《越光宝盒》：无厘头的衰亡

四个字简评“什么玩意”！
　　
老实说，看完这部电影我真的不想说什么了，因为真的没有什么好说，只能发出无可奈何的感慨，为了迎合内地市场的香港电影已经堕落到这般田地了。可能以前我们真的是高估刘镇伟了，他这次拍的已经不是喜剧了，而是闹剧。片名起的是《越光宝盒》，里面也有紫霞仙子、紫青宝剑，有牛魔王和铁扇公主，有菩提老祖…还硬说是和《大话西游》系列没有任何关系。而且自从《大话西游》之后，刘镇伟就已经对这种“宿命爱情”+“最后的悔悟”干上了，从《天下无双》到《机器侠》，刘镇伟一直在这样复制再复制，只不过是大环境不同，人物不同而已。追其根源，他仍然是想重塑造《大话西游》的辉煌。可是当初那部《大话西游》也是时隔多年在内地被大学生以“后现代结构主义”而被捧为经典，刘镇伟那时候拍摄的时候哪想到这么多，他当时的状态和电影也是完全碰巧造就了这么一部影片，现在硬是去拍一部“纯后现代结构主义”的影片是拍不出来了，反倒是一部比一部烂，这种电影是不能模仿的来的。

《越光宝盒》的缺点和诟病太多了，此片倘若和《机器侠》一同比较的话，《机器侠》都能算是上品中的上品。首先，《越光宝盒》学着某献礼大片，一样也“见过”了一群“大爷”，一个个的大爷再加上几个“好傻好天真”的姑娘就如行云流水般说着天花乱坠的台词。不仅如此，表演生硬，情节刻意，请来这么多明星也难以掩盖他电影中的不足。说来，刘镇伟以前的《大话西游》和《东城西游》都不错啊，他的无厘头可是在王晶之上的，尽管“恶搞颠覆”一直都是无厘头必不可少的因素，但这次恶搞的范围广野心大水平差（包括《赤壁》《功夫》《十面埋伏》和奥运会、三鹿奶粉…），这些多元化的恶搞对象让我想起了去年的一部国产烂片《熊猫大侠》，一旦这种恶搞的对象变得庞大起来就没有焦点了，也就沦为了俗不可耐的山寨产品，要说是某水果电视台拍的也就罢了，硬是刘镇伟拍出了这样一部片子，这位无厘头宗师爷爷这次可真是亲手埋葬了无厘头文化。
　　
近年来，穿越题材的影片成了烫手山芋，这山芋也炙手可热，像《恐怖游轮》、《时间旅行者的妻子》、《关于时间旅行的热门问题》等，但是穿越也是需要有铺垫的，刘老师在影片一开始五六分钟就利用月光宝盒让清一色（郑中基饰）穿越到了三国时代。影片前戏根本就没有什么铺垫，完全就想一股脑儿进入主题是很难让人接受的。而且穿越后的清一色立刻就变成了赵子龙，灵魂附体吗？就连婴儿刘阿斗都能像“变形金刚”那样变成各种水枪、消防栓的，实在是恶搞的没谱了……
　　
刘镇伟貌似还对自己这部片子很有信心，片头仍然标注着“编剧：技安、导演：刘镇伟”字样，不一会儿“技安”也变成了“刘镇伟”，生怕别人不知道技安就是刘镇伟，而片尾再次出现了一条“菩提老祖 作品”，又要再次提醒观众刘老师还在片中演出了角色。片头、片尾的山寨恶搞我们就已经能看出刘镇伟的江郎才尽……得亏也就是刘镇伟吧，现在王晶的电影我已经开始罢看了，单是正片之前的暖场预告片中窥觊到王晶的《未来警察》预告片我就已经雷得不行了。也许，无厘头这种文化真的已经可以宣告结束了，正如当初周星驰接过了许冠文的班一样，现在也需要新的喜剧人接过周星驰的班了。


《越光宝盒》：无厘头的衰亡 作者：大奇特

《爱丽丝梦游仙境》：华丽怪异的仙境童话

童话故事是电影世界中一道亮丽的风景，天马行空的幻想与浪漫的童真是童话电影中亘古不变的主题，华丽的视觉效果和精彩的冒险故事可以为电影增光填色，《爱丽丝梦游奇境》就是一部典型的童话电影。不过这是一部与其他童话电影有所区别的版本，因为本片不仅有着老少咸宜的经典故事，同时也具备了自身最为引人瞩目的独特个性。

延续经典的原创故事

不要以为本片是路易斯·卡罗哪部脍炙人口的同名童话作品的重拍版，在导演蒂姆·波顿的奇思妙想的构思下，本片从某种程度来说更像是原版故事的续集。故事的主人公仍然是我们熟悉的爱丽丝，从仙境归来十年之后，已经长成19岁的漂亮女孩的她，早已将以前的仙境之旅完全淡忘。但是早已对生活失去激情的爱丽丝仍然盼望着一次梦幻般的冒险为自己平淡的生活找到一个惊喜的追赶目标。

然而冒险的故事就像6月的雨季，说来就来。在一次宴会上爱丽丝遇到了富家子弟哈米什·爱斯科特对她一厢情愿的告白。爱丽丝被这个突如其来的告白有点不知所措，慌不择路的逃掉了。随后在一个森林里她遇到了一个穿着马夹、带着表袋的兔子。在兔子的带领下，爱丽丝穿越了森林来到兔子洞，随后她不断地翻着跟头通过了一条奇怪、有如梦境般朦胧的通道，进入的一个令人惊奇的幻想世界当中，居住在那里的人和生物将这片土地称为“地下生活”，这是一片梦幻般的仙境。

然而冒险的故事就像6月的雨季，说来就来。在一次宴会上爱丽丝遇到了富家子弟哈米什·爱斯科特对她一厢情愿的告白。爱丽丝被这个突如其来的告白有点不知所措，慌不择路的逃掉了。随后在一个森林里她遇到了一个穿着马夹、带着表袋的兔子。在兔子的带领下，爱丽丝穿越了森林来到兔子洞，随后她不断地翻着跟头通过了一条奇怪、有如梦境般朦胧的通道，进入的一个令人惊奇的幻想世界当中，居住在那里的人和生物将这片土地称为“地下生活”，这是一片梦幻般的仙境。

在这个形形色色的世界中，爱丽丝见到了神经兮兮的“疯帽子先生”，独断专横的“红桃皇后”和阴冷美丽的“白色皇后” 。在经历了一连串险象环生的意外事故之后，爱丽丝终于明白了自己来到仙境的真正目的，她将会在这片有如童话般虚幻的奇妙世界里重新找到那个在现实世界中迷失了的自我。

