《嗜血破晓》：日出将至，又见末世

眼见着这两年吸血鬼电影的返潮与大热，德拉库拉的子孙们再度迎来水涨船高的好日子，影迷爱媒体爱最爱的还是各大电影公司的老板们，兼顾着让奇幻文学网络文学也跟着洛阳纸贵。当然如果你想费力气动脑筋用火眼金睛那么一瞅，同样也会发现，如今的吸血鬼电影已经不是以前那么回事儿了。

远的就无需考证了，吸血鬼之母安妮·赖斯当年的一系列作品基本奠定了吸血鬼文化的庞大体系，从生态习性到族群繁衍，事无巨细的写了个遍，顺便还把此种族塑造成了高贵典雅，哥特诡异，甚至是西方古典美的传统代表。不过所谓与时俱进，要是还打算再把吸血鬼拍成穿古装出来谈恋爱骗姑娘的靓丽绅士似乎是说不过去了，所以当卡朋特老爷子开始用《V字特工队》革新吸血鬼规则（不怕阳光），罗德里格兹跟昆汀用《杀出个黎明》把这帮见不得光的家伙们变成西部匪帮的时候，人们早已料到吸血鬼题材同类型片的嫁接将是大势所趋。凡此种种，得亏《暮光》的上映，让这帮黑夜出没家伙们再度获得90后的钟爱，也成为拉动吸血鬼经济的导火索，原先已经多少有点儿长尾的非人族群终于在21世纪的头十年后半夜跟第二个十年的前半夜成为咸鱼翻生的大热题材。

Spierig兄弟自然深诣其道，2003年自编自导的大银幕处女作《猎杀活死人》（Undead）就是一部吸血鬼电影，并且在当年获得了空前成功，那么此次更是抓住了迷友的G点，将末世论，敌托邦，科幻，惊悚，复古的元素一并融合到这部《嗜血破晓》中来，酷，尖锐，大胆，借用了上世纪五十年代科幻/奇想类B片的创意同无视规则的勇气，一方面打算重塑吸血鬼生存体系的规则，另一方面用一个近乎无解绝望的故事来探讨生命存在的悖论。

想象一下吧，世界成了吸血鬼的天下，他们科技发达，拥有高度智能化人性化的城市体系，还专门开发出了能在白天驾驶的汽车同单兵防护装甲，要不是因为人类的日渐稀少导致血源告急，而加速了社会体系的混论崩溃，这么看下去似乎比在人类社会时期还要完美。当然，他们原本也是人类，跟所有的宗教典故一样，到了该赎罪的时候了，一场瘟疫令全球人类悉数变为吸血鬼，是有一些人不屑于永生与黑夜为伍，但是那又怎样，坚守的底线又能是什么？生命对于人类来讲，是随时可以被浪费丢弃的，以各种名义以各种信仰。Ethan Hawke所饰演的吸血鬼血液学家一直就拒绝饮用人血，其坚定的认为自己的身份是一个错误（因为染病被弟弟所咬变异），而一心保持着所谓人性。这在片中成为一个符号化的体现，同他的老板Sam Neill，一个为了躲避死亡而选择成为吸血鬼的父亲形成了鲜明的对立两极。人类世界会因为石油，资源，食物而爆发纷争杀戮，社会崩溃；吸血鬼世界亦然，没了足够人类供血，经济下坡，物价飞涨，鬼迷心窍，终究是人变去的，改不得本性。以至于吸血鬼军队利用阳光对“地下潜行者”们（SUBSIDERS）执行死刑的一幕更像是任何一场种族大屠杀的场面。即使当可以令吸血鬼恢复成人类的解药出现，但接下来可以预见到的又将是一场新的杀戮与死亡。就像无法打破的诅咒，本片恰恰将解药设定成了吸血鬼赖以生存的命根儿，在近乎发狂的啃吸满足食欲后，又将迎来变为正常人的尴尬境地，最要命的是这似乎是一场新的瘟疫，无论是从人到吸血鬼还是从吸血鬼再到人，上演的总是那么一幕似曾相识的杯具。

《嗜血破晓》也许是本年度最令人惊叹的邪典之一了，整片的画面基调都以黑蓝为主，冰冷，炫酷，有着重金属与电子乐一般的质感，其展现着一种末日下的焦虑与无望。动作场景的处理不温不火，没有落入当初想象中如《黑夜传说》，《刀锋战士》一般的炫酷场面中来，事实上其更加写实化的处理正好对应了片中对现实化社会的忧虑以及对人类世界的反思，不啻为聪明之举，尽管本片的动作场面其实可以拍的绚烂无比。而来自Ethan Hawke，Sam Neill以及Willem Dafoe（演吸血鬼电影上瘾了–《吸血鬼助手》）这三位经常出现在各式文艺片，邪典中的大拿的表演甚是赏心悦目，光是看看几位大爷的对手戏也算值了。不过片中对吸血鬼体系所做的一些实验或者是创新：吸血鬼镜中无像，吸血变异怪形-SUBSIDER（跟《刀锋战士》里的“收割者”概念很像），“人类牧场”以及偶然被发现的吸血鬼变回人类的方法，倒确实可能会让各路吸血鬼迷感到突兀，惊艳甚至是难以接受，毕竟经典的吸血鬼设定同样也是此族群安身立命打拼天下的不二法宝。颠覆太盛恐伤其元气，如果真有吸血鬼前来索命，我亲爱的导演编剧们你们一定要解释合理才行。

