

影片中另一个值得称道的构思就是将人们生活中必不可少的四件物品——烟、酒、糖、茶融入到影片的整体叙事中，成为一条叙事线索，使影片更加的生活化。这四件物品是人们生活中不可或缺的，这样，影片与观众的距离被进一步地拉近了，这也使影片能够打动人的另一个重要因素。此外，这四件物品还将影片分为有机联系的四个整体，使影片的节奏变得十分明快，观赏起来犹如品尝大萝卜，又脆，又甜，有点辣，蘸上大酱又有点咸——这不是生活又是什么？

导演在影片中还两次运用了超现实主义的表现手法。一次是三明站在河岸上看见一架UFO从三峡上空飞过，紧接着场景剪切到沈红在码头看到同样的情景。导演对此的评价如同将观影者置于UFO的位置，从各自的角度来观察在这里发生的所有事情。另一次是在沈红离开阳台后，背景中的移民纪念塔像火箭一样升空。导演对此的解释十分朦胧，但是，如导演所说，“有些细节是无法用理论解释的，感觉准确就用上了。”不过，愚以为，此处的处理不如UFO处，彼处的处理显得与影片本身及周围环境十分协调，而此处的处理则显得如其本身一样，“十分突兀”，对影片整体风格有一定程度的破坏。

总体来说，这部影片从一个较为客观的角度，展现了在时代变迁，新旧交替的大环境中社会上大多数人的生存状态，在艺术手法上有所突破，从中我们看到了另一个电影大师即将诞生。而这部影片在威尼斯的斩获，也让我们在新一代电影工作者身上，看到了中国电影的希望。

展现普通人的生存状态——浅析影片《三峡好人》 作者：nickskywalker