鬼才导演的怪异童话

蒂姆·波顿是一个公认的鬼才，在他的脑海里每天能构思出50个场景和画面，其中有51个是属于地球以外的。如果你看过包括《剪刀手爱德华》、《大鱼》、《查理和巧克力工厂》这些脍炙人口的旧作就不难发现，在他的电影世界里，总是充满了天马行空的场景和构图，同时又不失童话般的浪漫幻想。而在这些光怪陆离的画面当中，蒂姆·波顿又把自己对人物与世界观独特的塑造融入到自己的作品中，生产出出如此色彩斑斓、形形色色的怪异场面。在他的故事中，充满了充满了黑色幽默的温婉和忧伤，自闭又很有张力，从而造就一个非常诡异的世界。当然，奇妙的幻想需要一个强大的作品才能得以影像化呈现，而《爱丽丝梦游奇境》则是一个将蒂姆·波顿这种火星一般的构想完美的描绘出的一个最佳载体。

当《爱丽丝梦游奇境》遇到蒂姆·伯顿时，好比毕加索遇到了梵高。这部在原著基础上延伸的电影作品可以看做是蒂姆·波顿对乌托邦世界的另一次奇思妙想。原著本身的那种荒诞离奇而富有逻辑的文字在鬼才导演的大脑里层层蜕变，进而转化为花样百出的画面。所以在荒诞原著小说在蒂姆·波顿特立独行的驾驭之下，电影里呈现出来的场景与人物只能说更加夸张，更加抽象，更加充满童趣。这个离奇的造梦大师与荒诞童话的代表作相遇，必会擦出一片令人意想不到的彩色火花，蒂姆·波顿用他自己独具匠心的画笔为众多翘首以待的影迷挥洒出一本绘声绘色的睡前童话。

花样百出的童话人物

童话世界中必然少不了在天马行空幻想下创造出来的奇人怪事。蒂姆·伯顿的电影里不乏怪异的想象，以至于在其强烈个人风格下所展示出来的人物和场景是那么的令人匪夷所思，而又不得为其挑指称赞。比起原著，这部近似于原创的电影中我们看到的是更多古灵精怪和奇异画面。当爱丽丝进入到仙境的时候，她见到的是有如动物园般丰富多彩的各色人物，一只喜欢恃强凌弱、虚张声势的睡鼠和精神错乱的“疯帽子先生”大摆龙门阵；一只“常露齿嬉笑的猫”和一只喜欢抽水烟袋、名叫阿布索伦的毛毛虫并肩而行；当然还少不了在仙境中作威作福“红桃皇后”和被她囚禁、让人感到毛骨悚然的“白色皇后”。这些颇具童话味道的人物都在导演强烈的个人风格下变得栩栩如生，形态各异。

光有了形形色色的人物不足以成为这部童话电影吸引大众眼球的唯一亮点，在现有人物上进行波顿式的大胆华丽塑造才是真正令影迷砰然心动的主要原因。由约翰尼·德普饰演的“疯帽子先生”那小丑的造型依然是那么神经质的纤弱和怪异的惨白。而这个人物也可以看做是导演对旧作《查理和巧克力工厂》中主人公形象的一次升华版的延续，癫狂的外形之下，实际上隐藏着一个成人世界中未泯的童心。而“红桃皇后”则正好相反，在仙境飞扬跋扈的女王被导演塑造成一个有着硕大头颅和短小身材的畸形形象，可笑的外表与其在童话世界里独断专行的统治形成一个鲜明的对比，同时也是对成人世界独裁者的一种讽刺。除此之外，在电脑特技的支持下，一帮CG角色也在片中大显身手，五花八门的人物外表下但却都具有一个共同的特点，那就是夸张怪异外表下那永不向成人世界妥协的童心。

光明与黑暗的对立反差

这部电影是蒂姆·波顿转投迪斯尼旗下的第一部作品，从电影里我们看到的是美轮美奂的画面与极尽斑斓的色彩。这样的效果似乎与其以往作品大相径庭。导演善于塑造哥特式的黑色场景，但在他前的影片中，无论整体多么黑暗，总还是会出现一两处十分明亮的场景。而本片恰好相反，片子整体基调呈暖色调，色彩鲜艳，充满了一种空想主义一般离奇的艺术感，变化无穷的场景搭配“疯帽子先生”等人活泼而又夸张的表演，使得整部电影在瑰丽多姿的色彩印衬下显得相当动感和明快。

但对比于华丽的仙境，外面的世界却依旧黑暗阴沉，这就是伯顿一贯擅长的黑暗与光明的对比。现实世界中爱丽丝一直在逃避着生活带来的压力以及成长的烦恼。电影采用这种将成人世界中的危机感和压迫感无限的扩大化，并且将其包裹上一层黑暗的外衣，灰暗阴冷，死气沉沉，用来激发女主角那种对被约束的生活一种无形的逆反心理，从而产生其时隔多年之后重返仙境的动力。而在华丽外表下，仙境内部同时也存在着一两处不和谐的声音，那就是以“红桃皇后”为首的一批成人世界的代表者，妄图将美丽的仙境也变成压抑的现实世界，扼杀了浪漫幻想。这也是产生让爱丽丝重返仙境的另一个原因，这个来自于现实世界的少女，将挑起拯救童话世界的大旗。也就是这个华丽仙境与现实世界的对比，充满了冷与暖的交揉，温暖中的残酷，黑暗中的温馨。

浪漫冒险的反叛内核

本片的主题思想其实延承一贯童话故事中共有的精神内核，即浪漫和冒险精神。电影中爱丽丝被现实生活打压的精疲力竭，不得已才重返仙境。而电影很有意思的一点就是将爱丽丝重返仙境的动力归结于他人所需，爱丽丝的到来是以仙境拯救者的身份驾到，而不是作为一个其逃离现实的一个归宿点。这样一来，电影的内核发生了一个微妙的变化，爱丽丝的仙境之旅由主动变为被动，使影片的主题变得相当和谐，不要忘了，这是一部童话电影。在童话的世界里，只有数不清的王子和公主的浪漫话题，没有一个对现实生活无声的抗议和反叛。