正如开篇那位选择自我毁灭的小女孩吸血鬼就预示的那样，不是非有永恒的生命不死的魂魄才是宇宙的奥义。对于那些甘心于体验短暂而正常的生命时限的人们来说，面对太阳的温暖照射才是最为尊重个体同生命的选择。想必执拗于变回人类的吸血鬼们为的也是如此。当年秦始皇为求长生不老遍访天下名术，吾国自古至今无不有此等炼丹术大为风靡，即使望眼全人类这也是大多数人所追求的终极目标。而James Gunn在他的经典科幻小说《长身不死的人》以及前年大热的宅片《这个男人来自地球》中依旧探讨着这个问题，万年孤独跟死亡你会选择哪个呢？

日出将至，你所迎接的只不过是新的末世。


《嗜血破晓》：日出将至，又见末世 作者：大猿魔

《不要回头》：那些分裂的迷惑和疼痛

我们是冲着美女苏菲玛索、哪怕是迟暮的美女苏菲玛索去看这部电影的。然后发现女导演把女主角最普通的日常生活拍得十分惊悚，惊悚的原因是真实。
　　
这部片子里有一个女主角和几个主要演员，分别是女主角的童年、女主角自己、女主角理想中的自己、女主角的丈夫、女主角理想中的丈夫、女主角的母亲、女主角理想中的母亲。
　　
可能每个人眼里的哈姆雷特不同，我是这么理解的，也许能给其它观影后的人有所参考。

首先，还是童年的阴影，这来自于弱势儿童因生活常态发生改变产生被抛弃的恐惧，如搬家、亲人生病、异地求学、与亲人分离等。
　　
这种恐惧激发了童年女主角以毁灭真实自我来进行自我保护，从此，她是理想中的她自己---珍尼，她慢慢长大，如常人一样拥有了正常生活，结婚生字。但是无论现实中她获得了什么都不能令她感到安全，因为她常常发现自己有伤痕累累丑陋的一面。勇敢的珍尼回到家乡寻找答案。
　　
珍尼发现正是那次缘自9岁的被抛弃，自己早就死了，真实存在的其实是女主角，而自己只是女主角理想中的自己。面对真实的力量，珍尼发现承认事实其实也不是很差，毕竟她还是莫妮卡贝鲁奇，西西里岛的美丽女人。
　　
一旦确定真实的自己，她渐渐意识到，身边的人也不是那么糟糕。丈夫还是一贯的英俊优秀体贴、孩子们始终未变。她理想中的母亲不值得她抓狂、她的母亲和阿姨都很爱她。甚至她童年的伙伴、与她产生异性吸引的哥哥都是一直记念着她。
　　
从“我是谁”到“接受真实的自己”，电影混杂女主角成长的隐秘、对亲人的理解和宽恕。童年她被迫离家是因为与兄弟发生不伦的异性吸引？
　　
这样的接受之后，真实的人继续生活，理想的自己与真实的自己分享属于自己的天地。欢欣共存。试想，网络难道不是一种理想状态的自己吗？有的人习惯与他人保持安全距离，即使是出嫁的女儿也对娘家不过分期待。有的人喜欢将网络与现实紧密结合，网聊之后还要结婚、见面、做生意之类。
　　
这都是各自选择的自由吧。


《不要回头》：那些分裂的迷惑和疼痛 作者：珊瑚

《成长教育》：“爱”与“被爱”

对于原著改编的电影作品，无非是保留原著精髓用影像还原，亦或在原著基础上进行再解读，有些极端分子可能只取部分故事而进行一次全新的完全颠覆的再创作.....Lone Scherfig很传统，她选择了前者。
　　
令人遗憾的是，Lone并没有在原著基础上注入新的动力。比起05年Joe Wright用诗一般的镜头语言重新打造《傲慢与偏见》时的精艳，Lone在影像方面实在只能说中规中矩，甚至有些流水账....莫不是Carey Mulligan华丽的演技和对于六十年代氛围的精准还原，我们几乎挑不出电影的其它优点了....
　　
诚然，既然Lone选择了原著精髓，那么剧情是电影的重点。Lynn Barber的原著就叫An Education，其故事本身有着明显的宣扬女权的特点。电影自然也是，无论对于故事的主人公Jenny还是对于台下的观众都是一次意味深长的education。

当然台下的男性同胞们可能不会有女人们那样的共鸣，但至少能理解导演要告诉我们什么。的确，男人永远都是女人心中的痛（其实对于男人而言，女人又何尝不是）。当一个成功、富有、能说会道、彬彬有礼的魅力男人意图成为一个无财、无名、无生活激情的小女孩的枕边人的时候，我们看不到任何反对的理由。当然，当女同胞们对于这样一个完美男人竟然背着女主角轮换枕边人而扼腕叹息时，男胞们也丝毫不会惊讶。世界本就这样运转，女人们永远希望被一个完美的男人毫无保留的爱着，而男人们则永远希望成为那个完美男人。笔者身为男性也不想做任何辩解，处在那样一个位置的男性是不可能只有一个女人的，这完全是天性，无法改变。
　　
Lynn的故事鼓励女性去掌握自己的生活，而不要被一时的物质欢愉所蒙蔽双眼。然而Lynn的美好想法的局限性非常明显，为什么当下女性依然以傍大款为荣？为什么从事特殊服务行业的女性每年只在增加而从未减少？事实是，不是每个女人都有Jenny那样的头脑和美貌，为物质生活发愁仍是现代人难以忽视的首要问题，实际上，这是人一生的追求目标--物质。显然，局限性地去理解这一次成长教育对广大群众是不公平的。
　　
那么摒弃智慧与美貌，我们把重点放到“爱”。
　　
推己及人，我们继续深入故事里去挖掘，可以发现女主角身边的两个男人，一个物质完美却花心非常，另一个没有情趣亦无财力却可以真心去爱女人。不难看出Lone对于男性的绝望心态，现实生活又何尝不是这样。向物质屈服，还是向被爱屈服？于是，从另一个角度去体会这个故事我们发现，突然可以用相亲时的经典尴尬问题来概括An Education的关键选择问题：即身为一个女性，你会选择一个你爱的人做你的伴侣，还是选择一个爱你的人？
　　
这个问题无疑是尴尬的，可又的的确确无比现实。Lone的观点是显然是选择那个爱你的人，就如同电影最后和女主角骑单车的懵懂小子一样，女主角不会告诉他她早已体会过巴黎的繁华和世间的刺激，这小子却可以疯狂的迷着她，何乐而不为？
　　
无论现实还是影片中，男性权力往往以物质为主。大把大把的金钱，换来的物质上极致的享受，任谁也无法不被诱惑。特别是对于女性，千百年来，自从夏娃从亚当的一根肋骨发展而来，女性的物质基础一直都来源于男性。显然，活在男性阴影下是不公平的，女同胞们绝对有权利去追求自己的幸福。Lynn告诉广大女同胞，向物质屈服，你不会幸福。
　　
在跳水名将们、美女明星们都不顾一切地冲向“物质”家族的今天，成长教育对于每个人都是适用的。“爱”与“被爱”的观点或许在一些人眼里显的幼稚而不成熟，因为生活本身是艰辛的。但其实生活也是简单的，快乐是一辈子，不快乐也是一辈子。钱不等于快乐，这句话我可以很自信的说。特别是对于女性大众们，世间有那么多挣扎着想去爱别人的男人。
　　
有时候，把自己的眼光重新审视一番，你会发现很多真心对女人的男人，他们或许没那么优秀，或许没有什么吸引力，但他们是全心全意地爱着别人，因为世界是公平的。从来都只是“爱”和“被爱”的两个人。


《成长教育》：“爱”与“被爱” 作者：杀手Roy

《哈里·布朗》：最后正义战胜了邪恶

我有一个在南伦敦土生土长的哥们，当过足球运动员，后来膝盖受伤退役，然后开始四处云游。一天陪丫去鼓楼买琴的时候，他看见某琴行30平米的地方有五六个伙计在忙活觉得很搞笑。我跟他说，很多这样的都是中下层的孩子们来北京追求梦想的，琴行的工作让他们能接触更多买不起的乐器，是个不错的事儿。
　　
然后这兄弟操着你在两杆大烟枪和Snatch里听熟了的伦敦胡同话说，其实这挺好的，在我们那，你知道无所事事的小孩们都干嘛么？都不干好事儿，四处打砸抢呢。
　　
Harry Brown这部电影要说的，就是这么一个光鲜外表之外的伦敦，南部伦敦。除了旅游胜地和文化据点之外的英格兰首都的一部分。
　　
一个老大爷，曾经是皇家海军陆战队的精英，年逾古稀的时候靠着低保住在一幢廉价公寓里，老伴垂死，并且结果还是死了。这片儿有一群青少年流氓，长年堵在一个公路下的隧道里。在老伴临死的雨夜，老头为了避开小王八蛋们没有选择走隧道抄近路，以至于没有见到老伴最后一面，他很伤感。

老人的名字叫哈里·布朗，不是波特，所以看起来很平常。他有一个棋友Len，就是给波特他们学校看门的那位。他们一块在军队里呆过，和爱尔兰共和军干过仗。不行的是，老人往往是小流氓欺负的对象。Len忍无可忍，警察却束手无策，他决定带着刀去报复小混蛋们，结果反被捅得血肉模糊。布朗老人得知死讯后，欲哭无泪。
　　
这两件事儿，外加目睹的无数次小流氓们的行径构成了主人公在电影后半段变身孤胆枪手的动机。
　　
本片是导演Daniel Barber的处女作，没有炫耀的技巧也没有过度的情节编排，一切中规中矩。在阴暗的英格兰天气里讲了一个阴暗的故事。一个公民被逼成复仇者的事儿。这种故事并不新鲜，比较近的可以举一个凯文·贝肯的《Death Sentence》。然而模式化，俗气的好莱坞和英国人的区别在于，前者严守着清教徒教义，让所有取人性命者，包括为子复仇的主人公一并死掉，而后哈里·布朗在片尾则依旧能够平静地走过那条被他肃清的过街隧道。
　　
所以，再看了太多纠结的，讲人性的电影以后，这种简单的正义战胜邪恶回归了最浅显基础的人类道德观，让人在最后能够长舒一口气。这种题材可以上升到青少年犯罪调查，或者警局不作为现象的讨论层面。但一如英国其他的艺术形式一样，那的导演们大多数时候视角更加微观，就像本片一样，仅做出单方面的解读就够了，也让观众少了不少负担。
　　
有的评论说，电影前一半的铺垫过长，但其实正好给了布朗在后半段发飙做了充分的情感铺垫，同时，不得不说，没有迈克尔·凯恩的表演，这个剧本呈现出来的效果会逊色很多。特别是当哈里·布朗在毒贩的大麻种植基地第二次杀人的时候，凯恩面对垂死的恶人那种冰冷的眼神实在是酷到了极致。
　　
而情节上，比较有失偏颇的一段就是影片高潮段落，在混乱中被流氓袭击的两位警官遇到了拔刀相助的布朗，这个有点过于巧合，或者说没有给巧合做够铺垫。
　　
Emily Mortimer饰演的女警官和同题材中的女性一样是个典型的妇人之仁的拖油瓶，并且间接害死了自己的搭档。没死实在是影片一大憾事。
　　
最后，说个题外八卦。英国版Timeout给了本片两星，评论中和谐地之处，片子里的伦敦和现实中大相径庭，简直给帝都抹黑。
　　
结果这评论很不招人待见，遭到了人民群众的反驳。