所以，作为一个永远也长不大的孩子，蒂姆·波顿将自己对现实世界无因的抗拒通过一部部童话电影作为载体，隐喻的表现出来。无论是《大鱼》中在现实世界与幻想领域中渗透的父子真情还是《剪刀手爱德华》里与现实相悖的人与机器的铭心爱恋，同时也体现出那怪异而富有特点的臆想。这部《爱丽丝梦游奇境》，骨子里面透露的还是那种逃避现实的空想和不愿长大的童真，而作为一个19岁的少女，早已像度过做梦年龄的主人公，却在继续选择对现实的妥协和逃避成长的烦恼中毫不犹豫的选择了后者。无奈的现实，激情的仙境，那个狭长的兔子洞成为了链接成人世界与童话领地的一道七彩的虹桥。所以在电影里我们看到了一个不一样的童话，没有王子和公主俗套的爱情，只有一个在浪漫冒险的童话外衣下隐含着那个一成不变的叛逆情怀，原来，在成年少女的外表下，继续选择作为一个永不长大的孩子是那样的简单。

综上所述，《爱丽丝梦游奇境》是照亮电影淡季的一朵奇葩，本片有着那部脍炙人口的原著作为基础，在鬼才大师蒂姆·伯顿和超级人气男星约翰尼·德普这对老搭档的精心执掌下，这部集经典童话、华丽怪异艺术和反叛内核于一身的电影，会成为童话世界里另一个五彩斑斓的画卷。


《爱丽丝梦游仙境》：华丽怪异的仙境童话 作者：梦见乌鸦

《堕落天使》：一场场孤寂的相遇相离

每一个人，因为孤寂的心，在这个孤独的世界里，相遇，然后离开。

在孤独的时候，他们选择紧紧靠在一起，互相取暖。
　　
在影片中，两个主角的独白，不由自主地想到了一起，仿佛这个冬季，来得早了，因为觉得冷了。所以他们就像是出于动物的本能，在寒冷的时候，互相依靠着来温暖自己的身体，其实，他们感觉到寒冷的，还有他们的心，因为他们孤寂的心，在冰冷的世界里，感到寒冷。
　　
影片中的六个主角，都没有名字。或许他们本身就不需要名字，因为名字有时候也是一种累赘，他们只是在某个时间联系在了一起，然而当离开时，他们会不带滞留的离开，痛快地不留下一点痕迹。李嘉欣和黎明饰演的角色，存在一种建立在仿佛即断却丝连的关系，他们的生活在表象，看似毫无联系，却在一种微妙的关系牵引下连接在一起，直至一切都有了个结束。黎明饰演的杀手在影片中，有一次重复的独白：“ 做我们这行，最大的好处是不用做决定。谁该死，时间、地点，一早有人决定好了。我是个很懒的人，喜欢人家替我安排好一切。”不同的是，第二次，他又说了一句：“最近有点不一样，我想改一下这个习惯，我不知道这样做对还是错，不过至少这个决定是我自己的。”他的声音伴随着灰暗的天空，渐渐远去了，或许他是自愿掉进这个陷阱里，又或者这一次，是他被别人决定了生死。

他也是决定了，要远离那种生活，厌倦了吧，又或者是因为他和李之间产生了拍档之间不应该产生的难以把握的感情。原来即使两个从不见面的人，却在微小的联系后也可以产生感情。片中的李嘉欣在那个房子里，在酒吧里，感受着他的存在；在列车上不自觉地去看房子里，他是否在。但是，他知道这样的爱，不是他要的，所以他需要远离。但是他说不出口，于是，他给了她线索，在常去的酒吧里，让酒保转达他对话，告诉她，留声机里的歌声会告诉她他的话。所以我们在留声机听到的是那首关淑怡的《忘记他》，一切都很明了了。只是对她，无法接受。
　　
他离开了，在一个雨天，遇到了另一个突然闯入的女人，一个曾经跟他一起却不记得了的女人——莫文蔚饰演的金发女郎。
　　
她是一个很脆弱的人，她用吼叫来发泄她被孤寂感折磨的心灵疼痛；她把头发染成了金色，烫成一个很奇怪的发型，因为她要让别人记得她，她害怕被遗忘。
　　
她出现在他最孤独的时候，他说，他只是需要一个伴。
　　
当李再次出现时，他和她坐在一起，说了很久，她拿烟的手不停的颤抖，却忽然镇定了，突出一口烟。
　　
外面又下起来雨。
　　
李嘉欣要他再做最后一次，原来这真的是最后一次了。

莫在外面等着，等了很久，她觉得他再一次离开他了，所以，她冒着雨走了出去。然而在她最需要伞的时候，他追了上来，用衣服挡雨，把她送回了家。她以为他这次，不会走了吧。但是，黎告诉她，他不会再上去了。她像个孩子，吼叫着，哭泣着。黎说，我们说好的。是的，说好的，只是暂时的陪伴而已，她忘记了而已。
　　
该走的人，都已经走远，留下的人，却依然孤独地活着。
　　
李嘉欣的艳丽和冷漠变本加厉，浓重的连她自己都觉得寒冷。

影片里，是两条线索交错讲述，除了杀手，另一个就是哑巴——金城武饰演。他的经典名言是：每一天，你都会跟很多人擦身而过，而哪个人呢，可能会变成你的朋友，或者是知己。他有一个不爱说话的爸爸。爸爸在的时候，他只是个每天凌晨撬开别人的店做无本生意，或是强迫卖东西给别人的大孩子。因为爸爸总是会帮他解决他的问题，他不用考虑太多烦恼。

他在爸爸六十岁生日的时候，拍摄里一段录像，虽然爸爸被他烦扰地几乎发怒了，但是爸爸却在半夜一个人偷偷看录象带，边看边笑。爸爸去世后，他也选择离开那里，走得时候，带着的只有那一卷录像带。而且那天，看来好几遍。

在他原先荒芜的生活里，还有一个他自认为初恋的女孩——杨采妮饰演。他经常在某些地方，遇到她。有一次，她失恋的时候，他傻傻地陪着她去找情敌，在她哭的时候给她肩膀，陪着她去看棒球比赛，他甜蜜地以为这是他的初恋，只是杨转身早就忘记了他。
　　
他开始失恋了。
　　
当再次遇到她的时候，她真的一点都不记得他了，他可爱地在旁边做着滑稽的表演，引来的只不过是她陌生的眼光而已。 　

在这个冰冷的城市里，他也感到了孤独的侵蚀，于是他遇到同样孤单的李嘉欣，因为孤独感会把两个不相干的拉在了一起。在这个冬季提早来临的城市，需要相互温暖。
　　
在冗长的隧道中，她靠着他，在他的摩托车上，互相靠近。
　　
直到隧道尽头，在外面，依然是灰暗的天空。