《哈里·布朗》：最后正义战胜了邪恶 作者：玛丽莲·梦兔

《暮光之城2：新月》：爱就要在一起

《新月》依然依附于原著的脉搏律动，虽然用尽120分钟，原著中的个别细节及着重突出的个性人物未能完美尽现。但在我看来，以克里斯.韦兹一向不分主次，晕人为标识的做派，让他讲暮光二部，除了争议，也有一丝等热闹瞧的期待。客观地说，虽不深刻，但还是比较尊重原著的。
　　
对克里斯.韦兹来说，能松一口气了，没得到凯瑟琳.哈德威克的礼遇，至少以男性的视角为影片补充了阳刚气。有人被雷得哭笑不得，但还会买票进影院看，这就是令人满意的结果。我用了N久接收文件，又花费了两个小时满足好奇心，接下来有了去影院再看一遍的计划，这就是所谓口水电影的炫丽泡沫产生的效应。
　　
《新月》没想用严丝合缝的故事展现“成熟”耐打量的气质，所以不好在它单纯的青春脸庞上苛求内涵与风韵。权当自己被变回到了十七八九的一枝花，在洒满银光的暮色大地幽会，在绿荫笼罩的芳草地携手奔跑。

赵咏华唱到，“我能想到最浪漫的事，就是和你一起慢慢变老。”即使斗转星移，海枯石烂，我们都祈福不变的真情永远牵着两颗心。或许这是凡人的情歌，只要心不变，歌就能唱到老。问题是，人与吸血鬼的爱情要如何一起变老？
　　
画面铺开，贝拉看到了年老时的自己，那时爱德华依然年轻俊朗，幸亏是场噩梦。也是全篇的一句潜台词，贝拉愈发深爱爱德华，她愈发恐惧“凡人”的身份，让自己成为吸血鬼成了最需解决的问题。这是贝拉的心事，同样也是爱德华的秘密。否则，《罗密欧与朱丽叶》的悲剧不会深入到爱德华的身体里，激起那颗不会跳动的心无限的哀愁。如果贝拉先爱德华死去，那么他也会放弃吸血鬼无限的生命，奔爱而去。爱情在开场后，贝拉与爱德华第一次在心底里为爱盟誓，周围的一切变得更冷、更暗、更孤独。
　　
贝拉生日那天，在卡伦医生家庆生。贾斯帕的失控不过是一个小小的引子，这对爱德华来说是个问题，但不足以让他退缩。让孤独无助的坏吸血鬼维多利亚藏在故事里，是不错的编排。一条明线，却在暗中作梗，引出误会与矛盾，无论是出于为夫报仇的动机，还是替爱德华的隐身找个理由，都合情合理。情节上，她跳入大海的那一幕，很炫，至于在林中与雅各布的对博，只能算眨眼间露脸。
　　
从爱德华退去后，整个一个小时就成了雅各布的专场。这60多分钟一直散发着暧昧与忧伤的气味。若没有暮光的第三部、第四部，没人怀疑雅各布对贝拉的爱慕。因为有了后续，对所有罩在雅各布身上的情调只能归于冲动与懵懂了，还有就是他本能意识里对贝拉这个未来岳母的关爱。其实，本片的巧妙之处也在这儿，考验有情人的忠诚度，同时费劲心思刻画了爱德华之外的另一优质偶像。事实证明，这招很管用，雅各布的粉丝在暴涨，深邃的狼眼，性感的腹肌，忠诚不二的个性，一个女人一生得一这样的小跟班足矣。相对于原著，用在雅各布身上的笔墨不算多，这在屏幕内也算做了补偿。
　　
一直喜欢贝拉的迈克同学约贝拉看电影，雅各布、迈克、贝拉同行。坐在座位上，两男生相同的手势拍出了轻松而又富有深意的幽默。贝拉不会选择同为人类的迈克，她也不会投向野性十足的狼族，这是贝拉能够信守爱情的信号。而对应爱德华的忠诚，用罗密欧与朱丽叶的戏剧故事做模版虽有点老掉牙，但也说得过去。
　　
罗莎莉终究是要闯祸的，不过这祸闯得不错。考验了爱德华，又为两情人的相聚找到了机会。爱德华得知贝拉已死，决定了结自己。贝拉随爱丽丝跑到意大利去救爱德华，这段过度得太快，但看看时间，也理解导演的霹雳手。前面“思”与“想”的确浪费了很多胶片，后头没得奢华了。
　　
至于结果，当然是一番“淡定”的冲突，一切归于平静。转身离去的雅各布算得上是有味道的煽情，爱丽丝预见未来的影像中，贝拉与爱德华的双宿双飞，咦….真的有点酸，不过年轻人的爱情都是酸酸的柠檬味儿，所以能理解。
　　
有个不知所云的是贝拉扇保罗的那一掌，保罗介意身份暴露这太正常了，贝拉玩功夫，知道她这是为后面的故事铺垫，但怎么看都觉得这一掌突兀。还有最后想戳戳帕丁森的痛，这《新月》好像跟他没关系一样。爱德华实在是太低调了，听听，到处在说不爱穿衣服的狼族。这一局，吸血鬼明显没PK过狼族。而且，戏外帕丁森又传出与斯图尔特分手的消息，简直要用暗淡孤独的宣传效果把他冷落到底。《暮光之城3月食》估计也是他的期待！