整部影片的色调是冷艳、灰暗的，在这个基调下，每一个镜头中人物的动作，都在表达他们内心的感受，片中最多的不是人物的对话，因为语言可以掩饰一个人的感情，而动作行为很难去改正，它们准确的表现着真实的情感。所以看王家卫的电影，总是需要仔细的去体会那些细节上的事物，在冗长的镜头里，反复去品味一个细微的动作，也能看出一个人物的个性。
　　
最近总是在看他的影片，越发喜欢他的风格了。我并不知道那些关于他的后现代风度评论，我只是从自己的感觉出发，我想他的影片，需要的是更多感性的解读。
　　
我想他是个很注重细节的人，可以从他的影片里感受到，所以影片里的细节不是可以一一解读的，还是自己看过会，才能体会出味道来。
　　
堕落天使，一个是指因跟随撒旦而一同被打入地狱的天使，另一个是指因贪恋人间生下巨人族而遭天谴的天使，命运对待每一个人，如同蝼蚁。
　　
这是一个冰冷的城市，在孤独的牵引下，我们相遇相离。


《堕落天使》：一场场孤寂的相遇相离 作者：Fuego

《白丝带》：白色并不代表纯洁

作为2009年嘎纳电影节金棕榈大奖的获得者，德国电影《白丝带》用平静而冷酷的叙述沉重撞击人们的心灵，这种没有血腥的暴力像一个暗自窃笑的小丑，躲在角落里得意而邪恶地打量着他所制造的灾难。导演哈内克以纯黑白的画面，借一位老去的乡村教师之口喃喃讲述了第一次世界大战前，发生在德国某个小山村中的往事，那里男权至上、贫富悬殊、阶级分明、不伦畸恋、猜疑妒忌……所有的一切犹如沉沉的乌云盘绕在山村上空，上演了一幕又一幕的悲剧。
　　
所谓白丝带，就是片中牧师心里一种无形的人性束缚，在这个他占绝对主导地位的家庭中，他用自己的价值观和宗教信仰来约束其他成员的行为，把它们硬生生地强加在下一代身上。当他们犯了错，他不通过沟通来纠正，而是在他们胳膊上系上一条白丝带，试图以纯洁的白色来提醒孩子们别再做同样的事情。孰不知这种主观粗暴的方式并不能彻底解决问题，孩子们将其视为自身耻辱的烙印，再加上平日里周遭环境的耳濡目染，使得他们更变本加厉的为所欲为。在电影里，最令人叹息的就是这些孩子，本该纯真无辜的灵魂逐渐沦为暴力的实施者和助长者，同时也忍受着精神上的压抑和摧残，幼小的心灵尚为长成便在堕落的环境里腐烂。几十年后，这成长起来的一代带着他们扭曲的人生观成为二战最直接的面对者，小山村只是当时德国的一个缩影，有多少德国人是在那个疯狂而混乱的年代中成长起来的？
　　
直到结尾，电影也没有给出明确的答案，究竟谁才是这些悲剧的幕后策划者，但在经历过这沉闷而冷酷的过程后，真相还值得期待吗？还有那么重要吗？哈内克通过冷静的手法完成了对往事的追忆，然后让观众自己去思考、领悟，最后明白应该如何生活，应该以什么样的形象停留在孩子的心中。
　　
《白丝带》的主题是严肃深刻的，故事虽然冗长，但不会让人感到疲惫，电影没有直接展示出血淋淋的暴力场面，但那些冷漠无情的对白和恐惧无助的眼神却像锋利的刀剑，摧毁了人的承受力，这感觉犹如落入冬日里的冰湖，所有温暖的感情在刹那间被吞噬。可以说是这种极端的社会背景和教育方式扭曲了人心，最后使大家不得不吞下那一粒粒苦果。
　　
故事的叙述者——乡村教师，他的生活和爱情是片中唯一让人感到亲切的，但他只是电影里芸芸众生里微不足道的一分子，不得不接受那时伦理道德观的约束，他炽热的爱情也要忍受父权至上的蹂躏，每一步都走得小心翼翼。今天，当我们回看那个年代时，或许会感到莫名惊诧，但那正是曾真实发生过的自然往事，战争、仇恨，这些都不是偶然的，而是经过岁月累积而逐渐形成的偏执，等到它发育成熟后再想扭转就太晚了。《白丝带》用这样的回首为世界敲响道德的警钟，提醒人们别再让历史的悲剧再次重演。


《白丝带》：白色并不代表纯洁 作者：风筝

《嗜血破晓》：日出将至，又见末世

眼见着这两年吸血鬼电影的返潮与大热，德拉库拉的子孙们再度迎来水涨船高的好日子，影迷爱媒体爱最爱的还是各大电影公司的老板们，兼顾着让奇幻文学网络文学也跟着洛阳纸贵。当然如果你想费力气动脑筋用火眼金睛那么一瞅，同样也会发现，如今的吸血鬼电影已经不是以前那么回事儿了。

远的就无需考证了，吸血鬼之母安妮·赖斯当年的一系列作品基本奠定了吸血鬼文化的庞大体系，从生态习性到族群繁衍，事无巨细的写了个遍，顺便还把此种族塑造成了高贵典雅，哥特诡异，甚至是西方古典美的传统代表。不过所谓与时俱进，要是还打算再把吸血鬼拍成穿古装出来谈恋爱骗姑娘的靓丽绅士似乎是说不过去了，所以当卡朋特老爷子开始用《V字特工队》革新吸血鬼规则（不怕阳光），罗德里格兹跟昆汀用《杀出个黎明》把这帮见不得光的家伙们变成西部匪帮的时候，人们早已料到吸血鬼题材同类型片的嫁接将是大势所趋。凡此种种，得亏《暮光》的上映，让这帮黑夜出没家伙们再度获得90后的钟爱，也成为拉动吸血鬼经济的导火索，原先已经多少有点儿长尾的非人族群终于在21世纪的头十年后半夜跟第二个十年的前半夜成为咸鱼翻生的大热题材。

Spierig兄弟自然深诣其道，2003年自编自导的大银幕处女作《猎杀活死人》（Undead）就是一部吸血鬼电影，并且在当年获得了空前成功，那么此次更是抓住了迷友的G点，将末世论，敌托邦，科幻，惊悚，复古的元素一并融合到这部《嗜血破晓》中来，酷，尖锐，大胆，借用了上世纪五十年代科幻/奇想类B片的创意同无视规则的勇气，一方面打算重塑吸血鬼生存体系的规则，另一方面用一个近乎无解绝望的故事来探讨生命存在的悖论。

想象一下吧，世界成了吸血鬼的天下，他们科技发达，拥有高度智能化人性化的城市体系，还专门开发出了能在白天驾驶的汽车同单兵防护装甲，要不是因为人类的日渐稀少导致血源告急，而加速了社会体系的混论崩溃，这么看下去似乎比在人类社会时期还要完美。当然，他们原本也是人类，跟所有的宗教典故一样，到了该赎罪的时候了，一场瘟疫令全球人类悉数变为吸血鬼，是有一些人不屑于永生与黑夜为伍，但是那又怎样，坚守的底线又能是什么？生命对于人类来讲，是随时可以被浪费丢弃的，以各种名义以各种信仰。Ethan Hawke所饰演的吸血鬼血液学家一直就拒绝饮用人血，其坚定的认为自己的身份是一个错误（因为染病被弟弟所咬变异），而一心保持着所谓人性。这在片中成为一个符号化的体现，同他的老板Sam Neill，一个为了躲避死亡而选择成为吸血鬼的父亲形成了鲜明的对立两极。人类世界会因为石油，资源，食物而爆发纷争杀戮，社会崩溃；吸血鬼世界亦然，没了足够人类供血，经济下坡，物价飞涨，鬼迷心窍，终究是人变去的，改不得本性。以至于吸血鬼军队利用阳光对“地下潜行者”们（SUBSIDERS）执行死刑的一幕更像是任何一场种族大屠杀的场面。即使当可以令吸血鬼恢复成人类的解药出现，但接下来可以预见到的又将是一场新的杀戮与死亡。就像无法打破的诅咒，本片恰恰将解药设定成了吸血鬼赖以生存的命根儿，在近乎发狂的啃吸满足食欲后，又将迎来变为正常人的尴尬境地，最要命的是这似乎是一场新的瘟疫，无论是从人到吸血鬼还是从吸血鬼再到人，上演的总是那么一幕似曾相识的杯具。

《嗜血破晓》也许是本年度最令人惊叹的邪典之一了，整片的画面基调都以黑蓝为主，冰冷，炫酷，有着重金属与电子乐一般的质感，其展现着一种末日下的焦虑与无望。动作场景的处理不温不火，没有落入当初想象中如《黑夜传说》，《刀锋战士》一般的炫酷场面中来，事实上其更加写实化的处理正好对应了片中对现实化社会的忧虑以及对人类世界的反思，不啻为聪明之举，尽管本片的动作场面其实可以拍的绚烂无比。而来自Ethan Hawke，Sam Neill以及Willem Dafoe（演吸血鬼电影上瘾了–《吸血鬼助手》）这三位经常出现在各式文艺片，邪典中的大拿的表演甚是赏心悦目，光是看看几位大爷的对手戏也算值了。不过片中对吸血鬼体系所做的一些实验或者是创新：吸血鬼镜中无像，吸血变异怪形-SUBSIDER（跟《刀锋战士》里的“收割者”概念很像），“人类牧场”以及偶然被发现的吸血鬼变回人类的方法，倒确实可能会让各路吸血鬼迷感到突兀，惊艳甚至是难以接受，毕竟经典的吸血鬼设定同样也是此族群安身立命打拼天下的不二法宝。颠覆太盛恐伤其元气，如果真有吸血鬼前来索命，我亲爱的导演编剧们你们一定要解释合理才行。

正如开篇那位选择自我毁灭的小女孩吸血鬼就预示的那样，不是非有永恒的生命不死的魂魄才是宇宙的奥义。对于那些甘心于体验短暂而正常的生命时限的人们来说，面对太阳的温暖照射才是最为尊重个体同生命的选择。想必执拗于变回人类的吸血鬼们为的也是如此。当年秦始皇为求长生不老遍访天下名术，吾国自古至今无不有此等炼丹术大为风靡，即使望眼全人类这也是大多数人所追求的终极目标。而James Gunn在他的经典科幻小说《长身不死的人》以及前年大热的宅片《这个男人来自地球》中依旧探讨着这个问题，万年孤独跟死亡你会选择哪个呢？

日出将至，你所迎接的只不过是新的末世。


《嗜血破晓》：日出将至，又见末世 作者：大猿魔

《不要回头》：那些分裂的迷惑和疼痛

我们是冲着美女苏菲玛索、哪怕是迟暮的美女苏菲玛索去看这部电影的。然后发现女导演把女主角最普通的日常生活拍得十分惊悚，惊悚的原因是真实。
　　
这部片子里有一个女主角和几个主要演员，分别是女主角的童年、女主角自己、女主角理想中的自己、女主角的丈夫、女主角理想中的丈夫、女主角的母亲、女主角理想中的母亲。
　　
可能每个人眼里的哈姆雷特不同，我是这么理解的，也许能给其它观影后的人有所参考。

首先，还是童年的阴影，这来自于弱势儿童因生活常态发生改变产生被抛弃的恐惧，如搬家、亲人生病、异地求学、与亲人分离等。
　　
这种恐惧激发了童年女主角以毁灭真实自我来进行自我保护，从此，她是理想中的她自己---珍尼，她慢慢长大，如常人一样拥有了正常生活，结婚生字。但是无论现实中她获得了什么都不能令她感到安全，因为她常常发现自己有伤痕累累丑陋的一面。勇敢的珍尼回到家乡寻找答案。
　　
珍尼发现正是那次缘自9岁的被抛弃，自己早就死了，真实存在的其实是女主角，而自己只是女主角理想中的自己。面对真实的力量，珍尼发现承认事实其实也不是很差，毕竟她还是莫妮卡贝鲁奇，西西里岛的美丽女人。
　　
一旦确定真实的自己，她渐渐意识到，身边的人也不是那么糟糕。丈夫还是一贯的英俊优秀体贴、孩子们始终未变。她理想中的母亲不值得她抓狂、她的母亲和阿姨都很爱她。甚至她童年的伙伴、与她产生异性吸引的哥哥都是一直记念着她。
　　
从“我是谁”到“接受真实的自己”，电影混杂女主角成长的隐秘、对亲人的理解和宽恕。童年她被迫离家是因为与兄弟发生不伦的异性吸引？
　　
这样的接受之后，真实的人继续生活，理想的自己与真实的自己分享属于自己的天地。欢欣共存。试想，网络难道不是一种理想状态的自己吗？有的人习惯与他人保持安全距离，即使是出嫁的女儿也对娘家不过分期待。有的人喜欢将网络与现实紧密结合，网聊之后还要结婚、见面、做生意之类。
　　
这都是各自选择的自由吧。