《暮光之城2：新月》：爱就要在一起 作者：小小农

《预言者》(A Prophet)：浅窥法国监狱

《预言者》是一部记录法国监狱的影片，雅克.欧迪亚在受访时，否认了这样的说法。我不知道法国监狱到底是什么样子，凭借此片，若忠实于生活，那我倒觉得这种说法很恰当。总比法国的《肖申克救赎》或法国犯罪史诗片来的恰当、真诚。
　　
马利克（塔哈.拉希姆饰）一个阿拉伯裔小流氓，确切地说，是个混了一半阿拉伯血统的法国小青年。因为打架抢劫袭警之类的犯罪行为被判了6年，19岁被收进监狱，由国家承担教化的责任。律师为了拿到报酬让他签字的那段挺无奈的，烂命一条的愣头青进了监狱对未来还表现得懵懵懂懂的，实在是深刻。

哪都有市场，哪都有监狱，有些规则也一样。剥夺了自由，自然要剥夺某些权益。脱光了搜身，头发要剃掉，到了里面还要接受欢迎新同学的洗礼。马利克还算走运，除了挨几拳，被人当成基佬，运动鞋被人掠走，很快就有大佬自动找上门，主动要做他的靠山。当然，这里一定有阴谋，接受这场交易，马利克的正式黑道生活才算开始。

凯撒，科西嘉人，在监狱里能够呼风唤雨的大人物。培养了马利克,结果让这后辈把自己踩在了脚下。他为马利克准备的入帮仪式堪称本剧的一大高潮，把刀片藏在嘴里，然后割掉瑞比的喉咙。这类暴力镜头，很多导演喜欢用快节奏的蒙太奇手法。雅克.欧迪亚却用了缓中带急的情绪烘托，甚至把施暴的画面用抻面条的节奏延长了暴力的感官刺激，殷红的血液泼洒在法式阴郁的画色中，只因为嗅到现实的血腥气味，感到更加震撼与不适。
　　
瑞比这个人物设置得有点意思，他死后的灵魂被导演赋予另一个角色，时常跑进马利克的精神幻境中，向这个矛盾的凡人泄露天机。实际上是为这个杀了人，摆脱不了罪恶的罪犯送去恶灵的慰藉。这种愿望也是出自马利克的本能，瑞比未死前曾对马利克说过，他会留几本书给马利克，还苦口婆心地劝马利克学文化，好像又契合了某种观点，不识字的人相当敬畏知识。
　　
罗素在《道德哲学》里说“服从神的意志会产生一种无与伦比的安全感，服从源于恐惧，无论我们所服从的领袖是人还是神。”
　　
我想说马利克从幻境中得到了启示，他以为自己就是先知，所有的一切都是神的旨意。其实，再绕到精神与物质上我们不难理解，所有的借口，即使披上了神的光环，都是人为的产物。不是精神上出了问题，就是精神上正常到能够用超高的智慧玩弄所有人。
　　
或许雅克.欧迪亚渲染的宗教色彩非我所理解的那么肤浅，这里的确包容了太多我所不知的民族传统及宗教文化。
　　
成就任何一个传奇人物，都需要垫脚石。
　　
Ryad（从名字猜测他是摩洛哥裔）， 帮助马利克学文化的癌症晚期狱友，他是一个很真实的人物，在超市工作，有老婆有孩子，养过一条精神病狗，结果噩运通通找上他。他的存在旨在讽刺艰难生活的社会状态，同时也是马利克得以成功杀出血路的忠诚战友。最后自己一命呜呼，连媳妇带孩子一切转到马利克的手里。另一个是因走私贩毒被抓进来的埃及年轻人Jordi，从他这里，马利克找到了发家致富的创业项目。但这都是小跳板，在狱中像模范生一样重新改造，而高墙外却是另一番景象。这叫明修栈道，暗度陈仓，就连赐予马利克所有便利的幕后老大凯撒都被欺骗了。于是，这样一位小混混，经过六年的奋斗，终于剔除老凯撒，成为了新的黑帮老大。
　　
最后很唯美，也很机智。做小弟的除了为大哥抛头颅洒热血，心眼儿也得够活份。马利克扭头看了好几眼那一条张扬的车队，手从兜里掏出来，一定做了某个手势，只是切到了屏幕外。其实之前马利克走出看守所时，不经意的张望与点头做足了身份的伏笔。这有点像调戏猜不透大哥心思的兄弟们，娱乐性十足，却也有它的价值。当那首相当有来头的《mack the knife》嵌入画面后，神奇的效果就出来了。跟总结中心思想一样，歌词唱的就是一个十恶不赦的大混蛋，虽然不是Bobby Darin的原唱版，但改换成Jimmie dale gilmore演绎出的另一种味道，极具个人风格的吐字方式使爵士味浓郁的歌曲充满了空灵与邪性，倒是加强了本片的气质。Bobby Darin的成名曲实现了他要成为传奇人物的梦想，结果这么一唱，好与坏，也算为马利克的传奇收了尾。
　　
要说本片制作精良，没有异议。拍摄手法也力求突破，多处营造窥视的镜头感，黑幕、画外音频频出现，模拟心跳的背景音效渲染了现场气氛。但就影片的长度，实在是折磨人，因为带有太多法兰斯浪漫的气质，暴力配以抒情在这里显得有些格格不入。虽然效仿了好莱坞的叙事方式，但过于细腻，反而有种拖沓冗长的感觉。似乎只有前四十分钟能让人集中精神，跟着镜头把监狱翻了个遍，再回到故事上，就有种欲睡又不甘的状态了。但有个不错的感受是来自观片后的回味，再返回去重看，拿遥控器快进的手就灵活多了，而且收获也不少。