《不要回头》：那些分裂的迷惑和疼痛 作者：珊瑚

《成长教育》：“爱”与“被爱”

对于原著改编的电影作品，无非是保留原著精髓用影像还原，亦或在原著基础上进行再解读，有些极端分子可能只取部分故事而进行一次全新的完全颠覆的再创作.....Lone Scherfig很传统，她选择了前者。
　　
令人遗憾的是，Lone并没有在原著基础上注入新的动力。比起05年Joe Wright用诗一般的镜头语言重新打造《傲慢与偏见》时的精艳，Lone在影像方面实在只能说中规中矩，甚至有些流水账....莫不是Carey Mulligan华丽的演技和对于六十年代氛围的精准还原，我们几乎挑不出电影的其它优点了....
　　
诚然，既然Lone选择了原著精髓，那么剧情是电影的重点。Lynn Barber的原著就叫An Education，其故事本身有着明显的宣扬女权的特点。电影自然也是，无论对于故事的主人公Jenny还是对于台下的观众都是一次意味深长的education。

当然台下的男性同胞们可能不会有女人们那样的共鸣，但至少能理解导演要告诉我们什么。的确，男人永远都是女人心中的痛（其实对于男人而言，女人又何尝不是）。当一个成功、富有、能说会道、彬彬有礼的魅力男人意图成为一个无财、无名、无生活激情的小女孩的枕边人的时候，我们看不到任何反对的理由。当然，当女同胞们对于这样一个完美男人竟然背着女主角轮换枕边人而扼腕叹息时，男胞们也丝毫不会惊讶。世界本就这样运转，女人们永远希望被一个完美的男人毫无保留的爱着，而男人们则永远希望成为那个完美男人。笔者身为男性也不想做任何辩解，处在那样一个位置的男性是不可能只有一个女人的，这完全是天性，无法改变。
　　
Lynn的故事鼓励女性去掌握自己的生活，而不要被一时的物质欢愉所蒙蔽双眼。然而Lynn的美好想法的局限性非常明显，为什么当下女性依然以傍大款为荣？为什么从事特殊服务行业的女性每年只在增加而从未减少？事实是，不是每个女人都有Jenny那样的头脑和美貌，为物质生活发愁仍是现代人难以忽视的首要问题，实际上，这是人一生的追求目标--物质。显然，局限性地去理解这一次成长教育对广大群众是不公平的。
　　
那么摒弃智慧与美貌，我们把重点放到“爱”。
　　
推己及人，我们继续深入故事里去挖掘，可以发现女主角身边的两个男人，一个物质完美却花心非常，另一个没有情趣亦无财力却可以真心去爱女人。不难看出Lone对于男性的绝望心态，现实生活又何尝不是这样。向物质屈服，还是向被爱屈服？于是，从另一个角度去体会这个故事我们发现，突然可以用相亲时的经典尴尬问题来概括An Education的关键选择问题：即身为一个女性，你会选择一个你爱的人做你的伴侣，还是选择一个爱你的人？
　　
这个问题无疑是尴尬的，可又的的确确无比现实。Lone的观点是显然是选择那个爱你的人，就如同电影最后和女主角骑单车的懵懂小子一样，女主角不会告诉他她早已体会过巴黎的繁华和世间的刺激，这小子却可以疯狂的迷着她，何乐而不为？
　　
无论现实还是影片中，男性权力往往以物质为主。大把大把的金钱，换来的物质上极致的享受，任谁也无法不被诱惑。特别是对于女性，千百年来，自从夏娃从亚当的一根肋骨发展而来，女性的物质基础一直都来源于男性。显然，活在男性阴影下是不公平的，女同胞们绝对有权利去追求自己的幸福。Lynn告诉广大女同胞，向物质屈服，你不会幸福。
　　
在跳水名将们、美女明星们都不顾一切地冲向“物质”家族的今天，成长教育对于每个人都是适用的。“爱”与“被爱”的观点或许在一些人眼里显的幼稚而不成熟，因为生活本身是艰辛的。但其实生活也是简单的，快乐是一辈子，不快乐也是一辈子。钱不等于快乐，这句话我可以很自信的说。特别是对于女性大众们，世间有那么多挣扎着想去爱别人的男人。
　　
有时候，把自己的眼光重新审视一番，你会发现很多真心对女人的男人，他们或许没那么优秀，或许没有什么吸引力，但他们是全心全意地爱着别人，因为世界是公平的。从来都只是“爱”和“被爱”的两个人。


《成长教育》：“爱”与“被爱” 作者：杀手Roy

《哈里·布朗》：最后正义战胜了邪恶

我有一个在南伦敦土生土长的哥们，当过足球运动员，后来膝盖受伤退役，然后开始四处云游。一天陪丫去鼓楼买琴的时候，他看见某琴行30平米的地方有五六个伙计在忙活觉得很搞笑。我跟他说，很多这样的都是中下层的孩子们来北京追求梦想的，琴行的工作让他们能接触更多买不起的乐器，是个不错的事儿。
　　
然后这兄弟操着你在两杆大烟枪和Snatch里听熟了的伦敦胡同话说，其实这挺好的，在我们那，你知道无所事事的小孩们都干嘛么？都不干好事儿，四处打砸抢呢。
　　
Harry Brown这部电影要说的，就是这么一个光鲜外表之外的伦敦，南部伦敦。除了旅游胜地和文化据点之外的英格兰首都的一部分。
　　
一个老大爷，曾经是皇家海军陆战队的精英，年逾古稀的时候靠着低保住在一幢廉价公寓里，老伴垂死，并且结果还是死了。这片儿有一群青少年流氓，长年堵在一个公路下的隧道里。在老伴临死的雨夜，老头为了避开小王八蛋们没有选择走隧道抄近路，以至于没有见到老伴最后一面，他很伤感。

老人的名字叫哈里·布朗，不是波特，所以看起来很平常。他有一个棋友Len，就是给波特他们学校看门的那位。他们一块在军队里呆过，和爱尔兰共和军干过仗。不行的是，老人往往是小流氓欺负的对象。Len忍无可忍，警察却束手无策，他决定带着刀去报复小混蛋们，结果反被捅得血肉模糊。布朗老人得知死讯后，欲哭无泪。
　　
这两件事儿，外加目睹的无数次小流氓们的行径构成了主人公在电影后半段变身孤胆枪手的动机。
　　
本片是导演Daniel Barber的处女作，没有炫耀的技巧也没有过度的情节编排，一切中规中矩。在阴暗的英格兰天气里讲了一个阴暗的故事。一个公民被逼成复仇者的事儿。这种故事并不新鲜，比较近的可以举一个凯文·贝肯的《Death Sentence》。然而模式化，俗气的好莱坞和英国人的区别在于，前者严守着清教徒教义，让所有取人性命者，包括为子复仇的主人公一并死掉，而后哈里·布朗在片尾则依旧能够平静地走过那条被他肃清的过街隧道。
　　
所以，再看了太多纠结的，讲人性的电影以后，这种简单的正义战胜邪恶回归了最浅显基础的人类道德观，让人在最后能够长舒一口气。这种题材可以上升到青少年犯罪调查，或者警局不作为现象的讨论层面。但一如英国其他的艺术形式一样，那的导演们大多数时候视角更加微观，就像本片一样，仅做出单方面的解读就够了，也让观众少了不少负担。
　　
有的评论说，电影前一半的铺垫过长，但其实正好给了布朗在后半段发飙做了充分的情感铺垫，同时，不得不说，没有迈克尔·凯恩的表演，这个剧本呈现出来的效果会逊色很多。特别是当哈里·布朗在毒贩的大麻种植基地第二次杀人的时候，凯恩面对垂死的恶人那种冰冷的眼神实在是酷到了极致。
　　
而情节上，比较有失偏颇的一段就是影片高潮段落，在混乱中被流氓袭击的两位警官遇到了拔刀相助的布朗，这个有点过于巧合，或者说没有给巧合做够铺垫。
　　
Emily Mortimer饰演的女警官和同题材中的女性一样是个典型的妇人之仁的拖油瓶，并且间接害死了自己的搭档。没死实在是影片一大憾事。
　　
最后，说个题外八卦。英国版Timeout给了本片两星，评论中和谐地之处，片子里的伦敦和现实中大相径庭，简直给帝都抹黑。
　　
结果这评论很不招人待见，遭到了人民群众的反驳。


《哈里·布朗》：最后正义战胜了邪恶 作者：玛丽莲·梦兔

《暮光之城2：新月》：爱就要在一起

《新月》依然依附于原著的脉搏律动，虽然用尽120分钟，原著中的个别细节及着重突出的个性人物未能完美尽现。但在我看来，以克里斯.韦兹一向不分主次，晕人为标识的做派，让他讲暮光二部，除了争议，也有一丝等热闹瞧的期待。客观地说，虽不深刻，但还是比较尊重原著的。
　　
对克里斯.韦兹来说，能松一口气了，没得到凯瑟琳.哈德威克的礼遇，至少以男性的视角为影片补充了阳刚气。有人被雷得哭笑不得，但还会买票进影院看，这就是令人满意的结果。我用了N久接收文件，又花费了两个小时满足好奇心，接下来有了去影院再看一遍的计划，这就是所谓口水电影的炫丽泡沫产生的效应。
　　
《新月》没想用严丝合缝的故事展现“成熟”耐打量的气质，所以不好在它单纯的青春脸庞上苛求内涵与风韵。权当自己被变回到了十七八九的一枝花，在洒满银光的暮色大地幽会，在绿荫笼罩的芳草地携手奔跑。

赵咏华唱到，“我能想到最浪漫的事，就是和你一起慢慢变老。”即使斗转星移，海枯石烂，我们都祈福不变的真情永远牵着两颗心。或许这是凡人的情歌，只要心不变，歌就能唱到老。问题是，人与吸血鬼的爱情要如何一起变老？
　　
画面铺开，贝拉看到了年老时的自己，那时爱德华依然年轻俊朗，幸亏是场噩梦。也是全篇的一句潜台词，贝拉愈发深爱爱德华，她愈发恐惧“凡人”的身份，让自己成为吸血鬼成了最需解决的问题。这是贝拉的心事，同样也是爱德华的秘密。否则，《罗密欧与朱丽叶》的悲剧不会深入到爱德华的身体里，激起那颗不会跳动的心无限的哀愁。如果贝拉先爱德华死去，那么他也会放弃吸血鬼无限的生命，奔爱而去。爱情在开场后，贝拉与爱德华第一次在心底里为爱盟誓，周围的一切变得更冷、更暗、更孤独。
　　
贝拉生日那天，在卡伦医生家庆生。贾斯帕的失控不过是一个小小的引子，这对爱德华来说是个问题，但不足以让他退缩。让孤独无助的坏吸血鬼维多利亚藏在故事里，是不错的编排。一条明线，却在暗中作梗，引出误会与矛盾，无论是出于为夫报仇的动机，还是替爱德华的隐身找个理由，都合情合理。情节上，她跳入大海的那一幕，很炫，至于在林中与雅各布的对博，只能算眨眼间露脸。
　　
从爱德华退去后，整个一个小时就成了雅各布的专场。这60多分钟一直散发着暧昧与忧伤的气味。若没有暮光的第三部、第四部，没人怀疑雅各布对贝拉的爱慕。因为有了后续，对所有罩在雅各布身上的情调只能归于冲动与懵懂了，还有就是他本能意识里对贝拉这个未来岳母的关爱。其实，本片的巧妙之处也在这儿，考验有情人的忠诚度，同时费劲心思刻画了爱德华之外的另一优质偶像。事实证明，这招很管用，雅各布的粉丝在暴涨，深邃的狼眼，性感的腹肌，忠诚不二的个性，一个女人一生得一这样的小跟班足矣。相对于原著，用在雅各布身上的笔墨不算多，这在屏幕内也算做了补偿。
　　
一直喜欢贝拉的迈克同学约贝拉看电影，雅各布、迈克、贝拉同行。坐在座位上，两男生相同的手势拍出了轻松而又富有深意的幽默。贝拉不会选择同为人类的迈克，她也不会投向野性十足的狼族，这是贝拉能够信守爱情的信号。而对应爱德华的忠诚，用罗密欧与朱丽叶的戏剧故事做模版虽有点老掉牙，但也说得过去。
　　
罗莎莉终究是要闯祸的，不过这祸闯得不错。考验了爱德华，又为两情人的相聚找到了机会。爱德华得知贝拉已死，决定了结自己。贝拉随爱丽丝跑到意大利去救爱德华，这段过度得太快，但看看时间，也理解导演的霹雳手。前面“思”与“想”的确浪费了很多胶片，后头没得奢华了。
　　
至于结果，当然是一番“淡定”的冲突，一切归于平静。转身离去的雅各布算得上是有味道的煽情，爱丽丝预见未来的影像中，贝拉与爱德华的双宿双飞，咦….真的有点酸，不过年轻人的爱情都是酸酸的柠檬味儿，所以能理解。
　　
有个不知所云的是贝拉扇保罗的那一掌，保罗介意身份暴露这太正常了，贝拉玩功夫，知道她这是为后面的故事铺垫，但怎么看都觉得这一掌突兀。还有最后想戳戳帕丁森的痛，这《新月》好像跟他没关系一样。爱德华实在是太低调了，听听，到处在说不爱穿衣服的狼族。这一局，吸血鬼明显没PK过狼族。而且，戏外帕丁森又传出与斯图尔特分手的消息，简直要用暗淡孤独的宣传效果把他冷落到底。《暮光之城3月食》估计也是他的期待！