《预言者》(A Prophet)：浅窥法国监狱 作者：小小农

《珍爱》(Precious)：绝境中的安慰

美国著名的脱口秀节目主持人兼亿万富翁奥普拉·温弗瑞看完《珍爱》后说，它正是“我们拍电影的原因”，不是为了“享乐”，而是为了“分享它的经验”。但事实上，谁都明白大部分电影都是为了享乐而拍的，只是，在永无止尽的娱乐的间隙，人们也会需要偶尔的清醒，需要某种苦涩的经验，以保持对快乐的感知能力。《珍爱》带给人们的正是这样一种经验，它将人们的目光投注到通常不愿去看的角落和人身上，把生活的巨大的裂缝展现给人看，但是最后带给人的不是绝望，而是安慰。不让观众绝望，这是好莱坞电影“良知”的底线。

《珍爱》不是严格意义上的好莱坞产品，它原先只是一部成本不高的独立电影，去年在圣丹斯电影节获奖后广受欢迎，得到了奥普拉这样的美国主流文化名人的认可，今年又获得了6项奥斯卡提名。这些荣誉暗示了这部电影尽管题材上并不主流，却多少切合了一种主流文化心理：人们其实并不是真的渴望痛苦，而是喜欢痛苦背后的希望，以及希望带来的慰藉。

《珍爱》几乎可被视为一部反映美国底层家庭悲剧的问题电影。电影的主人公珍（Precious）是一个非裔美国黑人，生活于纽约的哈莱姆，患有肥胖症和严重的自卑情结，年仅16岁还在上中学时就被自己的亲生父亲强暴生下两个孩子，学校因此勒令她退学；她有一个“像一头鲸鱼一样摊坐在沙发上”，整天看电视，靠救济金度日的母亲。珍还经常受自己母亲的虐待，有时是言语的羞辱，有时是赤裸裸的身体暴力。在特教学校（Each One Teach One）里，珍遇到了给她带来希望的老师雨小姐，和一群虽然都是问题女孩却让她感到温暖的同学，当她逐渐找回信心，找到希望的时候，却被告知患了艾滋病……

电影涉及到了美国社会问题的方方面面：家庭暴力、种族主义、虐童、贫困、青少年教育、艾滋病、单生妈妈、乱伦、未婚先育、社会福利问题等等等等。尽管如此，电影给人的感觉苦涩却并不绝望，因为这种苦涩多少被演员的表演和电影的一些视觉元素中和了。饰演珍的女演员嘉伯蕾·西蒂比完全是凭她的个性和气质在演这部电影，极少有刻意表演的成分。电影中的珍肥胖得像一个灾难，完全是一个被自卑和家庭暴力压垮的形象，无论在家里面对母亲还是在陌生人面前，都显出一副麻木而无智的样子，就像一头未开化的巨兽。但是，电影旁白从一开始就赋予这个角色一种声音：她的内心独白。在庸常无趣的日常生活画面之外，观众开始逐渐感受到这个角色内心正常的渴求，胆怯、幼稚，但却热切。这些独白大大地改变了珍在画面中的形象，使原先的苦涩多少带着一种温情的暖意。不仅如此，导演还把珍在头脑中幻想出来的画面直接呈现给观众看：比如，珍在被强暴时观众却看到她成了流行明星出现在灯光璀璨的舞台上；当她对镜梳妆时，观众在镜子中看到了她想象中自己的容貌：一个符合大众审美标准的美女；当她被告知有可能染上艾滋病时，同样的舞台画面再次出现了。导演以这种方式扭转了人们生活中对痛苦的感受方式，以夸张的反讽取代了触目惊心的现实。另外，电影中时不时的幽默，灵动活跃的剪辑，还有不少形式上的唯美构图，都改变了人们对现实本身的单纯感觉。

从剧情设置上，电影也贯彻了从绝境中寻找希望的意图。珍的转变是从在特教学校遇到老师雨小姐开始的。由一位有魅力的老师带领一群顽劣无知的孩子找到生活的真谛，这是一种常见的好莱坞式救赎，《放牛班的春天》和《死亡诗社》就是其典型的例子。关于雨小姐，电影中的珍是这样直接描述她的：“有些人曾经生活在隧道里，在那条隧道里，他们唯一的光亮就是自己内心的光亮，当他们逃离那条隧道之后很久，他们仍旧照亮着身边其他人。”这句话可以视为电影对所有那些不幸和苦难的最后解决方式：任何时候都不要放弃希望，人在某个时刻总会闪光的。对于这种直白的安慰有人选择接受，有人则选择拒绝。但是，电影的一个失败之处是让这种安慰露出很大的说教意味。雨小姐这个角色，以及她带给珍和其他孩子信心和希望的过程，缺乏前面提到那两部电影中的让人怦然心动之感。她的最后武器，就是伍迪·艾伦一直在嘲笑的“爱是一切问题的答案”。当珍被查出染上艾滋病，在课堂上一个字也写不出来，她是这样控诉“爱”的：“爱从来没为我做过任何事，爱击垮了我，爱强奸了我，使我感到自己毫无价值。”与这样的控诉相比，雨小姐说的“你的孩子会爱你”则显得苍白而无力。

电影中另一个十分重要的角色是珍的母亲玛丽。这位完全被生活击垮，靠骗取社保基金和虐待自己女儿度日的黑人妇女是珍所有苦难的罪魁祸首之一。演员莫妮卡的精湛演技赋予了这个角色相当的心理深度，观众几乎本能对她感到厌恶。但是，作为一部被主流观众接纳的带给人希望和安慰的电影，《珍爱》并不打算塑造一个完全邪恶的人，它也有意回避了另一个恶的根源——珍的父亲从未在电影中正面出现。它企图告诉人们，所有的恶都是有原因的，找出原因就可对症下药。所以在电影的最后，玛丽在珍和一位社工（玛利亚·凯莉）面前“忏悔”了自己的罪过：她对珍的刻薄和虐待，都是因为珍抢走了她的男人。我想，这是电影对这个角色的“补充”，但是我不能判断这种“补充”到底是缓解还是加深了这个角色身上的恶。