《暮光之城2：新月》：爱就要在一起 作者：小小农

《预言者》(A Prophet)：浅窥法国监狱

《预言者》是一部记录法国监狱的影片，雅克.欧迪亚在受访时，否认了这样的说法。我不知道法国监狱到底是什么样子，凭借此片，若忠实于生活，那我倒觉得这种说法很恰当。总比法国的《肖申克救赎》或法国犯罪史诗片来的恰当、真诚。
　　
马利克（塔哈.拉希姆饰）一个阿拉伯裔小流氓，确切地说，是个混了一半阿拉伯血统的法国小青年。因为打架抢劫袭警之类的犯罪行为被判了6年，19岁被收进监狱，由国家承担教化的责任。律师为了拿到报酬让他签字的那段挺无奈的，烂命一条的愣头青进了监狱对未来还表现得懵懵懂懂的，实在是深刻。

哪都有市场，哪都有监狱，有些规则也一样。剥夺了自由，自然要剥夺某些权益。脱光了搜身，头发要剃掉，到了里面还要接受欢迎新同学的洗礼。马利克还算走运，除了挨几拳，被人当成基佬，运动鞋被人掠走，很快就有大佬自动找上门，主动要做他的靠山。当然，这里一定有阴谋，接受这场交易，马利克的正式黑道生活才算开始。

凯撒，科西嘉人，在监狱里能够呼风唤雨的大人物。培养了马利克,结果让这后辈把自己踩在了脚下。他为马利克准备的入帮仪式堪称本剧的一大高潮，把刀片藏在嘴里，然后割掉瑞比的喉咙。这类暴力镜头，很多导演喜欢用快节奏的蒙太奇手法。雅克.欧迪亚却用了缓中带急的情绪烘托，甚至把施暴的画面用抻面条的节奏延长了暴力的感官刺激，殷红的血液泼洒在法式阴郁的画色中，只因为嗅到现实的血腥气味，感到更加震撼与不适。
　　
瑞比这个人物设置得有点意思，他死后的灵魂被导演赋予另一个角色，时常跑进马利克的精神幻境中，向这个矛盾的凡人泄露天机。实际上是为这个杀了人，摆脱不了罪恶的罪犯送去恶灵的慰藉。这种愿望也是出自马利克的本能，瑞比未死前曾对马利克说过，他会留几本书给马利克，还苦口婆心地劝马利克学文化，好像又契合了某种观点，不识字的人相当敬畏知识。
　　
罗素在《道德哲学》里说“服从神的意志会产生一种无与伦比的安全感，服从源于恐惧，无论我们所服从的领袖是人还是神。”
　　
我想说马利克从幻境中得到了启示，他以为自己就是先知，所有的一切都是神的旨意。其实，再绕到精神与物质上我们不难理解，所有的借口，即使披上了神的光环，都是人为的产物。不是精神上出了问题，就是精神上正常到能够用超高的智慧玩弄所有人。
　　
或许雅克.欧迪亚渲染的宗教色彩非我所理解的那么肤浅，这里的确包容了太多我所不知的民族传统及宗教文化。
　　
成就任何一个传奇人物，都需要垫脚石。
　　
Ryad（从名字猜测他是摩洛哥裔）， 帮助马利克学文化的癌症晚期狱友，他是一个很真实的人物，在超市工作，有老婆有孩子，养过一条精神病狗，结果噩运通通找上他。他的存在旨在讽刺艰难生活的社会状态，同时也是马利克得以成功杀出血路的忠诚战友。最后自己一命呜呼，连媳妇带孩子一切转到马利克的手里。另一个是因走私贩毒被抓进来的埃及年轻人Jordi，从他这里，马利克找到了发家致富的创业项目。但这都是小跳板，在狱中像模范生一样重新改造，而高墙外却是另一番景象。这叫明修栈道，暗度陈仓，就连赐予马利克所有便利的幕后老大凯撒都被欺骗了。于是，这样一位小混混，经过六年的奋斗，终于剔除老凯撒，成为了新的黑帮老大。
　　
最后很唯美，也很机智。做小弟的除了为大哥抛头颅洒热血，心眼儿也得够活份。马利克扭头看了好几眼那一条张扬的车队，手从兜里掏出来，一定做了某个手势，只是切到了屏幕外。其实之前马利克走出看守所时，不经意的张望与点头做足了身份的伏笔。这有点像调戏猜不透大哥心思的兄弟们，娱乐性十足，却也有它的价值。当那首相当有来头的《mack the knife》嵌入画面后，神奇的效果就出来了。跟总结中心思想一样，歌词唱的就是一个十恶不赦的大混蛋，虽然不是Bobby Darin的原唱版，但改换成Jimmie dale gilmore演绎出的另一种味道，极具个人风格的吐字方式使爵士味浓郁的歌曲充满了空灵与邪性，倒是加强了本片的气质。Bobby Darin的成名曲实现了他要成为传奇人物的梦想，结果这么一唱，好与坏，也算为马利克的传奇收了尾。
　　
要说本片制作精良，没有异议。拍摄手法也力求突破，多处营造窥视的镜头感，黑幕、画外音频频出现，模拟心跳的背景音效渲染了现场气氛。但就影片的长度，实在是折磨人，因为带有太多法兰斯浪漫的气质，暴力配以抒情在这里显得有些格格不入。虽然效仿了好莱坞的叙事方式，但过于细腻，反而有种拖沓冗长的感觉。似乎只有前四十分钟能让人集中精神，跟着镜头把监狱翻了个遍，再回到故事上，就有种欲睡又不甘的状态了。但有个不错的感受是来自观片后的回味，再返回去重看，拿遥控器快进的手就灵活多了，而且收获也不少。


《预言者》(A Prophet)：浅窥法国监狱 作者：小小农