《珍爱》(Precious)：绝境中的安慰 作者：joshua

《野兽家园》：心是孤独的家园

恍惚间回到童年，作为一个小男孩，总是渴望在自己的世界之外还会有一个独立的王国，而自己则渴望着能够进去，在那里，自己就是国王。每一个拥有幻想与梦想的孩子，都会有这样稀奇古怪的想法，来填满自己的想象世界。

像《哈利波特》，只要能够穿越老旧的火车的墙壁，就可以抵达充满魔法的世界；像《纳尼亚传奇》，打开一个柜子，就可以进入一个神奇的国度；像《爱丽丝梦游奇境》，跟随一只兔子，也会进入另一个王国；还有《潘神的迷宫》，在战火纷飞的乡下的森林中会有一个大的迷宫；或者是《通往特雷比西亚的桥》，只要跨过一条河沟，就可以通往一个特雷比西亚的世界。这样的电影都似曾相似，有着类似的模式，都是穿越，去一个充满了幻想力的世界里。而虽然同样的路子走了很多次，但电影出了一部又一部，还是一样的充满了新奇，一样的拿下不错的票房，还能赚取不错的口碑。《野兽家园》也是这样的一部片，也是一样的好玩，一样的好玩的背后展现孩童时代的孤独，或者说人类在孤独时候的同样的幻想力。

一个孩子，在自己的姐姐及妈妈面前没有得到应用的关注，于是在一个夜里进行落跑。在长长的奔袭之后，迈上一个小船，然后顺流到了一个不知名的小岛，于是遇到了一群长着大大的脑袋的怪物们，于是与他们共同度过了一阵无忧无虑的时光。

不过，对于孤独，并非为人类所特有，即使小男孩遇到了长得像玩偶一样的野兽们，这些野兽也有着他们自己的孤独与痛苦。野兽们为了让自己能够过得更快乐一些，他们需要一个国王。小男孩自觉地去充当了这个国王，但并不是所有的野兽们都接受这样的国王。他们知道，他们只是需要一个国王而已，当这个他们需要的国王不能为他们带来他们所需要的快乐之后，他们会毫不犹豫地吃掉他。这次的小男孩，他叫上了一个朋友，然后努力让野兽们过的开心，这最后使得他成为了唯一的一个没有被吃掉的国王。

很侥幸，也很邪的一个电影，但整体的观感却因为电影中野兽们的造型显得比较憨厚可爱而抵消了其中令人不快的部分。对于快乐与孤独，能够解决的只有自己，即使你统领了一个王国，你的快乐与不快也会在臣民的身上显现出来。对于小男孩来说，他最后的归宿仍然是需要回家，去过他应有的生活，学会去调整自己的心态。快乐，就建立在自己的心态之上，你调整了它，你便能够拥有了它，你去放任，同时也会被快乐所放逐。

这些话，对于一个儿童片来说，显得有些深奥了些，而我们来看这样的电影，更多恰恰是去回忆自己的童年，回忆曾经也拥有过某些相似地方的镜头，然后给自己一些些的安危。

想象小时候的王国，也曾经在柴垛里努力挤出一漆黑的空间，将自己埋身进去，去获得一些空间感，还会在无人的狂野里高声的呼喊，把声音所能传达到的地方，都当成是自己的领域。或者是最简单的奔跑，在风中感受自己的存在。只是，现在，都老去了，年华不再。那些野兽的家园，也只能在电影里去窥视一下，借别人的镜头，来将自己的记忆灌倒进去，在黑暗中发一点酵。


《野兽家园》：心是孤独的家园 作者：邑人

《艋舺》：古惑仔的青春物语

其实本来对《艋舺》是没什么好奇的？倒不是因为偏见，而是觉得这种题材在《古惑仔》之后就再没有什么突破了，我不觉得一个台湾导演可以在这种题材上再进一步。但是在看到了《艋舺》在阿凡达的压力下取得的票房成绩，甚至最后超过前者的成绩，我觉得我有必要看一看它好看在哪里，为什么台湾人对它的追捧犹如一年前的《海角七号》一样。
　　
台湾的导演除了侯孝贤、李安等少数导演是跳脱的，大部分台湾导演拍电影总有一种相似性，这就如同日本电影、韩国电影、香港电影一样，是有一种固定的感觉在其中的，台湾的电影既不像香港电影那样追求故事的紧张和冲突，感官的刺激，也不像韩国电影那样白菜和煽情，台湾电影有些日本电影的影子，有一种唯美情节在里面，贯穿剧情和画面，我想这是和台湾民众的喜好有关的。（有历史原因的吧，我猜测）
　　
有很多人将《艋舺》拿出来和《古惑仔》比，作为黑道混混电影，他俩确实可以比比，但是看完之后说句实话，《艋舺》并没有突破出《古惑仔》，它只是另辟蹊径而已，如果说《古惑仔》是堂堂正正的混混传奇，江湖味十足，那么《艋舺》就是一出混混的青春物语，只不过比较残酷而已。
　　
相比《古惑仔》那大气的剧情布局，《艋舺》就显得局促一地了，它的着重点不在江湖争斗，而在于几个混混对黑道的迷茫，对朋友的义气和背叛。 全片的大部分笔墨也不是在渲染江湖的黑暗和残酷，而是集中在几个混混的成长和相处，集中在他们也会有的迷茫和冲动，集中在他们的戏耍和互助。。。。。。一切的一切抛去黑道的前提，其实完全可以是一部校园青春电影（如果没有那些打斗和最后的结局的话）
　　
片子的主角是蚊子，其实另一个隐主角是和尚，蚊子是旁白和叙述者，和尚是主要剧情的推动者。而全片唯一的两段感情也着落在他俩身上，蚊子和妓女，和尚和他们的大哥，前一段虽然给了很多笔墨，使我不觉得突兀，但是要说传神和感人，那是远远不够的，一个是剧情在这力道不足，一个是演员水平不够。后一段那是典型的断背，虽然是单方面的，但是对于整部电影来说，和尚都比较恰当的表现了那种深藏的感情，这一点确实不错。
　　
片子的布景和画面都力求恢复到六七十年代的台湾，一种复古的暖暖的色调充斥于全片大部分场景，这种感觉的画面说实话要是出现在一部爱情片里，青春片里是很正常的，但是出现在一部黑道电影，确实比较意外，但是结合本片剧情，我觉得这次尝试是成功的，我很喜欢这种感觉的画面。
　　
片子拍的很细，很多道具都是精心制作，很多道具也都含有隐喻和暗示，比如蚊子在片子和大佬一起吃鸡腿，其实就已经是暗示他视大佬若父，因为一开始，蚊子可以为了一个母亲做的鸡腿而打架。再比如溜溜球，它是友情的象征，而最后被作为武器，也意味着友情的结束。片子除了道具，还在群戏下了不少功夫，很多动作和打斗都是设计好的，所以整个群戏主次分明，前后连贯，缺点就是，显得很做作，不自然，不刺激。
　　
《艋舺》，虽然我不认为这是一部超越《古惑仔》的电影，但是喜欢古惑仔或者青春电影的人，或许都应该尝试一番。


《艋舺》：古惑仔的青春物语 作者：stillclm

《拆弹部队》：胜在独特视角

不像其他女导演的女权主义或者是爱情文艺范儿，凯瑟琳毕格罗的电影一直很爷们。像95年和前夫詹姆斯卡梅隆合拍的《末世纪暴潮》也是同样的爷们，丝毫看不出女导演的痕迹。但是直到这部横扫了N多奖项的《拆弹部队》，毕格罗才脱离了前夫的阴影，真正以电影人的身份进入到全球公众的视野。

《拆弹部队》是今年提名奥斯卡最佳影片的十部电影之一，也是这十部中我看的倒数第二部。如果与卡神的《阿凡达》比，《拆弹部队》在剧情和神韵上确实略胜一筹。我在电影院看了两遍《阿凡达》，卡神做出来的电影效果无可挑剔，然而在剧情上没有超出一般商业片的范畴，属于他的正常发挥。加上极具噱头的电影宣传，全球20多亿票房也是实至名归。

但拍电影的目的是为了什么？除了赚足票房以外，作为第七艺术的电影，还带着一种意图揭示人类命运和启发我们的使命。所以在今年的奥斯卡提名上，你还可以看到告诉你什么叫不平等对待和种族隔离的《第九区》，或者是告诉你什么是人与神之间无法逾越的隔阂的《严肃的男人》。然而上面两部都太虚幻了，到底有没有外星人？到底什么是圣经里的约伯？我们不知道。

我们知道的是伊拉克战争。在这个战争只出现在历史课本上的和平年代，我唯一有清楚记忆的战争是伊拉克战争。当时中央台每天都报道伊美两军的交战情况，我心里隐隐有让弱势一方伊拉克胜利的希望。但希望落空了，美军胜利并接管了伊拉克。而既不是伊拉克人也不是美国人的我们，便从此鲜有人关注美军在伊拉克的情况。当然，除了偶尔还露面告诉世界人民他还活着的本拉登，我只知道伊拉克是个悲惨的地方。

《拆弹部队》把我们重新拉回了03年对伊拉克战争的记忆。毕格罗是美国人，她的电影的立场是从普通美国人出发的。电影带点纪录片的意味，她全程用了摇晃的镜头，每分钟都透露对环境的不确定、怀疑和恐惧。开始看的时候我几乎看不下去，几分钟就要暂停一次。那种摇晃的镜头对我而言是一种折磨，你不知道恐怖分子什么时候射击，或者没被解除的炸弹什么时候爆炸，或者电影里的人什么时候死掉，再就是什么时候血腥的场面会出现。这是对人的心灵的折磨。

被折磨的不仅是观影者，还有主角。杰瑞米雷纳扮演了一个无惧的拆弹中士，不用机器人，甚至当太多弹药的时候不用防护服。但他真的不怕死吗？他有妻子和一个儿子，他与妻子离婚，想给她选择他人的自由。但妻子忠诚的没有离开他。他怕死，他只是没想过会有什么后果，因为不能想不敢想。他在结束了B连的工作后，稍作休息又重新进入D连，轮值365天。这不是个人的轮值，而是整个美军在无休止的驻军，还会有人死亡。

那么美军与伊拉克人民的关系是怎样的？大部分美国军人选择怀疑和敌对，这事实上是种族之间的隔阂，让我想到了阻止各种族人之间沟通的通天塔。杰瑞米扮演的威尔是其中尝试与当地人沟通的积极者，他与卖DVD的小孩交谈，和他玩游戏并打赌，甚至给他钱帮助他的生意。但结果是坏的，于是他停止沟通。他也曾试过用自己的力量查出恐怖分子的所在地，结果仍然是坏的。这场战争是个人力量无法结束的，他只能再一次的执行任务，拆除一个又一个炸弹。

911事件中的恐怖主义给美国人带来了无比的恐慌。他们害怕并且尝试战斗，但从目前来看结果仍然是坏的。那到底什么能消除种族之间的歧视和怀疑呢？我不知道，我只希望有一天通天塔真的倒了，我们都自由了。


《拆弹部队》：胜在独特视角 作者：linda